Top 22 Zitate und Sprüche von Toyin Odutola

Der Grafikstil selbst ist von vielen sehr vielschichtigen und detaillierten Comics beeinflusst, die ich als Kind gelesen habe, wie „Vagabond“ von Takehiko Inoue.

Als Kind bin ich viel umgezogen; Zwei der Häuser, in denen ich aufgewachsen bin, sind völlig verschwunden. Einer wurde bei einem Aufstand verbrannt, der andere abgerissen.

Als schwarzer Künstler möchten die Leute als Erstes über Ihr Schwarzsein, die Bedeutung Ihres Schwarzseins und Ihre schwarze Präsenz sprechen.

Ich interessiere mich wirklich für unabhängige Verlage sowie Memes und Minicomics. Aber schon vorher interessierte ich mich für japanische Mangas und Animes.

Ich musste etwas schaffen, das ich überall hin mitnehmen konnte.

Als ich in der Schule war, wollte ich konzeptionell nicht, dass schwarze Menschen einen Kontext haben, um sie aus all dieser Geschichte herauszuholen. Ich wollte nichts darauf hinweisen, wo sie sich befinden oder wie spät es ist, um sie irgendwo zu platzieren.

Ich wollte immer wieder die Gültigkeit meines Bildes unter Beweis stellen; Ich wollte mein Porträt an der Wand sehen und wissen, dass es in Ordnung ist.

Es ist eine Art Sprache, die ich im Laufe der Zeit entwickelt habe und die das Gesicht im Grunde in Komponenten und Ebenen aufteilt. In jede Ebene zeichne ich Abstufungsmarkierungen, und wenn Ebenen zusammenkommen, bilden sie Sehnen, ein haarartiges Geflecht, das wie eine Gesichtslandschaft aussieht.

Eine Zeit lang hatte ich Bedenken, Frauen zu porträtieren, weil sie automatisch objektiviert werden, ganz gleich, ob der Künstler dies beabsichtigt oder nicht.

Beim Social-Media-Teil geht es wirklich um die Dokumentation des Prozesses. Ich mag den Dialog, wenn er konstruktiv ist, aber ich stehe jetzt an einem Scheideweg. Ich habe viele Follower, und das ist großartig, aber ich bin auch an dem Punkt angelangt, an dem die Leute das Gefühl haben, ein bisschen zu viel zu kommentieren und ein bisschen zu viel zu kommentieren.

Meine Identität basiert nicht auf Leistung; Es basiert auf etwas, das von jemand anderem vorherbestimmt wurde, und ich verstehe nicht einmal, was das ist, weil ich ein Afrikaner bin, der nach Amerika gekommen ist.

Ich denke nicht über die Rasse nach, bevor ich mit dem Zeichnen beginne. Ich denke darüber nach, wie ich dieses Zeichen so gestalten kann, dass es dem Zweck entspricht, den ich damit erfüllen möchte.

Ich denke nicht über die Rasse nach, bevor ich mit dem Zeichnen beginne. Ich denke darüber nach, wie ich dieses Zeichen so gestalten kann, dass es dem Zweck entspricht, den ich damit erfüllen möchte.

Es ist schwierig, in New York Arbeit zu produzieren. Man muss sich irgendwie zentrieren – ein paar Zen-Meditationsübungen machen und sich einfach konzentrieren. Es lenkt sehr ab und Geld ist natürlich ein Problem.

Als schwarzer Künstler möchten die Leute als Erstes über Ihr Schwarzsein, die Bedeutung Ihres Schwarzseins und Ihre schwarze Präsenz sprechen.

Vor allem Kerry James Marshall hatte einen großen Einfluss auf mich während des Graduiertenstudiums, ebenso wie Wangechi Mutu und Julie Mehretu. Diese Künstler sind Titanen. Meine Ausbildung konzentrierte sich auch stark auf Comics, daher besuchte ich Comic-Veranstaltungen in New York und traf dort einige Künstler.

Wo manche flache, statische Erzählungen sehen, sehe ich ein Spektrum tonaler Abstufungen und Realitäten. Was ich erschaffe, sind im wahrsten Sinne des Wortes schwarze Porträts mit Kugelschreibertinte. Ich suche nach diesem Zwischenzustand in einem Individuum, in dem die übergeordnete Definition verloren geht. Haut als Geographie ist das Terrain, das ich erweitere, indem ich die Spezifität der Schwärze betone, wo die Subjektivität, verschiedene Realitäten und Erfahrungen eines Individuums auf die vielfältige Topographie der Epidermis zurückgeführt werden können. Von da an sind die Möglichkeiten, einen vollwertigen Menschen darzustellen, endlos.

Eine Zeit lang hatte ich Bedenken, Frauen zu porträtieren, weil sie automatisch objektiviert werden, ganz gleich, ob der Künstler dies beabsichtigt oder nicht. Bei „Of Another Kind“ habe ich nicht so sehr Akte gezeichnet – ich hasse es, „Akte“ zu sagen, weil es kein Spektakel ist –, sondern Menschen nackt dargestellt. Ich sehe sie auf eine direktere Art und Weise – entblößt, aber ohne Hinweis darauf, wer oder was sie sind; sie sind einfach da.

Der Grafikstil selbst ist von vielen sehr vielschichtigen und detaillierten Comics beeinflusst, die ich als Kind gelesen habe, wie zum Beispiel „Vagabond“ von Takehiko Inoue.

Ich begann zu bloggen, weil ich nicht wusste, ob ich Künstler werden wollte. Ich wollte online mit anderen Leuten sprechen, die Kunst machen, also postete ich Arbeiten und bat um Feedback. Ich fand es toll, dass ein Künstler wie James Jean seinen Prozess auf seinem Blog zeigte. Es entstand dieser offene Dialog, den wir in der Welt der bildenden Künste leider nicht oft haben. Die Leute werden sagen: „Wow, du teilst viel.“ Ich sage: „Nein, ich lege Wert darauf.“ Instagram ist ein großartiger Ort für Menschen, um Misserfolge zu teilen. Ich möchte nicht, dass die Leute denken, dass es ein glamouröses Leben sei, Künstler zu sein.

Hank Willis Thomas ist großartig. Er ist derjenige, der meine Arbeit „entdeckt“ hat und etwas gesehen hat, das ich nicht gesehen habe. Er drängt mich immer noch ständig dazu, neue Ideen auszuprobieren und keine Angst davor zu haben, was andere Leute sagen werden. Er ist wirklich ein Mentor, und ich frage ihn oft nach der Kunstwelt, wie man alles unter einen Hut bringt, ohne den Verstand zu verlieren. Es wäre, als würde man eine Auszeichnung entgegennehmen, ohne ihm zu danken, weil er ihn wirklich so unterstützt hat.

Ich hatte immer das Gefühl, dass das Porträt eine Gelegenheit ist, Spuren zu hinterlassen. Ich habe das Porträt nie so gesehen, dass es um die Dargestellte geht. Selbst wenn ich die National Portrait Gallery besuche, denke ich nicht an die Dargestellte; Ich denke darüber nach, wie der Künstler diese Farbe oder dieses Highlight ausgewählt hat. Es geht um Zeit, Ort und Kontext.