Top 19 Zitate und Sprüche von Phoebe Gloeckner

Ich hatte keine Mühe, meinen Stil zu finden – ich nenne ihn lieber „Stimme“, weil ich denke, dass das Wort eher Komplexität suggeriert und Qualität von Form und Inhalt impliziert. Allerdings fällt es mir schwer, meine Arbeit „zum Funktionieren“ zu bringen, und es lässt sich nicht vorhersagen, ob dies in aller Ruhe oder mit einer grausamen Aushöhlung der Psyche erreicht werden kann.

Ich würde mein Innenleben als ständig wachsam beschreiben, immer bereit zu fliehen oder mit Gewalt zu reagieren. Ich habe so gefühlt, seit ich ein kleines Kind war. Obwohl es oft sehr amüsant ist, ist es manchmal anstrengend, mit mir selbst zu leben, und wenn ich müde und überfordert bin, werde ich sehr deprimiert. Wenn ich zu lange nicht arbeiten kann, fange ich an, meinen Zweck auf dieser Erde in Frage zu stellen und ob ich es verdiene zu leben oder nicht. Wenn ich andere Menschen ansehe, habe ich das Gefühl, dass sie viel würdevoller mit sich selbst leben.

Seltsamerweise denke ich, dass ich mir kaum Gedanken über meinen Stil mache und nicht versuche, konsistent zu sein – außer innerhalb einer Geschichte. Sie fragen, ob ich Schwierigkeiten hatte, meinen Stil zu finden. Es scheint mir, dass Stil – mit anderen Worten, eine Art zu denken und Dinge zu tun – angeboren ist. Man kann versuchen, es anders zu machen, aber es ist wie eine Signatur – man kann seine grundlegende Natur nicht ändern.

Ein Charakter scheint zwar ein Eigenleben zu führen, aber ich habe, wie ich es nennen würde, eine sehr fließende Beziehung zu ihm – während ich darüber nachdenke, wie er sein wird, wechseln sie immer wieder in den Fokus – das sind sie eine Projektion einer Idee in mir, selbst wenn eine Figur von einer tatsächlichen Person inspiriert ist, bin ich mir durchaus bewusst, dass es nicht diese Person ist. Meine Aufgabe ist es, die Essenz der Figur zu erkennen und sie lange genug zum Leben zu erwecken, um die Taten zu begehen, die Worte auszusprechen oder einfach auf eine Weise zu „sein“, die es ihnen ermöglicht, andere Elemente und Ereignisse in der Figur zu beeinflussen und von ihnen beeinflusst zu werden imaginäre Welt einer Geschichte.

Für einen Künstler ist es viel besser, alles zu wissen, als sich durch Unwissenheit einschränken zu lassen.

Was auch immer sie sind, können Comics „Kunst“ sein? Natürlich können sie das. Die „Kunst“ in einem Stück ist etwas, das unabhängig von Genre, Form oder Material ist. Ich habe das Gefühl, dass die meisten Gemälde, die meisten Filme, die meiste Musik, die meiste Literatur und tatsächlich die meisten Comics als „Kunst“ scheitern. Ein Meisterwerk in jedem Genre, jeder Form oder jedem Material ist gleichermaßen „gut“. Es ist lächerlich, der Kunst eine Werthierarchie aufzuerlegen. Die Trennung zwischen hoher und niedriger Kunst kann nicht verteidigt werden, da sie keinen Zusammenhang mit der ästhetischen Reaktion hat.

Je mehr Sie preisgeben, desto weniger persönlich wird es

Ich mag es nicht, auf ein Medium beschränkt zu sein. Ich mag es, mich selbst zu überraschen und zu amüsieren – und sogar zu quälen –, indem ich zwischen Bildern und Worten aller Art hin- und herpendele und versuche, am Ende ein Werk zu schaffen, das sich „wie aus einem Guss“ anfühlt. Aus diesem Grund weigere ich mich, mich selbst als „Karikaturisten“ zu bezeichnen. Es scheint nicht zu beschreiben, was ich tue.

Ich bin mir bewusst, dass ich mich nahezu ständig in einem Zustand innerer Unruhe und Auseinandersetzung befinde. Ich bin mit meiner Arbeit frustriert, wenn mir die Lösung einer kreativen Sackgasse wie ein Geheimnis vorkommt, das ich mir nicht verraten möchte. Es ist nicht so, dass ich den Glauben an meine Arbeit verliere – ich bin mir ziemlich sicher, dass die Antworten da sind, aber ich verwende einen Großteil meiner Energie darauf, meine Psyche zu überfordern, sie zu enthüllen.

Ich verbringe viel Zeit damit, an meine Schüler zu denken. Ich schaue sie mir an, ihre Arbeit, ich höre zu, was sie mir erzählen, und versuche herauszufinden, wer sie in der besten aller möglichen Welten werden könnten. Das ist nicht einfach. Die Schüler versuchen, Ihnen Hinweise zu geben. Manchmal schauen sie dich an, als ob sie dich anflehen würden, etwas über sie zu verstehen, das sie noch nicht artikulieren können. Wie kann einem das gelingen? Und wie kann man das 20-mal für alle Schüler einer Klasse machen? Das ist natürlich unmöglich. Ich weiß das, aber ich versuche es trotzdem. Es ist ermüdend.

Ich glaube nicht, dass man einem Menschen beibringen kann, ein Künstler zu sein. Aber dennoch bin ich hier und ich nehme an, dass dies das ist, was von mir erwartet wird. Ich unterrichte einen Kurs mit dem Titel „Graphic Narrative“ und einen mit dem Titel „Digital Studios“, aber egal um welches Thema es sich handelt, das Grundprinzip meiner „Lehrmethode“ ist, dass ein gut vorbereiteter Künstler/Schöpfer einfach alles wissen muss. Nicht nur, wie man zeichnet, sondern auch, wie man sieht. Nicht nur, wie man ein Computerprogramm benutzt, sondern auch, was das Wort „vorletzter“ bedeutet. Und die Form und Ausrichtung der Pupille einer Ziege. Und wo Kentucky und Chile liegen, zumindest ungefähr.

Comics sind eine „junge“ Kunstform und es herrscht große Verwirrung darüber, wie man mit ihnen umgeht. Bilder haben eine unmittelbarere Wirkung als Worte, und nicht jeder Leser lässt sich davon überzeugen, entspannt das Werk als das zu erleben, was es ist – nicht Worte und Bilder, sondern eine andere Form, bei der die Erzählung durch die Mischung von Bild, Wort und Folge, und kein Element kann herausgelöst werden und hat für sich allein die gleiche Bedeutung. Wenn diese Kunst in einer Galerie gezeigt wird, wird ihr „Dinghaftigkeit“ in den Vordergrund gerückt, sie wird nicht mehr als „Geschichte“, sondern als Artefakt des Prozesses des Künstlers erlebt.

Den Leuten kommt es immer so vor, als würde ich es vermeiden zu sagen: „Das ist autobiografisch“, aber ich glaube wirklich, dass Menschen Geschichten erschaffen, und zwar sich selbst. Wenn ich Ihnen vor zwölf Jahren dieselbe Geschichte erzählt hätte, hätte ich etwas anderes betonen können. Die Bedeutung ändert sich, die Bedeutung der Dinge verschiebt sich im Laufe der Zeit. Außerdem denke ich, dass jede Kunst autobiografisch ist. Jedes Unterfangen ist voller Eindrücke von uns selbst.

Der einzige Weg, alles zu wissen, besteht darin, zu lernen, wie man denkt, wie man Fragen stellt und wie man sich in der Welt zurechtfindet. Die Schüler müssen lernen, sich selbst den Umgang mit neuen Werkzeugen beizubringen, mit unbekannten Menschen zu sprechen und grundsätzlich mutig zu sein.

Die meisten Comics sind nicht wirklich rebellisch oder kreativ frei. Die meisten Comics, Gemälde, Musik usw. sind Ableitungen anderer, erfolgreicherer Werke. Und es kommt oft vor, dass diejenigen ohne großen rebellischen Geist diejenigen sind, die ihn nachahmen. Ein wirklich radikaler Ausdruck ist schwer zu finden, aber er taucht normalerweise dann auf, wenn Geld kein motivierender Faktor ist. Sie können sich alle Freiheiten nehmen, die Sie wollen, wenn nicht der Cent eines anderen auf dem Spiel steht. Die Validierung stellt keine Bedrohung für Comics dar. Eine weitaus größere Bedrohung für die kreative Freiheit von Künstlern, die in jedem Medium arbeiten, ist Selbstbewusstsein und Selbstzensur.

Ich bin überhaupt kein linearer Denker. Ich kenne das Gefühl, das ich vermitteln möchte, aber es fällt mir schwer, die Form zu finden. Ich bin mir sicher, dass ich scheitern würde, wenn ich versuchen würde, einen Förderantrag oder einen Buchvorschlag zu schreiben.

Das Werk eines Künstlers ist eine Synthese von viel mehr als dem Werk anderer Schöpfer.

Underground-Comics wurden von Einzelpersonen produziert – es handelte sich eher um Autorencomics als um Fließband-Comics, die darauf abzielten, ein breites Publikum zufrieden zu stellen. Mainstream-Comics haben mich nie angesprochen: Sie wirkten in ihrer stilistischen Konsequenz steril und wurden schnell konsumiert, und die Geschichten waren nur so lange interessant, wie man sie las.

Underground-Comics fielen dadurch auf, dass sie weitgehend unbearbeitet wirkten – in einem typischen Buch mit Geschichten von fünf bis zehn Autoren wären einige Geschichten erschreckend schlecht, andere verblüffend brillant. Das war eine lebendige und spannende Kombination. Die Kunstwerke und Geschichten, gute und schlechte, waren alle so unterschiedlich, dass ich auf die Seiten starrte und das Zeitgefühl verlor. Dies war eine Welt, in der alles passieren konnte, und ich wollte dorthin gehen.