Top 149 Zitate und Sprüche von Steve Erickson
Entdecken Sie beliebte Zitate und Sprüche des amerikanischen Schriftstellers Steve Erickson.
Zuletzt aktualisiert am 5. November 2024.
Kann es etwas weniger Cooles geben, als die Filmakademie zu verteidigen?
„The End of the Tour“ wurde vom mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Dramatiker Donald Margulies geschrieben und vom Sundance-Nominierten James Ponsoldt inszeniert. „The End of the Tour“ ist ein großartiger Film, der mit seiner Zwei-Mann-Tarantella aus Wand-zu-Wand-Gesprächen zu den besten des Jahres gehört – und ich habe ihn gesehen es durch meine Finger, als wäre es Mad Max.
Vor Filmen löste sich die Erinnerung im Kopf anders auf und endete eher in einer staubigen Ausblendung als in einer zusammengefügten Rückblende; Vor der Fotografie kräuselte sich die Erinnerung wie eine Spiegelung auf der Wasseroberfläche, weniger präzise, aber zutiefst wahr.
Man kann es Filmen nicht vorwerfen, dass sie Spektakel bevorzugen; Filmemacher seit DW Griffith und Cecil B. De Mille lieben Spektakel, und Spektakel vermitteln Filme wie kein anderes Medium, insbesondere im digitalen Zeitalter.
Das Jahr 1953 markierte nicht nur die Wiederauferstehung seiner Karriere, sondern auch den kreativen Aufstieg des 37-jährigen Frank Sinatra zum besten Sänger seines Jahrhunderts.
Die wunderschön komponierten Bilder von „12 Years a Slave“ unterstreichen die Wildheit seines Themas, bei dem es sich um einen amerikanischen Süden handelt, der nicht aus Rittern und Damen besteht, sondern aus obszönen Werten und einem grotesken Prunk, wobei jede wunderschöne Aufnahme der trägen Landschaft Giftigkeit ausstrahlt wie eine übertrieben üppige Blüte Gift bei Berührung.
Wenn die marxistische Theorie vorschreibt, dass das Persönliche immer politisch ist, widerlegen sowohl „The Americans“ als auch „House of Cards“, dass das Politische immer persönlich ist: die Summe unserer kollektiven Bedürfnisse und Wünsche, Gelübde und Verrat.
Der italienische Autor und Regisseur Paolo Sorrentino macht Zombiefilme, was ihn wahrscheinlich überrascht. Im Mittelpunkt seiner besten und neuesten Bilder stehen die wandelnden Toten, Charaktere, die mit sich selbst über die Ziellinie der Sterblichkeit wetteifern und deren Geister vor den anderen eintreffen.
Alejandro Jodorowsky ist einer der großartigsten Verrückten in der Filmgeschichte, und das meine ich natürlich auf die netteste Art und Weise.
Wie alle Paradiese befindet sich Topanga an einem Wendepunkt zwischen Versprechen und Gefahr.
In der hexenjagdenden McCarthy-Ära wurde Hollywoods Sicht auf die Presse ebenso düsterer wie die Sicht des Jahrzehnts auf alles andere.
Filmregisseure, die F. Scott Fitzgeralds „Der große Gatsby“ gedreht haben, glauben, dass es sich um ein großes Buch handelt, das in einem kleinen steckt, und damit liegen sie nicht ganz falsch.
Als das Fernsehen in den 1950er-Jahren die populäre Fantasie erregte, verspottete eine Reihe von Filmen Hollywood und mythologisierte es gleichzeitig.
Weiße Amerikaner glauben, dass wir seit dem Ende der Sklaverei im Jahr 1865 größere Fortschritte gemacht haben als schwarze Amerikaner, für die „12 Years a Slave“ ein kollektives Gedächtnis dokumentiert, das in den Genen und durch die Überlieferung von Generationen weitergegeben wird.
Es gibt keine Regel, dass wir die Charaktere, um die es in Filmen geht, mögen müssen.
Für einen Schriftsteller ist das Buchfestival interessant, weil man all diese anderen Schriftsteller trifft, deren Werk man kennt, deren Namen man kennt, und man hat die Chance, eine Person mit dem Namen und dem Werk bekannt zu machen.
Walt Disney hatte vor dem Aufkommen der Atomkraft eine nukleare Fantasie und hatte tief in seinen Genen ein gewisses Verständnis für Apokalypse und Entzücken.
Unter den Schluchten und Schluchten, die wie eine Halskette an den Schultern von Los Angeles hängen, ist Topanga – eingebettet in den Abgrund der Santa Monica Mountains – das einzigartigste Schmuckstück.
Los Angeles ist seit langem ein Anziehungspunkt für Verzweifelte und Verzweifelte und eine Mülldeponie sowohl realer als auch filmischer Träume.
Das Aufschlussreichste an „Fargo“, sowohl dem inzwischen zum Klassiker gewordenen Film als auch der Fernsehserie, ist, dass er nicht in Fargo spielt.
Alle Filme von Wes Anderson sind Konfekt, Memoiren, die in filmischen Schneekugeln entstanden sind, mit dem Subtext, dass Erinnerung das außergewöhnlichste Konfekt von allen ist.
Bei „The Company You Keep“ geht es darum, nicht nur aus den Wahnvorstellungen herauszuwachsen, die die Jugend begleiten, sondern auch aus den harten Gewissheiten, die unser Leben bestimmen, und sie dann in eine Falle zu locken, bevor die Jahre die Geschwindigkeit unserer Träume übertreffen.
In ihren passenden Hemden mit Bonbonstreifen waren die Beach Boys Amerikas größte Band der frühen 60er Jahre und übermittelten einer kalten und bewölkten Nation utopische Botschaften eines endlosen Sommers.
Meryl Streep und Julia Roberts benehmen sich in „August: Osage County“ sinnlos, und als sie fertig sind, haben sie auch ihren Film sinnlos gespielt.
„Downton Abbey“ ist ein Spektakel, eine Kavalkade einer Zeit, in der es der erste und unwiderruflichste Karriereschritt ist, richtig geboren zu werden, und in der eine ältere Ordnung – um deren verstorbener „Downton“-Schöpfer Julian Fellowes offensichtlich trauert – im Eis versinkt Meere so sicher wie ein großer und extravaganter Ozeandampfer.
Die Erinnerung folgt ihrem eigenen Reiseplan und verlässt und erreicht Stationen der Vergangenheit nach ihrem eigenen Zeitplan.
Julianne Moore und Michael Keaton begannen in den 1980er-Jahren Seifenopern bzw. Sitcoms der 1970er-Jahre, eine für das Showbusiness gemessene Geschichte, die so alt ist, dass man eine Kohlenstoffdatierung benötigt, um ihre Karrieren zu messen.
Ich bin in LA mit dem Bus gefahren, bis ich Anfang 30 war, und es hat etwas damit zu tun, nach Sonnenuntergang durch LA zu fahren oder zu fahren, wenn die utopische Stadt untergeht und eine andere Stadt zum Vorschein kommt, mehr Doors und weniger Byrds.
Ich bin mir nicht sicher, ob es einen Unterschied zwischen Büchern gibt, die meine Sicht auf die Welt beeinflusst haben, und Büchern, die mich als Schriftsteller beeinflusst haben.
Aufgrund der Natur des Kinos und der Art und Weise, wie es das, was wir uns vorstellen, wörtlich umsetzt, kann es für Filme schwierig sein, die Verbindung, die wir mit einem klassischen Buch herstellen, nachzubilden.
Die ersten Bücher, von denen ich mich erinnere, dass sie mich als Kind beeindruckten, waren L. Frank Baums „Oz“-Bücher, die viel seltsamer waren als der Film: gleichzeitig ziemlich skurril und sehr düster.
Jeder Gedanke und jedes Wort, das ein Romanautor denkt oder schreibt, ist Teil dieser Burg, die aus Sand am Strand von Mir errichtet wurde, einschließlich des Türmchens, der Stadtmauer oder des Wassergrabens, den er vielleicht im Auftrag von jemandem oder etwas anderem gedacht oder geschrieben hat.
Schöne Schauspieler lernen, was schöne Schauspielerinnen wie Charlize Theron vor einiger Zeit entdeckt haben – dass sie ernster genommen werden, wenn sie die gleiche Schönheit vernichten, die sie von Anfang an ernst genommen hat.
Der Pate des modernen Action-Blockbusters „Der Pate“ ist vollständig charaktergesteuert und wird durch die Verwandlung des jüngsten Sohnes eines Verbrecherbosses vorangetrieben, der ein böses Schicksal erleidet, als er sich vom Kriegshelden der weißen Schafe zum blutgetränkten Erben des Imperiums seines Vaters entwickelt .
In der gesamten Kultur ist der Krieg um die kreative Gültigkeit von Science-Fiction schon lange gewonnen, aber die Hüter an den Toren von Literatur, Film und Fernsehen sind noch nicht überzeugt, selbst wenn andere Genres die kritische Wahrnehmung der Substanzlosigkeit hin und wieder überwinden.
Kunst als manipulativ zu verurteilen, ist natürlich keine Folge. Jede Kunst ist manipulativ.
Ungeachtet von Filmen wie „All the President's Men“ in den 1970er-Jahren oder der jüngsten HBO-Serie „The Newsroom“ haben Film und Fernsehen die Presse schon immer gehasst.
Im Journalismus wie in der Politik ist das Leben anderer Menschen eine Währung, die im Namen von Bekanntheit und Einfluss eingetauscht wird.
Es ist nicht immer klar, ob der Filmemacher unsere Entfremdung beabsichtigt oder sich dessen überhaupt bewusst ist.
Amerikaner sind sich über Amerika nicht einig, weil uns der weitverbreitete Konsens darüber, was Amerika ist oder jemals war oder sein sollte, entgeht, und er entzieht sich uns, weil wir es so wollen.
„Homeland“ war 2011 von Anfang an eine Sensation, erntete große Anerkennung und gewann die Emmys. Der Grund dafür, dass solche Sendungen so überbewertet werden, liegt darin, dass der Erfolg im Fernsehen im Gegensatz zu anderen Formen populärer Kunst fast ausschließlich daran gemessen wird, wie besessen wir sind werden.
Ein Teil des Leseprozesses besteht darin, ständig auf die Pause-Taste und ab und zu auf die Rückspultaste zu drücken, um über ein Wort nachzudenken, das der Autor so sorgfältig ausgewählt hat, wie der Filmemacher ein Bild auswählt oder ein Toneditor einen akustischen Hinweis wählt – das Läuten einer Glocke in der Ferne, um zum Beispiel Erinnerungen hervorzurufen.
„Homeland“ ist zwangsläufig ergebnisoffen, da die Idee hinter dem Fernsehen darin besteht, so viel Zeit wie möglich damit zu verbringen, so wenig wie möglich zu lösen, wobei das übliche Bedürfnis einer Geschichte nach einer Lösung durch eine unerbittliche Dringlichkeit ersetzt wird, die Antworten immer aufschiebt und den Abschluss ständig hinauszögert.
Scarlett Johansson hat in jedem Film, den sie dreht, ein Lächeln, das sie zu unterdrücken versucht. Sie versucht, ein ernstes Gesicht zu bewahren, seit sie vor elf Jahren mit Bill Murray in ihrem Durchbruch „Lost in Translation“ auftrat.
Lincoln kämpfte darum, den Krieg zu beenden und die Sklaverei durch den 13. Verfassungszusatz ein für alle Mal abzuschaffen, wobei die voraussichtliche Verabschiedung des Verfassungszusatzes die Bemühungen, Frieden mit der Konföderation zu schließen, und umgekehrt, verkörperte. Lincoln verkörperte die Great-Man-Theorie, die von Linken verachtet wird.
Zu den Geheimnissen des kreativen Ego gehört, wie die Transzendenz dessen, was Künstler tun, ihre eigene Reaktion auf die Dunkelheit dessen ist, wer sie sind, und dass dieselbe persönliche Dunkelheit, die im Widerspruch zur Kunst steht, Künstler ans Licht dessen treibt, was sie schaffen .
Der Moment, in dem Filme als charakterzentriert beschrieben wurden, war der Moment, in dem Charaktere in Filmen keine Rolle mehr spielten. Mit anderen Worten: Die Entstehung des Konzepts des charakterbasierten Films fiel mit der Entstehung von Filmen zusammen, in denen die Charaktere eine Nebenrolle bei den eigentlichen Aktivitäten spielten, an denen sie beteiligt waren.
Ironischerweise bin ich zufällig dort gelandet, schon allein deshalb, weil ich im Laufe der Jahre so viele kennengelernt habe – von College-Direktoren über Studioleiter bis hin zu europäischen Expats –, die nach Los Angeles kommen und nichts anderes als ein Leben in Topanga anstreben.
Als Genre basierte das Noir der Nachkriegszeit auf Charakteren, die schwach oder abstoßend waren und uns und sich selbst im Stich ließen.
Wenn es bei „Fargo“ um irgendetwas geht, dann um amerikanischen Wahnsinn.
Die Amerikaner sollten sich dafür schämen, wie aufgeregt sie über Downton Abbey sind – es ist unpatriotisch. Ich glaube mich zu erinnern, dass wir eine Revolution geführt haben, um uns diesen Unsinn nicht gefallen zu lassen, bei dem die Vorstellungen von Stellung so unerbittlich sind, dass obere und untere Ränge praktisch unterschiedliche Spezies sind.
David Cronenbergs „Maps to the Stars“ ist ein Hollywood-Monsterfilm, in dem Hollywood das Monster ist.
„House of Cards“ wurde vom Schriftsteller Beau Willimon verfasst, der an mehreren politischen Kampagnen mitgewirkt hat, und nutzt geschickt den derzeit weitverbreiteten Zynismus für unsere Politik aus, um eine berechtigte und oberflächliche öffentliche Verachtung in der Art von billigen Pocken gegen beide Häuser zu erzeugen Das bedeutet, dass man nicht aufpassen muss.
Ich weiß es nicht genau, bin mir aber ziemlich sicher, dass die erste Person, die einen Film als „charakterorientiert“ beschrieb, ein Produzent oder Studioleiter gewesen sein muss.
Sklaverei war der Verrat am amerikanischen Versprechen in dem Moment, als dieses Versprechen gemacht wurde.
Schöne Frauen gelangen am schnellsten in Hollywoods Türen und werden dann ausgeschlossen, wenn ihre Schönheit nicht mehr mit dem mithalten kann, was Hollywood oder das Publikum für schön genug halten; Sobald sie drinnen sind, sind ihre Möglichkeiten durch die gleiche Schönheit begrenzt, die ihnen ihr Hauptgericht eingebracht hat.
Neben der Frage nach unserem allgemeinen Wohlbefinden wird in den ersten Sekunden unseres Lebens als Erstes nach uns gefragt, ob wir ein Junge oder ein Mädchen sind. Unser erster Pass durch diese Welt sind unsere Genitalien.
Nichts bringt den amerikanischen Widerspruch überzeugender zum Ausdruck, als dass der Verfasser der Unabhängigkeitserklärung, ein Sklavenhalter, eine Antisklaverei-Klausel in das Dokument schrieb – als wollte er sich selbst dazu zwingen, besser zu sein, als er war –, die dann so herausgeschnitten werden musste Südstaaten, darunter auch Thomas Jeffersons eigener, würden es unterzeichnen.
In „There’s No You“ von 1957 wird Sinatra an der Schnittstelle zwischen einem Verlust, den er nicht ertragen kann, und einer Erinnerung, die er nicht loslassen kann, suspendiert.
In gewisser Weise ist unsere Beziehung zu den Filmen immer subjektiv. Unsere Fähigkeit, sich zu engagieren, sagt viel über jeden von uns aus; Ich habe nie verstanden, warum irgendjemand vier Stunden in der Gesellschaft der überaus ermüdenden Scarlett O'Hara verbringen möchte.
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