Top 34 Zitate und Sprüche von Antoni Tapies

Wenn ich die Welt nicht verändern kann, möchte ich zumindest die Sichtweise der Menschen auf sie ändern.

In unserer Welt, in der religiöse Bilder ihre Bedeutung verlieren, in der unsere Bräuche immer säkularer werden, verlieren wir unseren Sinn für das Ewige. Ich denke, es ist ein Verlust, der der modernen Kunst großen Schaden zugefügt hat. Malerei ist eine Rückkehr zu den Ursprüngen.

Welches Land ist real, meins oder das des Lehrers? Ich wünsche mir, dass wir nach und nach unser Vertrauen in das verlieren, woran wir glauben und was wir für stabil und sicher halten, um uns an die unendliche Zahl von Dingen zu erinnern, die noch darauf warten, entdeckt zu werden.

Das Tattoo kann nur als Teil der Haut existieren, da eine Zeichnung immer ein Einschnitt in das Material ist und daher nicht von dieser getrennt werden kann.

Wie ein Forscher in seinem Labor bin ich der erste Betrachter der aus den Materialien gewonnenen Anregungen. Ich entfessele ihre Ausdrucksmöglichkeiten, auch wenn ich keine klare Vorstellung davon habe, was ich tun werde. Während ich meiner Arbeit nachgehe, formuliere ich meine Gedanken, und aus diesem Kampf zwischen dem, was ich will, und der Realität des Materials – aus dieser Spannung – entsteht ein Gleichgewicht.

Ein Kreuz könnte eine Form sein, um etwas Großzügiges auszudrücken; wie die Koordinatoren des Weltraums. Das könnte man seine erste Bedeutung oder seine erste Relevanz nennen.

Die materielle Präsenz des Werkes dient lediglich als Vermittler und lädt den Betrachter ein, am umfassenden Spiel der tausend und einen Emotionen und Visionen teilzunehmen.

Bei meinen Aktivitäten ging es nie darum, berühmt zu werden oder Erfolg zu haben. Es war mir immer ein Anliegen, die Leute dazu zu bringen, mir zuzuhören. Bei allem, was ich tue, ist es mein Ziel, dass die Leute zuhören. Ich möchte die Dinge kommunizieren, die ich liebe und an die ich glaube, weil ich denke, dass Menschen daraus einen allgemeinen Nutzen ziehen können. Was ich wirklich will, ist Erfolg im philosophischen Sinne: Ich möchte, dass die Menschen etwas von den Ideen und Hoffnungen begreifen, die ich in der Malerei zum Ausdruck bringe.

Wenn man Dinge auf eine Weise zeichnet, die nur den geringsten Hinweis auf ihre Bedeutung gibt, ist der Betrachter gezwungen, die Lücken mit Hilfe seiner eigenen Vorstellungskraft zu füllen. Er ist gezwungen, am kreativen Akt teilzunehmen, was ich für sehr wichtig halte.

Im Potenzial der Absurdität ist das Verstecken in der disparaten Kombination der verschiedenen Themen, die an sich nichts anderes als Alltagsgegenstände sind, ebenso in der ausschließlichen Darstellung eines normalen, aus ihrem üblichen Kontext herausgelösten Gegenstands das bei weitem radikalste – in seiner Wirkung vergleichbar mit einem japanischen Zen-Koan – Paradoxon, das die moderne Kunst hervorgebracht hat, einer der kraftvollsten Impulse, die daraus hervorgegangen sind.

Mit meiner Arbeit versuche ich, dem Menschen zu helfen, seine Entfremdung zu überwinden; Ich tue dies, indem ich sein tägliches Leben mit Objekten umgebe, die ihn auf taktile Weise mit den letzten und tiefsten Problemen unserer Existenz konfrontieren. Ich möchte, dass die Mittel, mit denen ich die nötigen Impulse erzeuge, so direkt wie möglich sind. Anstatt eine Predigt über Demut zu halten, ziehe ich es oft vor, die Demut selbst darzustellen.

Ein Bild bedeutet nichts. Es ist nur eine Tür, die zur nächsten Tür führt. Es wird nie passieren, dass wir die Wahrheit, nach der wir suchen, nur in einem Bild finden; Hinter der letzten Tür wird es passieren, dass der Zuschauer aus eigener Kraft die Wahrheit erfährt.

Die dramatischen Leiden der Erwachsenen und all die grausamen Fantasien meiner Altersgenossen, die inmitten so vieler Katastrophen ihren eigenen Impulsen überlassen zu sein schienen, schienen sich in die Wände um mich herum einzuschreiben.

Ich verspüre den Wunsch oder besser gesagt das starke Bedürfnis, etwas Nützliches für die Gesellschaft zu tun, und das ist es, was mich anspornt. Ich achte in jeder Situation immer darauf, was für meine Mitbürger positiv und nützlich ist.

Der Künstler mag zu Recht die Meinung vertreten, dass er weder Ideen vermittelt, nicht predigt, noch dass er die Absicht hat, Menschen durch den Einsatz von Massenkommunikationstechniken zu bekehren. Besser als alle möglichen weisen Ratschläge zu geben, könnte er das Leben selbst zeigen; Er konnte Kräfte wecken, die in jedem schlummerten, er konnte eine Einladung auslösen, direkte und persönliche Erfahrungen zu schaffen.

Ich betrachte ästhetische Ideen nie als eine rein eigenständige Existenz, sondern als eine Funktion, die sie im Zusammenhang mit politischen oder moralischen Werten haben.

In glücklichen Momenten konnte diese Ausstrahlung den Betrachter derart überwältigen, dass er durch allerlei Assoziationen in seinem Denken schließlich in jene Bereiche entführt werden konnte, die auch mich so tief berührt hatten und die mich glauben ließen, dass ich darauf aufmerksam machen sollte andere dazu.

Die Idee der Zerstörung hat etwas Beeindruckendes. Dieser Akt der Zerstörung ist Ausdruck einer Idee... dass das, was wir Realität nennen, überhaupt nicht real ist. Wenn ich zum Beispiel einen Kopf zeichne, verspüre ich sofort den Drang, ihn zu zerstören, ihn auszuradieren, weil die Zeichnung nur eine äußere Erscheinung einfängt und für mich die entscheidende Frage ist, was sich hinter der visuellen Form des Kopfes verbirgt.

Es ist das, was die auf diese Weise angewandten Bedingungen und Gesetze der Beobachtung bewusst macht und zu einem eigenständigen Thema macht. Die vom Verlauf der Arbeit selbst abhängige Aktivität des Bewusstseins wird auf diese Weise zum Gegenstand meiner Aufmerksamkeit, und gerade aufgrund dieser voyeuristischen Haltung gegenüber der eigenen Beobachtung und Erfahrung des Themas zeigt sich die bewusste analytische Dimension in der Arbeit.

Ich würde aus dem Stegreif sagen, dass ich ein ängstlicher Mensch bin. Ich mache mir über alles Sorgen. Ich muss alles wissen. Ich neige dazu, in einem Zustand der Angst zu leben und das Gefühl zu haben, dass das Leben eine Art große Katastrophe ist.

Ich habe den Fanatikern des Realismus oft gesagt, dass es in der Kunst keinen Realismus gibt: Er existiert nur im Kopf des Betrachters. Kunst ist ein Symbol, etwas, das die Realität in unserem geistigen Bild heraufbeschwört. Deshalb sehe ich auch keinen Widerspruch zwischen abstrakter und figurativer Kunst.

Die höchste Weisheit nimmt den bescheidensten Körper an.

Kontakt mit der Realität herzustellen bedeutet nicht, sich woanders hinzubewegen, es ist keine Transzendenz, sondern ein völliges Eintauchen in die eigene Umgebung. Eine Realität, die weder rein physisch noch metaphysisch ist, sondern beides zugleich.

Schnelles Malen ist ein kalkulierter Akt, um rationales Denken auszublenden.

Der Künstler muss dem Betrachter klar machen, dass seine Welt zu eng ist, er muss sich für neue Perspektiven öffnen.

Alle meine Bilder sind eine Art Überarbeitung meiner ursprünglichen Idee. Das unterscheidet sich sicherlich stark von der Art und Weise, wie japanische oder chinesische Künstler arbeiten: Ihre Themen sind vorherbestimmt, während meine Themen nach Belieben erfunden werden.

Die Absicht bestand offensichtlich nicht darin, zu Bildern zurückzukehren, die traditionell als würdige oder heilige Bilder und Formen geschätzt wurden, sondern genau das Gegenteil; Ihr Hauptzweck musste darin bestehen, alles, was bisher als wenig wertvoll und erbärmlich galt, als heilige Kunst zu verwirklichen.

Meine Illusion besteht darin, etwas zu übermitteln. Wenn ich die Welt nicht verändern kann, möchte ich zumindest die Sichtweise der Menschen auf sie ändern.

Menschen daran erinnern, worum es in Wirklichkeit geht, ihnen ein Thema zum Nachdenken geben, einen Schock in ihnen hervorrufen, sie aus der Illusion der Nicht-Authentizität herausholen und ihnen ermöglichen, sich ihrer wahren Möglichkeiten bewusst zu werden.

Kunst soll den Betrachter zum Nachdenken über den Sinn des Lebens anregen.

Ich interessiere mich für Studium, Reflexion, Philosophie – aber immer als Dilettant. Ich betrachte mich auch als Maler als Dilettanten.

Wenn ich von der Realität spreche, denke ich immer an das Wesentliche. Profundity liegt nicht in einer abgelegenen, unzugänglichen Region. Es ist im Alltag verwurzelt.

Sie kämpften mit Leinwänden, verwendeten kräftige Farben und riesige Pinselstriche. Ich kam mit grauen, stummen, nüchternen, bedrückten Gemälden an. Ein Kritiker sagte, es seien Gemälde, die nachdachten.

Angefangen bei der Annäherung an die Stelle, an der gemalt werden soll, über das Erkennen der Leere des Geistes bis hin zur Methode des „fliegenden Weißen“, der Regel des einzelnen Pinselstrichs ... ..es gibt ein Eigentümliches Tradition, in der sich der Künstler voll und ganz der Tatsache bewusst ist, dass nur die reine und leere Spontaneität es ihm ermöglicht, alle Erscheinungen ohne Zögern zu umarmen und wirklich in die Wurzeln der Dinge einzudringen.