Top 213 Zitate und Sprüche von Jerry Saltz
Entdecken Sie beliebte Zitate und Sprüche des amerikanischen Kritikers Jerry Saltz.
Zuletzt aktualisiert am 5. November 2024.
Die Kunstwelt ist eine rein ehrenamtliche Kraft. Niemand muss hier sein, wenn er oder sie es nicht möchte, und wir sollten mit jedem verkehren, den wir wollen.
„Summer of Love: Art of the Psychedelic Era“, die Reise zum 40-jährigen Jubiläum des Whitney Museums in die Vergangenheit der Gegenkultur, bietet Momente voller lebhaftem Spaß, lässt Sie aber nur angenehm taub zurück. Zunächst einmal ist es vielleicht die weißeste, geradlinigste und konservativste Show, die in einem New Yorker Museum zu sehen war, seit Psychedelia neu war.
Die gesamte beste Kunst von Koons – die eingeschlossenen Staubsauger, das Kaninchen aus Edelstahl (das charakteristische Werk der Simulationsskulptur des späten 20. Jahrhunderts), der erstaunlich glänzende Ballonhund und die zuletzt ausgestellte gusseiserne Nachbildung eines Mörsers aus dem Bürgerkrieg Monat in der Waffenkammer - hat gleichzeitig extremen Realismus, Idealismus und Fantasie zur Schau gestellt.
Wenn die Frieze Art Fair Anklang findet, kann ich mir vorstellen, dass mindestens zwei großartige Dinge passieren. Erstens werden wir wieder einmal eine riesige Kunstmesse in der Stadt veranstalten, die nicht allzu nervig ist. Noch wichtiger ist, dass Frieze den New Yorkern endlich zeigt, dass wir für visuelle Kultur unsere eigenen Gewässer überqueren können. Das würde alles ändern.
Es gibt Gerüchte, dass Galerien Künstler nach größeren Kunstwerken und mehr davon fragen. Ich habe von Fotografen gehört, die gebeten wurden, größere Bilder zu drucken, um die Wirkungskraft ihrer Bilder zu steigern und ihre Arbeit verkaufsfähiger zu machen. Alles wird auf Maximum gestellt, um das Biest zu füttern.
Der Stil der altägyptischen Kunst ist überaus klar, etwas, das 8-Jährige sofort erkennen können. Seine Konsistenz und Kodifizierung ist eine der epischsten visuellen Reisen in der gesamten Kunst, die 30 Dynastien über 3.000 Jahre hinweg dauert.
Ich liebe Kunsthändler. In gewisser Weise sind sie meine Lieblingsmenschen in der Kunstwelt. Wirklich. Ich finde es toll, dass sie ihr Geld dort einsetzen, wo ihr Geschmack ist, ihre eigenen ästhetischen Universen schaffen, Künstler unterstützen, Leute beschäftigen und das alles tun, während sie uns Kunst kostenlos zeigen lassen. Viele sind Visionäre.
Mein Nominierter für den besten Film des Jahres – vielleicht der beste Film aller Zeiten, weil er im Wesentlichen aus einer ekstatischen Liebeserklärung an alle anderen Filme besteht – ist Christian Marclays unendlich verlockendes Meisterwerk „The Clock“, das man gesehen haben muss.
Für mich ist nichts in der Kunstwelt neutral. Die Vorstellung von „Desinteresse“ kommt mir langweilig, unehrlich, zweifelhaft und uninteressant vor.
Es ist Kunst, die sich gegen psychologische und soziale Erwartungen wendet, die versucht, den Verfall in etwas Generatives zu verwandeln, die auf barocke Weise reproduzierbar ist, bei der es nicht um Fortschritt geht und die – wie Walt Whitman es ausdrückte – „Vielheiten enthalten“ will.
In den späten 1970er-Jahren begannen sowohl die Anzahl als auch die Größe der Galerien zu wachsen, als Künstler, die in Lofts arbeiteten, ihre Arbeiten in Räumen ausstellen wollten, die denen ähnelten, in denen die Kunst entstand.
Ich gehe nicht oft zu Ausstellungsrundgängen durch Kuratoren oder Künstler. Für einen Kritiker fühlt es sich an wie Betrug. Ich möchte Ausstellungen mit eigenen Augen sehen, meine eigenen Fehler machen und Ausstellungen so sehen, wie die meisten Zuschauer sie sehen.
Heutzutage liegt der Preis für neue Kunst zwischen 10.000 und 25.000 US-Dollar. Wenn ich Künstlern sage, dass ein neues Gemälde eines neuen Künstlers etwa 1.200 US-Dollar kosten sollte, sehen sie mich an, als wäre ich ein fleischfressender Virus.
Ich habe ein Faible für Kunst, die thematisch und materiell geschmacklos ist.
Wahrscheinlich könnte nur ein Kunstkenner wie ich etwas so Einfachem und Albernem wie Tebowing eine tiefere Bedeutung zuordnen. Aber jedes Mal, wenn Menschen eine Haltung oder einen kleinen Tanz wiederholen, allein oder zusammen, erkennen wir, dass dies etwas bedeuten kann. Imaginäre und unausgesprochene Sprache ist unser Ding.
Das heißt nicht, dass Menschen durch Kunst nicht reich werden sollten. Ich liebe die Alchemie, mit der Künstler, die einen komplexen Zauber wirken, reiche Leute dazu bringen, ihnen ihr Geld zu geben. (Allein das Schreiben bringt mich zum Lachen.) Aber zu viele Künstler haben ihr Geld ohne Magie verdient.
Die atemberaubenden großformatigen Bilder von Wolfgang Tillman, die zum ersten Mal gezeigt wurden, waren so spontan, dass ich sie nicht als Kunst betrachten konnte.
Kann der Weltraum zerbrechen? Ich meine den Raum der Kunstgalerien. Im Laufe der letzten 100 Jahre haben sich Kunstgalerien von der Optik von Beaux-Arts-Salons über einfache Ladenfronten und Industrielofts bis hin zu den strahlend riesigen weißen Würfeln von Chelsea mit ihren glänzenden Betonböden entwickelt.
Ich ertappe mich oft dabei, dass ich insgeheim über viel britische Kunst schmore und denke, dass die Engländer, abgesehen von ihren riesigen Gärten, nicht in erster Linie bildende Künstler sind, sondern in nahezu unübertrefflicher Weise literarisch.
Kunst verändert sich. Wieder. Hier. Jetzt. Die Gelegenheit, dies mitzuerleben, ist selten, also kommen Sie vorbei und beobachten Sie.
Wenn Menschen in Stadien die Welle machen, ist es der kollektive Organismus der Gruppe und des Geistes, der sich spontan organisiert, um eine Emotion auszudrücken, Zeit zu vertreiben und die Freude widerzuspiegeln, die Rhythmen vieler als Einheit zu sehen, einen visuellen Reim oder eine Musik, in der jeder spürt, wo die Bewegung geht.
Von allen Biennalen, Triennalen, Quadriennalen, Internationalen und großen Gruppenausstellungen gilt die Documenta, die 1955 gegründet wurde und alle fünf Jahre in Kassel, Deutschland, stattfindet, als die ernsteste. Eine Statement-Show.
Bei Künstlern, die für andere Künstler arbeiten, geht es darum, zu wissen, zu lernen, zu verlernen, langfristige künstlerische Dialoge zu initiieren, Verbindungen zu knüpfen, Zirkel zu gründen und vorübergehend Schutz vor dem Sturm zu finden.
„The Night Cafe“ und „The Starry Night“ strahlen noch immer so viel Pathos, Dichte und Intensität aus, dass es einem einen Schauer über den Rücken jagt. Ob Van Gogh in Farbe dachte oder mit seinem Intellekt fühlte, die radikale Farbe, die dynamische Verzerrung, das Herz, die Seele und die Teil-für-Teil-Struktur in diesen Gemälden machen ihn zu einer Brücke zu einer neuen Vision und der Vision selbst.
Der Sommer ist eine großartige Zeit, um Kunstmuseen zu besuchen, die die erfrischende Spülung von Schwimmbädern bieten – nur dass Sie statt kühlem Wasser in die Kunst eintauchen.
Kunst ist für jeden da. Es ist einfach nicht jedermanns Sache. Dennoch ist das Publikum im letzten Jahrzehnt enorm gewachsen, und das verärgert diejenigen außerhalb der Kunstwelt, die sich über Dinge wie Unverständlichkeit oder Geld ärgern.
Lassen Sie mich zunächst berichten, dass die Kunst in der Barnes Collection noch nie besser ausgesehen hat. Meine Ausflüge ins alte Barnes waren immer fantastisch, aber außer an den sonnigsten Tagen konnte man die Kunst kaum sehen. Das Gebäude fühlte sich immer überfordert an.
Nur ein Künstler, der so übernatürlich scharfsinnig und kopazistisch, so seltsam visionär und einfach seltsam ist wie Richard Artschwager, wäre in der Lage, den gesamten Verlauf der menschlichen Evolution darzustellen und ihm einen Sinn zu geben, während er gleichzeitig wie eine umwerfende Einsicht erscheint.
Das eigentliche Paradigma der Revolution, von richtig gegen falsch, gut gegen böse, ist ein Relikt ohne Bezug zur Gegenwart. Dennoch werten Künstler, Ausstellungen und Kuratoren die sechziger Jahre auf. Menschen, die vor 30 Jahren über diese Künstler geschrieben haben, schreiben immer noch auf die gleiche Art und Weise über sie, oft für die gleichen Zeitschriften.
Sie können nicht beweisen, dass Rembrandt besser ist als Norman Rockwell. Wenn Sie Rockwell tatsächlich bevorzugen, würde ich jedoch sagen, dass Sie Komplexität meiden, insgeheim konservativ waren und sich mit den Werken beider Maler nicht wirklich befasst haben. Geschmack ist ein Blutsport.
John Currins übertriebener Realismus und seine verdrehten Frauen brachten mich aus dem Gleichgewicht, ohne zu wissen, ob sie aufrichtig, ironisch oder eine neue Emotion waren.
Um uns mit Kunst zu beschäftigen, müssen wir bereit sein, falsch zu liegen, unsere psychische Komfortzone zu verlassen, den Unglauben aufzugeben und uns daran zu erinnern, dass Kunst gleichzeitig das Bewusstsein erforscht und verändert.
Wenn die Kunst gewinnt, gewinnen alle.
Jedes Jahr werden Milliarden von Fotos geschossen, und das Schwierigste, was ein Fotograf tun kann, ist, einen originellen, zutiefst persönlichen und sofort erkennbaren visuellen Stil zu erfinden. In den frühen Neunzigerjahren tat Wolfgang Tillmans genau das und verwandelte sich in eine neue Art von Künstler-Fotograf des modernen Lebens.
So verrückt es auch klingen mag, Thema und Stil können Künstler auf unvorstellbare kosmische Weise auswählen. Wie sonst wäre es zu erklären, dass selbst Künstler, denen das, was sie tun, Spaß macht, verwirrt oder sogar entsetzt darüber sein kann, dass sie es tun?
„Untitled“ ist eine Zeitmaschine, die Sie in das Jahr 1992 entführen kann, einen aufregenden Moment, als die Kunstwelt zusammenbrach, das Geld knapp war und Künstler wie Tiravanija sich in der Anfangsphase der Kombination von Happenings, Performance-Kunst, John Cage, Joseph Beuys, und der Do-it-yourself-Ethos des Punk. Inzwischen entstand eine neue Kunstwelt.
Als ich „This Progress“ durchging, eines von zwei Performance-Stücken von Tino Sehgal, die Frank Lloyd Wrights entleerte Spirale in eine verträumte sokratisch-fegefeuerliche Reise verwandeln, fiel das Museum buchstäblich weg. Ich war in einem seltsamen Nichtraum suspendiert.
Viele Leute halten es immer noch für eine zweifelhafte, unseriöse, leichtfertige und mädchenhafte Sache, sich um Kleidung zu kümmern.
Robert Rauschenberg war kein Gigant der amerikanischen Kunst; er war der Riese. Kein Amerikaner hat so viele ästhetische Möglichkeiten für so viele Künstler geschaffen.
In der Kunst ist ein Skandal eine falsche Erzählung, eine Nebelwand, die eher tarnt als enthüllt. Wenn wir nicht wissen, was wir sehen, reagieren wir über.
So wie Pollock den Tropfen nutzte, um Prozess und Produkt zu verschmelzen, „fand“ und nutzte Richter den Fleck und die Unschärfe, um das Auge zu verzaubern und Werke von psychischer und physischer Kraft zu schaffen.
Natürlich schafft jede Bewegung, die ihre Götter tötet, neue. Ich verabscheue die Rede davon, dass die Sechziger- und Siebzigerjahre eine „größte Generation“ von Künstlern waren, aber wenn wir solche idiotischen Bezeichnungen verwenden wollen, sollten wir diese auch auf die Künstler, Kuratoren und Galeristen anwenden, die in der ersten Hälfte von 2010 entstanden sind Die Neunziger.
Es gibt ein Werk von Baldessari, das ich wirklich liebe und das ich gerne besitzen würde, vielleicht wegen meiner Wurzeln im Mittleren Westen und meiner Liebe zum Alleinfahren. „The backs of all the Trucks Passed While Driving from Los Angeles to Santa Barbara, California, Sunday, 20 January 1963“ besteht aus einem Raster aus 32 kleinen Farbfotos, die genau das zeigen, was der Titel sagt.
Abstraktion ist eines der großartigsten visionären Werkzeuge, die jemals von Menschen erfunden wurden, um sich die Welt vorzustellen, zu entschlüsseln und darzustellen.
Auktionshäuser betreiben ein manipuliertes Spiel. Sie wissen genau, wie viele Personen auf ein Werk bieten werden und wer sie sind. In einer Galerie brauchen Kunstwerke nur eine Person, die sie bezahlen möchte.
Unter den lebenden Künstlern dürfte George Condo der am meisten von den Mächtigen umarmte Künstler sein.
Jeder, der Kunst liebt, sollte die außergewöhnliche Vielfalt und den übernatürlichen Zauber unserer Kunstgalerien lieben. In einem New Yorker Häuserblock – West 24th Street zwischen Tenth und Eleventh Avenue – gibt es zusammengenommen wahrscheinlich mehr Quadratmeter für die Ausstellung von Kunst als in allen Amsterdamer oder Hamburger Galerien.
Unsere Kultur verwandelt Bilder und Geschichte nun auf wunderbare, alchemistische Weise in künstlerisches Material. Die Möglichkeiten scheinen endlos und weit offen.
Der riesige White Cube behindert nun eher den Rhythmus der Kunst als ihn zu fördern. Es ist die Reise des Betrachters vorprogrammiert, verlagert den Schwerpunkt vom Prozess auf das Produkt und es mangelt ihm an Individualität und Offenheit. Es ist nicht so, dass Kunst nur in heruntergekommenen, ausgebombten Umgebungen zu sehen ist, aber sie sollte lebendig wirken.
Abstraktion bringt die Welt in komplexere, variablere Beziehungen; Es kann dem scheinbaren Nichts Schönheit, alternative Topografien, Hässlichkeit und intensive Aktualität entlocken.
Viele sagen, dass ein Kunsthändler, der ein Museum betreibt, einen „Interessenkonflikt“ darstellt. Aber vielleicht hat die Kunstwelt all die Jahre eine künstliche oder unbeabsichtigte Lüge gelebt, wenn es um Interessenkonflikte geht.
Es dauerte fast 50 Jahre, bis das Metropolitan Museum of Art Pablo Picasso entdeckte. Erst 1946 besaß das Museum eines seiner Gemälde, als Gertrude Stein ihr unbezwingbares, quasi-kubistisches Bild von sich selbst – ein Porträt des Schriftstellers als Sumo-Buddha – dem Met vermachte, hauptsächlich weil sie das Museum of Modern Art nicht mochte.
Venedig ist der perfekte Ort, um eine Phase der Kunst zu beenden. Keine andere Stadt auf der Welt verkörpert die Entropie so sehr wie dieses magische schwimmende Einkaufszentrum.
Ich bemerke in den jüngsten Ausstellungen in Museen und Galerien einen neuen Ansatz im Kunstschaffen. Es wurde letztes Jahr bei „Younger Than Jesus“ im New Museum ins Blickfeld gerückt und lief durch die Whitney Biennale, und ich sehe es aufblühen und Früchte tragen bei „Greater New York“, der zweimal im Jahrzehnt stattfindenden Spektakel des Auftauchens im MoMA PS 1 lokales Talent.
Mir gefällt, dass die Kunstwelt nicht reguliert ist.
Kunstwerke halten oft ewig oder fast ewig. Aber Ausstellungen selbst, insbesondere Galerieausstellungen, sind wie Blumen; Sie blühen auf und sterben dann ab, dann existieren sie nur noch als Erinnerungen oder werden in Zeitschriften und Büchern festgehalten.
Wenn wir die Galerien nur davon überzeugen könnten, eine Ruhephase einzuhalten, in der alle zwei Jahre zwei Monate lang neue und alte Kunstwerke in Hinterzimmern verkauft werden könnten und alle großen Galerien sich der Wiederholung vergangener Ausstellungen widmen würden.
Es hat zwanzig Jahre gedauert, bis ich Steven Parrinos Arbeit bekam. Als ich seine Kunst Mitte der Achtziger zum ersten Mal sah, tat ich sie fast immer als manierierte, romantische, formelhafte, konzeptualistisch-formalistische Heavy-Metal-Boy-Art-Abstraktion ab.
Natürlich ist die Ethik in der Kunstwelt wichtig. Aber Museen sind nicht reiner als jede andere Institution oder jedes andere Unternehmen. Akademiker sind nicht unbedingt anspruchsvoller als Galeristen.
Ich ärgere mich über Vincent van Gogh, weil er mit 37 Jahren sterben musste, nachdem er nur zehn Jahre lang gemalt hatte.
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