Top 43 Zitate und Sprüche von Vijay Iyer
Entdecken Sie beliebte Zitate und Sprüche des amerikanischen Musikers Vijay Iyer.
Zuletzt aktualisiert am 5. November 2024.
Es gibt Platten, die höre ich mir einmal an und konzentriere mich darauf, was passiert, und dann höre ich mir noch einmal etwas an, was mir beim ersten Mal nicht aufgefallen ist. Die Kunst, Schallplatten zu machen, ist in etwa so: Man möchte eine Vielfalt an Erfahrungen in einem einzigen Objekt bieten, das heißt, man will Schichten, damit die Leute noch einmal darüber nachdenken und etwas entdecken können, was ihnen beim ersten Mal nicht aufgefallen ist. Wir hören oft immer wieder dieselbe Musik, und das sagt auch etwas.
Interagieren bedeutet, unter anderen zu sein und in gewisser Weise Rücksicht auf andere zu nehmen, zu handeln.
Ich denke, was Musik vermitteln kann, ist das Gefühl der Vorwärtsbewegung, auch das Gefühl der Anhäufung von Informationen, von Empfindungen, von Gefühlen, als ob wir irgendwohin gehen würden. Wenn ich „fühle mich an“ sage, meine ich nicht, dass es nicht real ist, sondern dass es das Werk der Vorstellungskraft ist, was Erzählung ausmacht.
Egal ob Jazz oder nicht. Es geht darum, wie wir zuhören, wie wir interagieren, wie wir unsere Aufmerksamkeit beim Zuhören lenken und wie wir das, was wir musikalisch tun, verfeinern können. Auch wie wir unsere eigene Musik kreieren können und welche Möglichkeiten sich daraus für uns als kreative Musiker ergeben. Und dann besteht man darauf, dass Musiker sich einem intellektuell strengen Prozess unterziehen, der viel Lesen und Schreiben erfordert, während man darauf besteht, dass Musikwissenschaftler über Ethik nachdenken.
Wir können das Gefühl der Gemeinschaft durch die Anhäufung von Aktionen erzeugen, und das ist oft die klischeehafte Art und Weise, wie über das Geschichtenerzählen gesprochen wird, als jemand, der ein Solo unternimmt, und das ist aus vielen Gründen großartig. Aber ich mag nicht wirklich das Gefühl, dass ich gezwungen bin, es auf eine bestimmte Art und Weise anzuhören, oder dass es eine Meisterlesung der Darbietung gibt. Ich denke, was wir von einer Leistung erwarten, ist Vielfältigkeit, und zwar viele Möglichkeiten darin und durch sie hindurch, weil sie für viele Menschen gedacht ist und oft von vielen Menschen geschaffen wurde.
Ich mache viel Musik mit anderen Absichten – das ist mir enorm wichtig, aber es kann nicht die Summe dessen sein, wer ich bin und was ich tue. Es ist nicht korrekt; es spiegelt nicht meine Lebenserfahrung wider.
Meine Musik wird immer „zerebral“ genannt. Das ist eine Art zu sagen, dass ich Asiate bin und daher alles, was ich tue, klug ist.
Das Gefühl, in allem der Beste sein zu müssen, hindert jeden daran, irgendetwas zu tun. Ich habe das alles beiseite gelegt; Es lohnt sich nicht, darüber nachzudenken, wenn ich dort bin. Meine künstlerische Agenda verschwindet nicht, wenn ich unterrichte. Es wird tatsächlich intensiviert.
Musik besteht aus dem, was wir tun, wenn wir uns bewegen, und wir können uns aufgrund der inhärenten Einschränkungen, die unser Körper bietet, nur auf bestimmte Arten und in bestimmten Tempobereichen bewegen, oder man kann sie „Leistungen“ nennen – das ist ein anderes Wort für mich. Es ist etwas positiver; lässt es nicht wie eine Einschränkung erscheinen, sondern eher wie eine Reihe von Möglichkeiten. Man kann sagen, dass das zum Musizieren gehört, aber da ist auch die Vorstellungskraft. Die Macht der Vorstellungskraft übertrumpft gewissermaßen – es tut mir leid, dieses Wort verwenden zu müssen.
Wenn ich ein Konzert gebe, weiß ich, dass sie nicht alles hören werden; da könnte einiges los sein. Mein individueller Wahrnehmungs- und Erkenntnisweg durch die Musik ist genau das: ein Weg durch die Musik. Meine Erfahrung wird sich wahrscheinlich in gewisser Weise von der anderer Leute unterscheiden, und diese Vielfältigkeit der Erfahrung muss durch die Musik unterstützt werden. Vielleicht konzentriere ich mich die ganze Zeit nur auf die Kuhglocke – vielleicht habe ich Lust auf mehr Kuhglocke!
Was auch immer wir tun können, um den Menschen angesichts scheinbarer Hoffnungslosigkeit ein Gefühl der Hoffnung zu geben. Das ist eine kleine Sache, die ein Künstler manchmal tun kann.
Dies ist der letzte Satz meiner Dissertation: „Was ist Seele in der Musik, wenn nicht kraftvoll verkörperte menschliche Präsenz?“
Man findet heraus, wie man Möglichkeiten schafft, Musik zu machen, und wenn man sich dann um die Musik kümmert, wird das Publikum vorbeikommen. Sie könnten auch gehen. Was zählt, ist der Moment: der Moment des Musizierens, mit und für und unter anderen, und was das den Menschen in diesem Moment bietet. Vielleicht sehen sie mich nie wieder; Vielleicht erfahren sie nie meinen Namen. Aber es könnte immer noch etwas sein, das sie bei sich tragen.
Es ist eine Sache, ein Virtuose zu sein, aber eine andere, mit Mitgefühl zu spielen.
Mir gefällt die Idee, dass die Objekthaftigkeit der Musik durch Prozesse und Dinge wie Improvisation destabilisiert wird. Das ist es, was uns stärkt; So machen wir als Spieler, als Menschen jeden Tag neu.
Was wir Musik nennen, ist das, was uns an uns selbst erinnert. Und manchmal hilft elektronische Musik dabei, die Fantasie in einen Raum zu führen, der außerhalb von uns selbst zu liegen scheint. Aber das ist es nie wirklich.
In einer erfolgreichen Beziehung geht es nicht darum, dass zwei Menschen einander in die Augen starren, sondern darum, dass zwei Menschen gemeinsam nach vorne blicken. Ich denke, um zu konstruieren, heißt es nicht nur: „Du machst das, dann mache ich das.“ Es ist eher so: „Lasst uns gemeinsam an diesen Ideen arbeiten und einfach gemeinsam mit diesen Ideen vorankommen.“ Es schafft ein Gleichgewicht.
Dies ist eine Tradition des Widerstands gegen den Begriff, die so alt ist wie der Begriff selbst, insbesondere weil dieser Begriff verwendet wurde, um schwarze Kreativität zu einer Ware zu machen und zu reduzieren sowie sie sich anzueignen und zu verkaufen. Das sagte John Coltrane in einem Interview mit einem japanischen Journalisten: „Jazz ist ein Wort, mit dem sie unsere Musik verkaufen, aber für mich existiert dieses Wort nicht.“ Und er gilt als eine der zentralen Figuren in der Geschichte des Jazz. Wenn er es also abgelehnt hat, warum ist es dann seltsam, wenn ich es tue? Ich stehe in der Tradition!
Mein Anliegen bei diesem Ansatz ist, dass Musik zu einer Substanz ohne Menschen wird. Es ist ein Verbrauchermodell dessen, was Musik ist: Subjekte, die Objekten zuhören. Für mich bedeutet Musik, dass Subjekte Subjekten zuhören. Es geht um Intersubjektivität.
Was bleibt übrig, wenn wir das Wort oder irgendein Wort, das Musik bezeichnet, ablehnen? Das ist die Frage, die wir uns alle stellen sollten. Ben Ratliff hat danach gefragt und er hat sich ästhetische Kategorien ausgedacht. Das würde ich nicht sagen. Übrig bleiben Gemeinschaften, die gemeinsam Musik machen oder unter denen Musik zirkuliert. Das ist es.
Darüber hinaus kommt es auf das Wesentliche der Disziplin an – keine Tradition oder ein Genre, das interessiert mich eigentlich nicht – sondern Disziplin im Sinne der bloßen Arbeit an Musik und der Arbeit daran, über Musik nachzudenken. Egal ob Jazz oder nicht. Es geht darum, wie wir zuhören, wie wir interagieren, wie wir unsere Aufmerksamkeit beim Zuhören lenken und wie wir das, was wir musikalisch tun, verfeinern können.
Ich möchte sicherstellen, dass ich unterschiedliche Hintergründe vertrete und dass dies die Realität hier draußen auf der Welt widerspiegelt.
Die Sache mit den Physikern ist, dass sie dazu neigen zu denken, dass alles Physik sei. Ich tu nicht. Das ist für mich nicht Musik. Sie können Aspekte davon in physikalischen Begriffen erklären, einschließlich der Physik der Anatomie: wie sich unser Körper bewegt, das Torsionsträgheitsmoment, die Art und Weise, wie Sie Ihren Körper zu einem Schlag bewegen, die inhärenten Periodizitäten des Herzschlags, den Gang. Das ist wohl auch Physik – vielleicht würde man es Biophysik nennen.
In den 1990er Jahren durfte ich in einer Gruppe spielen, die in Gefängnissen in Kalifornien auftrat. Wir würden in Hochsicherheitsabteilungen spielen. Es war ärgerlich. Solche Situationen bleiben mir im Gedächtnis. Wir müssen vorbeikommen und Musik für sie spielen, weil das eine Art der Fürsorge ist, einfach etwas anzubieten, im Grunde ein Geschenk. Sie sind im Grunde das dankbarste Publikum, das ich je erlebt habe, weil ihnen niemand etwas gibt.
Die Herausforderung bei der Arbeit mit, sagen wir, digitalen Maschinen – der Aufführung elektronischer Musik – besteht meiner Meinung nach darin, dass beim Spielen von Instrumenten ein physischer Vorgang stattfindet, der zu einer physischen Vibration führt. Es gibt eine Zuordnung zwischen unseren Anstrengungen und den daraus resultierenden Vibrationen oder Resonanzen.
Ich habe in vielen Räumen Live-Auftritte veranstaltet. Ein Teil dessen, was ich tun möchte, ist, die Übernahme zu übernehmen. Jemand hat es auch anders ausgedrückt: Man klettert über den Zaun, schneidet ein Loch hinein und lässt alle anderen hinein. Das ist in etwa so. Das Museum ist eine Sammlung großartiger Werke, aber es gibt bestimmte Werke, die niemand jemals als großartig bezeichnen würde. Das ist das Beharren darauf, ihre Aufmerksamkeit auf andere großartige Dinge zu lenken, die nie in ein Museum kommen.
Beim Musizieren geht es um die Kreation in Echtzeit sowie Entscheidungen und Aktionen in Echtzeit. Im Grunde handelt es sich um Improvisation, die zum Alltag gehört. Im Bereich des Diskurses über Musik ist Improvisation marginal, aber im Bereich der Ausübung ist sie allgegenwärtig. Merkwürdiger Unterschied hier: Wir improvisieren ständig, aber wenn wir über Musik reden, reden wir eher über feste Objekte wie Aufnahmen, Partituren, Stücke.
Bei elektronischer Musik ist die Beziehung zwischen Geste und Klang oft etwas versteckter, was sie für das Publikum verwirrend macht. Aber die Zutaten elektronischer Musik sind die gleichen Zutaten nichtelektronischer Musik.
Der Ausdruck, den ich verwende, ist „einfache Kameradschaft“. Nicht-westliche farbige Einwanderer und ihre Nachkommen wie ich – meine Eltern kamen vor fünfzig Jahren hierher und ich bin in Rochester geboren und aufgewachsen – ob Teju Cole, Rudresh Mahanthappa, Himanshu Suri, Miya Masaoka oder Barack Obama, wir Das haben alle gemeinsam. Und das ist etwas anderes als die Abstammung versklavter afrikanischer Gefangener. Ich bin mir dieses Unterschieds sehr bewusst und bin mir bewusst, wie leicht man ihn vergisst. Ich merke, dass ich ständig damit konfrontiert werde.
Was ich von meinen Gurus gelernt habe, ist, dass man, wenn man Musik hört, eine Person oder Menschen hört und in diesen Momenten alles über sie hört. Sie offenbaren sich auf eine Weise, die auf keine andere Weise offenbart werden kann, und deshalb enthält es historische Wahrheiten. Für mich ist das das Wichtigste. Es sollte keine Fußnote oder das letzte Kapitel sein. Es sollte die vollständige These über ein Buch zum Thema Zuhören sein.
Mir ist aufgefallen, dass Inder es lieben, übereinander zu twittern – sie sagen: „Ja, geh nach Indien, wir sind großartig, Inder sind großartig, hier ist ein weiteres Beispiel für einen großartigen Inder.“ Das ist ein gefährlicher falscher Nationalismus, der mich nicht interessiert. Es gibt eine große Vielfalt innerhalb unserer sogenannten Gemeinschaften; Innerhalb der südasiatischen Gemeinschaft gibt es Menschen, die niemals miteinander reden würden.
Mir ist klar geworden, dass viele Menschen aufgrund dessen, was man Identität nennt, zu mir kommen. Im Sinne von „er ist wie ich“ – eher wie Identifikation. Identität ist eines dieser Unsinnswörter: Es wurde so oft verwendet, dass es überhaupt keine Bedeutung mehr hat. Als Individuen wollen wir nicht gleich bleiben; Identität bedeutet Gleichheit, und wir wollen nicht gleich sein, wir wollen uns ständig verändern, wir wollen wachsen, wir wollen etwas anderes werden. Wir wollen uns weiterentwickeln. Wenn also Leute zu mir kommen, geht es um Resonanz – es geht um dieses Wort.
Resonanz ist ein physikalischer Prozess, durch den Ähnlichkeiten hervorgehoben werden.
Ich bin das, was sie eine „nicht schwarze Person of Color“ nennen: NBPOC. Es ist einfach, verführerisch und üblich, rund um diese Identitätsthemen zu mobilisieren, aber oft geschieht dies auf Kosten der Berücksichtigung struktureller Anti-Schwarzheit. Das wirft für mich alles in ein etwas anderes Licht, vor allem aufgrund der Tatsache, wo ich bin und warum – wo ich in der Welt der Künste bin, wo ich lebe, in Harlem – und der Musik, die ich machen konnte, wem Ich konnte es mit dem schaffen, der mich gefördert hat. Es geht nicht nur um Solidarität. Eigentlich geht es um Schulden.
Wenn man sich meine Kooperationen anschaut, deckt sie sich weitgehend mit all diesen anderen in dem Sinne, dass es sich um einen Aufbau der Gemeinschaft handelt, insbesondere unter farbigen Künstlern. Das habe ich aus dem Beispiel älterer afroamerikanischer Künstler gelernt, von dort kommt alles; sich weigern, zum Schweigen gebracht zu werden.
Elektronische Technologie ist seit einem Jahrhundert Teil des Musizierens und Musikhörens. Wir behandeln es immer so, als wäre es neu und auf dem neuesten Stand, aber es ist eigentlich allgegenwärtig, also sollten wir es heute einfach als Teil des Arsenals behandeln.
Ich weiß von den Ältesten, dass es nicht so einfach ist, ein Leben in der Musik, eine Präsenz in der Musikwelt, über Jahrzehnte hinweg aufrechtzuerhalten. Und dafür sind wir hier: Wir denken über das langfristige Spiel nach. Wenn das vom Verlangen anderer Leute nach mir abhängt, dann wird es extrem anfällig für Veränderungen. Anstatt mich dieser Verletzlichkeit auszusetzen, würde ich Veränderungen lieber annehmen und mir erlauben, mich zu verändern, und vielleicht bedeutet das, dass das, was ich nächste Woche mache, den Leuten, die mich letzte Woche mochten, nicht mehr gefällt, aber vielleicht wird das auch dazu führen Menschen, die etwas anderes mögen.
Wir betrachten Musik als diese Substanz, die fließt – Sie drehen den Wasserhahn auf, und schon strömt sie aus Ihrem Computer –, aber so haben wir uns als Spezies nicht entwickelt. Wir haben uns dazu entwickelt, einander zuzuhören, und der Grund, warum wir Musik in den oben genannten Begriffen hören können, ist, dass wir wirklich gut darin sind, einander zuzuhören. Aber diese Art von Technologie hat uns vergessen lassen, dass Musik der Klang des anderen ist.
Ich unterrichte ein Graduiertenseminar mit dem Titel „Theorizing Improvisation“, das ziemlich interdisziplinär ist, die Studierenden aber wirklich dazu bringt, sich ernsthaft mit Black Studies auseinanderzusetzen. Viele farbige Autorinnen, viele farbige Frauen – sie werden zum Mittelpunkt der intellektuellen Entwicklung. Es geht um Musik, aber auch um Gedankenbereiche, die scheinbar nichts mit Musik zu tun haben. Das liegt zum Teil daran, dass wir die Vorstellung davon, was Musik ist, über Objekte, Partituren und Dinge hinaus erweitern.
In letzter Zeit habe ich das Gefühl, dass es beim politischen Handeln auch um die Gesellschaft geht, die ich führe, und um die Ideen, die ich vorbringe. Wenn ich ein Programm kuratiere oder einen Workshop veranstalte, möchte ich es generationenübergreifend gestalten; Ich möchte Frauen an der Fakultät und auch unter den Studierenden haben.
Im mystischen Sinne können drei eins werden, in dem Sinne, dass zwei nicht eins sind; Drei ist eine Möglichkeit, den Unterschied zwischen zwei aufzulösen. Es geht darum, ein Gleichgewicht herzustellen: der Energien, der Dispositionen. Schallgleichgewicht. Das ist für mich der Ansatz, was es bedeutet.
Ich bin skeptisch gegenüber Musik, die einen zu einer bestimmten Erfahrung, emotionalen Reaktion oder einem bestimmten konstruktiven Erfahrungsbogen zwingt. Aber die Künstler sollten sich trotzdem bis zu einem gewissen Grad darum kümmern – wie passt das zusammen? Was Sie von einer Aufführung erwarten, weil wir alle zusammen in einem Raum sind, ist, dass wir am Ende irgendwie irgendwo angekommen sind, zusammen. Man könnte das einen Sinn für Erzählung nennen, aber es ist nicht so offensichtlich, wie das geschieht. Eine Möglichkeit besteht darin, dass sich jeder dafür interessiert, dass es geschieht.
Ich verwende vorläufige Begriffe, und sie stellen normalerweise alle Eigennamen in kritische Distanz. Ich stehe in einer Tradition von Menschen, die sich der Benennung und Fixierung widersetzen. Das heißt, es ist eine Tradition von Menschen, die auf Mobilität bestehen, die sich Eigennamen und Genres und dergleichen widersetzen. Wenn ich mich gegen das Wort „Jazz“ wehre, dann deshalb, weil ich das von vielen, vielen Ältesten gelernt habe, die so denken. Ich bin nicht nur ein Idiot.
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