Top 47 Zitate und Sprüche von John Lahr

Die Theaterkritiker des „New Yorker“ hatten schon immer eine vergleichbare Autorität, da das Magazin es sich größtenteils zur Gewohnheit gemacht hatte, Kritiker zu beschäftigen, die sich nebenbei mit der Kunst beschäftigten. Sie arbeiteten sozusagen auf beiden Straßenseiten.

Wir waren weiße Kinder der Mittelschicht der Nachkriegszeit, die im Windschatten des größten Pro-Kopf-Einkommensanstiegs in der Geschichte der westlichen Zivilisation lebten; Wir waren „Teenager“ – ein Begriff, der 1941 geprägt wurde und ein Jahrzehnt später allgemein verwendet wurde – ein neues, erkennbares Franchise. Wir hatten unser eigenes Geld, unsere Mobilität und unsere eigenen Probleme.

Samuel Becketts „Warten auf Godot“, das als „die Lachsensation zweier Kontinente“ bezeichnet wird, feierte 1956 sein amerikanisches Debüt im Coconut Grove Playhouse in Miami, Florida. Mein Vater, Bert Lahr, spielte Estragon, einen von ihnen zwei Landstreicher mit Melone, die sich in einer Mondlandschaft die Zeit vertreiben und vergeblich auf die Ankunft eines Mr. Godot warten.

Ich gehe ins Theater und erwarte, eine gute Zeit zu haben. Ich möchte, dass mich jedes Stück und jede Aufführung irgendwohin führt. Das passiert natürlich nicht immer.

1957 hatte „West Side Story“ das Musical in die rücksichtslose dunkle Seite des Teenagerlebens eingeführt; „Bye Bye Birdie“, das in Sweet Apple, Ohio spielt, wo sich die Bürger offenbar hauptsächlich in Chartreuse, Lila, Orange, Immergrün und Türkis kleiden, war ein Spaziergang auf der positiven Seite.

Von den modernen Kritikern bewundere ich Mary McCarthys Beredsamkeit und soziale Beobachtung in „Sights and Spectacles“, obwohl ich fast mit allem, was sie sagt, nicht einverstanden bin; Sie denkt in gedruckter Form, hat aber kein wirkliches Gespür für die Bühne.

Wie die Heckflossen amerikanischer Autos der fünfziger Jahre oder die parabolischen Formen von Populuxe-Möbeln verkörpert „West Side Story“ den Traum vom Schwung im goldenen Zeitalter des 20. Jahrhunderts.

Obwohl die „New York Times“ jedes Jahr erklärt, dass der Broadway im Sterben liegt, sind die Nachrichten über seinen Untergang stark übertrieben. In der alten Torte steckt noch viel Leben.

Theater ist ein Versteckspiel. Sowohl für Versteckte als auch für Suchende liegt der Reiz in der Entdeckung. Wenn die Spielregeln jedoch zu vage oder zu kompliziert sind, kann es sein, dass das Publikum den Drang zum Spielen verliert; Der Preis scheint die Jagd nicht mehr ganz wert zu sein.

Theaterleute, die eine anpassungsfähige Spezies sind, wissen, dass man, um im Produktionsprozess, in dem jeder und sein Onkel eine Meinung darüber hat, wie man eine Show macht, vernünftig zu bleiben, die Leute auswählen muss, deren Wissen und Geschmack man vertraut, und sich nur an diese halten muss wenige. Die Tweetokratie ist kein Ort, an dem man suchen sollte.

Ein Prosaschreiber sieht nie, wie ein Leser ein Buch verlässt; Für einen Dramatiker ist das eine andere Sache. Ein Publikum ist eine unschätzbare Bildung. Meiner Erfahrung nach wissen Theaterkünstler erst dann, was sie gemacht haben, wenn sie es gemacht haben.

„Angels in America“ – bestehend aus den beiden dreistündigen Stücken „Millennium Approaches“ und „Perestroika“ – erwies sich als Wendedrama, der lyrischste und ehrgeizigste Vorbote einer Ära seit Tennessee Williams‘ „The Glass Menagerie“.

Die britische Dramatikerin Nina Raine ist eines der vielversprechendsten Talente ihrer Generation.

Als Elvis in „The Ed Sullivan Show“ sein Massenmediendebüt gab – seine berüchtigten Bewegungen wurden nur von der Hüfte aufwärts gefilmt –, fiel ich vor Freude von der Familien-Chaiselongue.

„Tod eines Handlungsreisenden“ ist eine brillante Taxonomie der spirituellen Verkümmerung im weißen Amerika der Mitte des 20. Jahrhunderts.

Sind Sie in den süßen Sommern der frühen 1960er-Jahre erwachsen geworden, als die Radiowellen voller Rock'n'Roll-Doo-Wop-Freudeversprechen waren und die Nation voll von JFKs beredtem Versprechen einer neuen Grenze? Ich tat. Das Leben schien wie ein Bankett vor uns zu liegen; Alles war zum Mitnehmen, besonders Herzen.

Schriftsteller wissen nicht immer, was sie meinen – deshalb schreiben sie. Ihre Arbeit steht für sie ein. Auf der Seite trifft der Leser auf das maßgebliche, vervollkommnete Selbst; Im Leben ist der Schriftsteller mit dem Ungewissen, Unvollkommenen beschäftigt.

Ich war der erste Kritiker überhaupt, der einen Tony gewann – für die Mitautorin von „Elaine Stritch at Liberty“. Kritik ist ein Leben ohne Risiko; Der Kritiker riskiert seine Meinung, der Macher riskiert sein Leben. Es ist ein demütigender Gedanke, aber für den Kritiker ist es wichtig, ihn im Hinterkopf zu behalten – ein Gedanke, den er nur kennen kann, wenn er selbst etwas gemacht hat.

Sein Leben war eine lange Extravaganz, als würde er in einem Fabergé-Ei leben.

Die Gesellschaft treibt die Menschen vor Lust in den Wahnsinn und nennt es Werbung.

In Großbritannien ist das Theater traditionell der Ort, an dem das Publikum über seine Vergangenheit nachdenkt und über seine Zukunft debattiert. Die Gründung des Nationaltheaters im Old Vic nahe der South Bank im Jahr 1963 institutionalisierte die symbolische Bedeutung des Theaters, indem ihm sowohl ein Gebäude als auch staatliche Mittel zur Verfügung gestellt wurden.

Tony Awards steigern die Besucherzahlen am Broadway und verkaufen die Shows auf Tour. Sie sind der Zucker, um die Fliege zu erschlagen. Wenn Sie weitere Erklärungen für das jährliche Ballyhoo benötigen: In den Ballungsräumen, in denen eine Broadway-Show spielt, wird die lokale Wirtschaft um das Dreieinhalbfache des Brutto-Ticketverkaufs angekurbelt. Wenn wir also von Tonys reden, reden wir von Moolah.

Niemand ist jemals pleite gegangen, indem er der amerikanischen Öffentlichkeit Flucht verkauft hat.

Dame Edna ist die seltenste Erscheinung des absoluten Komischen in unserer Zeit, eine inspirierte Personifizierung der Launenhaftigkeit, deren Komödie dem Urruf folgte, das Publikum auf die Probe zu stellen.

Broadway-Shows in New York ziehen doppelt so viele Besucher an wie alle New Yorker Sportmannschaften zusammen.

Ein grausamer Kritiker hat noch nie etwas gemacht; Seine Leichtfertigkeit ist eine Möglichkeit, anderen seine Leere aufzudrängen.

Die meisten Leute, die ihr Urteil fällen, haben keine Berufserfahrung im Theater, haben kein professionelles Theaterstück, keinen Sketch oder auch nur einen Witz geschrieben; Ich habe nie in einem Theater gearbeitet, keinen Schauspielkurs besucht oder ein umfangreiches Werk veröffentlicht. Sie sind kreative Jungfrauen; Alles, was sie über Theater wissen, ist aus Büchern und aus zweiter Hand.

Die Gesellschaft ist an die Fassade des Lärms, an die Schlagwörter von Werbung, Öffentlichkeitsarbeit und Marktforschung gewöhnt und misstrauisch gegenüber denen, die Wert auf Stille legen.

1957 hatte „West Side Story“ das Musical in die rücksichtslose dunkle Seite des Teenagerlebens eingeführt; „Bye Bye Birdie“, das in Sweet Apple, Ohio, spielt, wo sich die Bürger offenbar hauptsächlich in Chartreuse, Lila, Orange, Immergrün und Türkis kleiden, war ein Spaziergang auf der positiven Seite.

Identität ist Erinnerung; Wenn die Erinnerung verschwindet, löst sich das Selbst auf und damit auch die Liebe.

„Der Tod eines Handlungsreisenden“ ist eine brillante Taxonomie der spirituellen Atrophie des weißen Amerikas in der Mitte des 20. Jahrhunderts.

Frivolität ist die Weigerung der Spezies zu leiden.

Kritik ist ein Leben ohne Risiko.

Unterhaltung ist politisch nicht neutral.

Fragen zum politischen Theater übersehen immer das mächtigste und effektivste politische Theater Amerikas, das immer floriert: das amerikanische Musical. Die Politik ist konservativ, aber meiner Meinung nach effektiv und heimtückisch.

Wir leben in einer Zeit des Terrors, und im Gegensatz zu dem, was wir im Fernsehen sehen und was wir glauben machen, besteht das eigentliche Ziel des Terrors nicht darin, Menschen zu töten, sondern Gedanken zu töten; eine Gesellschaft so demoralisieren, dass sie von innen heraus implodiert.

„Angels in America“ – das aus den beiden dreistündigen Stücken „Millennium Approaches“ und „Perestroika“ besteht – erwies sich als Wendedrama, der lyrischste und ehrgeizigste Vorbote einer Ära seit Tennessee Williams‘ „The Glass Menagerie“.

Der Schwung war Teil der Heiterkeit und Erschöpfung des 20. Jahrhunderts, die Coward für die Briten entschlüsselte, die er aber in großem Umfang von den Amerikanern übernahm.

Die Geschichte des Theaters ist die Geschichte der Uraufführungen.

Die Tauben scheißen auf George M. Cohan. Ich verjage sie. Sie fliegen hoch und setzen sich auf seinen Hut. Cohan hätte dem Broadway nie einen Gruß ausgesprochen, wenn er gesehen hätte, wie schmutzig seine Statue am Duffy Square stand. New Yorker gehen direkt vorbei. Niemanden interessierts.

Jedes Stück, das ein Publikum dazu bringt, über den Tellerrand hinaus zu denken, das Verbindungen zum Leben herstellt, unseren Schmerz benennt und dadurch unseren Schmerz dem Denken und dem Prozess des Verstehens unterwirft, ist etwas von Natur aus Politisches. Indem es das Verständnis fördert, Erfahrungen in einen Kontext stellt und Verbindungen zwischen dem Normalen und dem Rationalen herstellt, ist Theater ein Akt der Terrorismusbekämpfung. Es regt Mut und Überlebensgeist an. In politischer Hinsicht gibt es auf der Welt viele ernsthafte Theaterstücke, die ihre Arbeit verrichten.

Ich verabscheue Literatur. Ich verabscheue das Theater. Ich habe eine Abscheu vor Kultur. Ich interessiere mich nur für Magie!

Ich weiß im existenziellen Sinne, dass sich das Leben im Handumdrehen ändern kann ... etwas hat sich im amerikanischen Leben augenblicklich und unaufhaltsam verändert.

Zuallererst würde ich sagen, dass mein Vater, Bert Lahr, mir die Liebe zum Theater vermittelt hat – zu seinem kinetischen und emotionalen Potenzial und seinem ausgelassenen Backstage-Spaß – und außerdem ein künstlerisches Beispiel dafür war, wie wichtig es ist, ein Publikum damit zu verderben Vergnügen.

Dieser Geisteszustand – außer sich zu sein – ist wunderbar. Wenn man älter wird, ist einem das Gefühl eines Endes nur noch sehr bewusst. Du bist für jeden Tag dankbar.

Das Einzige, was ich vom Theater bekomme, ist ein wunder Arsch.

Die Theaterkritiker des New Yorker verfügten schon immer über eine vergleichbare Autorität, da das Magazin es sich größtenteils zur Gewohnheit gemacht hatte, Kritiker zu beschäftigen, die sich nebenbei mit der Kunst beschäftigten. Sie arbeiteten sozusagen auf beiden Straßenseiten.