Die 1200 besten Zitate und Sprüche zu Gemälden

Ich verwende das Gitter als Formation. Ich wollte eine Beziehung zwischen den Gemälden und den Videos herstellen, sodass beim Betrachten der Videos eine direkte Beziehung zu den Gemälden besteht.

Als ich begann, mich ernsthaft mit diesen Pop-Gemälden zu beschäftigen, habe ich all diese anderen Gemälde – die abstrakten – als Matten verwendet. Ich habe im Schlafzimmer gemalt und sie auf den Boden gelegt, damit keine Farbe auf den Boden gelangt. Sie wurden zerstört.

Ich werde immer feststellen, dass selbst die schlechtesten Gemälde eine bessere Darstellung anstreben als die am besten erfundenen Gemälde.

Die Gemälde befinden sich nicht nur auf flachen Wänden – es gibt auch riesige Nischen, Ausbuchtungen und Vorsprünge sowie Stalaktiten und Stalagmiten. Die Wirkung der Dreidimensionalität ist phänomenal. Es ist ein echtes Drama, das die damaligen Künstler verstanden und für die Dramatik ihrer Bilder genutzt haben.

Ich möchte tausend Gemälde schaffen, vielleicht zweitausend Gemälde, so viele wie ich zeichnen kann.

Ich denke, dass die Menschen dazu neigen, die Bilder als gelöst oder endlich zu betrachten. Aber für mich kann ein Gemälde ein Index für alle Bilder sein, die ich gemacht habe und alle Bilder, die ich machen werde. Wenn ich einen Film über die Olympischen Spiele mache, untersuche ich nicht eine bestimmte Sportart; Mich interessiert der Gesamtkontext.

Man muss handeln, und das ist auch im abstrakten Expressionismus passiert, es war eine Entdeckung, insbesondere in De Koonings Gemälden, großartigen Gemälden. In seiner Arbeit steckt viel Schnelligkeit, und die Schnelligkeit bringt Dinge hervor, die nur Schnelligkeit hervorbringen kann.

Die Spot Paintings, die Spin Paintings, sie alle sind eine mechanische Methode, um dem eigentlichen Mann in einem Raum, mir selbst, mit einer leeren Leinwand auszuweichen.

Bis in die späten 1970er Jahre gab es auf den Gemälden entweder nur Schwarz oder Weiß, oder wenn es Farben gab, dann nur in kleinen Mengen, nicht in einer großen Fläche, und die Farbe war durch Schwarz oder Weiß von anderen Farben getrennt (was die Formel dafür ist). Damien Hirsts erfolgreiche Dot Paintings übrigens).

Ich hatte Besuch von einem befreundeten Künstler, der im Grunde sagte: „Deine Bilder sind wunderbar. Jetzt hör auf.“ Es hat bei mir Anklang gefunden. Es traf auf das durchdringende Bedürfnis nach Veränderung, das bereits vorhanden war. Ich habe einen kleinen Schubs bekommen. Ich habe schon früh eine Gruppe von Bildern gemacht, die zu den besten gehörten. Das war sozusagen Anfängerglück.

Chris Ofilis höfliche, getüpfelte, visuell ausgetrickste Gemälde der Neunzigerjahre mit ihren flächendeckenden Feldern aus schimmernden Punkten und Mistklumpen wirken wie Höhlenmalereien des modernen Lebens. Sie sprühen nur so vor optischem Übermut, Liebe und viel malerischem Schwung.

Van Gogh wurde gefragt, wie er so schöne Gemälde geschaffen habe. Er sagte, ich träume meine Bilder und dann male ich meine Träume.

Alle Fotos sollen uns an das erinnern, was wir vergessen. Darin und in anderer Hinsicht sind sie das Gegenteil von Gemälden. Gemälde halten fest, woran sich der Maler erinnert. Da jeder von uns verschiedene Dinge vergisst, kann ein Foto mehr als ein Gemälde seine Bedeutung ändern, je nachdem, wer es betrachtet.

Ich schätze, da war ein bisschen eine leichte Rebellion, vielleicht ein bisschen ein abtrünniges Verlangen, das mir irgendwann in meiner Jugend klar machte, dass ich Bilder wirklich mochte, die Geschichten über Dinge erzählten – Genrebilder, historische Gemälde – so etwas in der Art Derivate, die wir in der heutigen Gesellschaft bekommen.

In meinen Gemälden spielt die Frage, ob Figuren ähnlich sind oder nicht, keine Rolle, die kleinste Veränderung der Figur oder Farbe kann ein neues Gemälde schaffen und es spielt keine Rolle, ob ein Künstler ein Thema immer wieder aufgreift. Mit genügend Zeit zwischen den Gemälden kann ein Künstler immer etwas Neues einbringen.

Ich wollte zuerst Gemälde zeigen, dann die Tellergemälde; Jetzt kann ich zeigen, dass ich mich gewissermaßen von stilistischen Hemmungen befreit habe.

Ich war Student, und als solcher verlässt man sich im Allgemeinen auf frühere Modelle, wie man Kunst macht, aber diese waren nicht zufriedenstellend. Dann entdeckte ich auf Fotos, was in Gemälden gefehlt hatte; nämlich, dass sie eine enorme Vielfalt an Aussagen machen und große Substanz haben. Das ist es, was ich mit Bildern vermitteln und darauf anwenden wollte.

Traditionelle Gemälde enthalten nur wenige Figuren und legen Wert auf den negativen Raum. Japanische Kalligraphie und Pinselmalerei sind in Schwarzweiß gehalten. Haiku ist die kürzeste Gedichtform der Welt. Dies sind einige Beispiele einer minimalistischen Ästhetik in der japanischen Kunst und Kultur.

Die frühesten Gemälde, die ich liebte, waren immer die am wenigsten referenziellen Gemälde, die man sich vorstellen kann, von Malern wie Mondrian. Ich war von ihnen begeistert, weil sie sich auf nichts anderes bezogen. Sie standen allein und waren lediglich aufgeladene magische Objekte, deren Kraft nicht aus der Verbindung mit irgendetwas anderem stammte.

Manche Leute denken vielleicht, dass die Bilder mit einem Mythos zu tun haben – nicht nur mit einem Thema, sondern mit einer bestimmten Art von physischem Raum, den die Bilder einnehmen … wie Persönlichkeiten.

Ich bin einfach wirklich beeindruckt von Ölgemälden – ich verstehe nicht, wie die Leute das machen! Das ist der Stil, den ich mag: klassische Ölgemälde. Abstrakte Kunst ist einfach nicht mein Ding.

Es gibt einen Instinkt für Realismus, einen starken Drang, sich selbst zu reproduzieren. Die Faszination fotorealistischer Gemälde liegt teilweise in ihrer scheinbaren Nachbildung des Lebens, aber es handelt sich dabei nicht nur um Nachbildungen. Diese Gemälde sind oft nicht maßstabsgetreu und variieren von über- bis unterlebensgroß, von brillanten, verstärkten Farben bis hin zu blassen Untertönen.

Ich möchte schöne Gemälde machen. Aber ich mache schöne Gemälde nicht, indem ich schöne Farbe mit einem schönen Motiv auf eine Leinwand auftrage. Es funktioniert einfach nicht. Ich erwarte, dass meine Bilder stark und überraschend sind.

Ich denke gerne darüber nach, wie sich Gemälde verändern können, je nachdem, wo sie sich befinden – wie sie in einer Galerie oder im Verhältnis zu anderen Gemälden oder in verschiedenen Räumen aussehen. Gemälde können die Art und Weise verändern, wie wir die Welt erleben und sehen.

Die Gemälde von Francis Bacon sind für mich sehr schön. Die Gemälde von Bosch oder Goya sind für mich sehr schön. Ich stand auch vor denselben Gemälden mit Leuten, die sagten: „Lasst uns so schnell wie möglich zu den Botticellis gehen.“ Ich bin natürlich geblieben.

Im Gegensatz zum Hintergrund in vielen Gemälden, von denen ich inspiriert wurde oder von denen ich Posen übernommen habe – den großen europäischen Gemälden der Vergangenheit – spielt der Hintergrund in meiner Arbeit keine passive Rolle.

Eine Rolle ist eine Rolle, in der ich jemand anderen spiele, aber wenn es um Gemälde geht, bin ich es. Es ist unverfälschtes Shefali und es gibt keine Kontrolle und ich kann loslassen. Ich entschuldige mich absolut nicht dafür. Das ist das Interessante an meinen Bildern.

Ich habe keine Ahnung, was die Bilder über die Welt aussagen. Ich glaube nicht, dass das die Sache eines Malers ist. Er malt einfach Bilder ohne bewussten Grund.

Der Schwarze ist in den meisten meiner Bilder der Protagonist. Mir wurde klar, dass ich nicht viele Gemälde mit schwarzen Menschen darin sah.

Die grauen Bilder zum Beispiel, eine bemalte graue Fläche, völlig monochromatisch – sie entspringen einer Motivation, oder resultieren aus einem Zustand, der sehr negativ war. Es hat viel mit Hoffnungslosigkeit, Depression und dergleichen zu tun. Aber am Ende muss es auf den Kopf gestellt werden und zu einer Form kommen, in der diese Bilder Schönheit besitzen. Und in diesem Fall handelt es sich nicht um eine unbeschwerte Schönheit, sondern um eine ernste.

Meine Bilder sind die letzten Bilder, die man machen kann.

Sie kämpften mit Leinwänden, verwendeten kräftige Farben und riesige Pinselstriche. Ich kam mit grauen, stummen, nüchternen, bedrückten Gemälden an. Ein Kritiker sagte, es seien Gemälde, die nachdachten.

Ich mag alle Gemälde. Ich schaue mir immer die Bilder an, ob gut oder schlecht, in Friseurläden, Möbelgeschäften, Provinzhotels. Ich bin wie ein Trinker, der Wein braucht. Solange es sich um Wein handelt, ist es egal, welcher Wein.

Jedes Gemälde ist eine eigene Welt, aber oft sehe ich die Bilder als eine Seite einer Geschichte. Sie können sich vorstellen, was vorher oder nachher passiert ist. Manchmal werden sie als Teil einer Geschichte formuliert, insbesondere in Gemälden, in denen sich Charaktere unterhalten.

Eines von Cezannes unvollendeten Gemälden... scheint ein vollendetes Werk zu sein, obwohl nur wenige Farbstriche aufgetragen wurden. Meine Methoden sind ähnlich ... Ich erwarte, dass jedes meiner Bilder in jedem Stadium als Ganzes erscheint.

Die wichtigste Frage bei einem Kunstwerk ist, wie tief das Leben darin entspringt. Gemälde von Moreau sind Gemälde von Ideen. Die tiefgründigsten Gedichte von Shelley, die Worte von Hamlet, bringen unseren Geist in Kontakt mit der ewigen Weisheit; Platons Ideenwelt. Der Rest ist Spekulation von Schülern für Schüler.

Mir gefällt die Idee, dass Gemälde keine Darstellungen der Psyche eines Künstlers sind. Das Schaffen der Bilder verleiht der Künstlerin in erster Linie ihre Psyche.

Moderne Gemälde scheinen im Vergleich zu Gemälden früherer Jahrhunderte oft schnell entstanden zu sein, und das scheint uns die Erlaubnis zu geben, sie schnell zu betrachten – sie zu konsumieren und weiterzumachen.

Gemälde sind Erinnerungen. Erinnerungen an den Maler, der sie gemalt hat. Erinnerungen, die auch geteilt werden können. Gemälde sind Dinge, durch die man sich an Dinge erinnert.

Die Leute verstehen Gemälde wirklich nicht... Sie verstehen Gemälde nicht wirklich. Sie verstehen Steppdecken, weil jeder eine Steppdecke in seinem Haus hat.

Ihnen wurde gesagt, wie viel Platz es gibt, also war es eine Frage, ob Sie zwei oder drei Bilder einsenden konnten, je nachdem, wo die Ausstellung stattfand. Sie haben Arbeiten zur Annahme eingereicht. Sobald du angenommen wurdest, war es das. Sie haben Ihre eigene Auswahl getroffen, was reinkam.

Als wir kubistische Gemälde malten, war es nicht unsere Absicht, kubistische Gemälde zu malen, sondern das auszudrücken, was in uns steckte. Niemand hat uns eine Vorgehensweise vorgegeben, und unsere Freunde, die Dichter, haben unser Unterfangen aufmerksam verfolgt, aber sie haben es uns nie diktiert.

Ich bin ein berühmter Künstler. Ich verdiene Millionen. Aber ich sehe oft Debütausstellungen unbekannter Künstler, deren Preise doppelt so hoch sind wie meine ... Was sie wirklich tun, ist, kaum über die Runden zu kommen und mir dabei zu helfen, mühelos 1.000 Gemälde pro Jahr zu verkaufen, weil sie meine Bilder wie ein Schnäppchen aussehen lassen. Vielen Dank an alle egoistischen Kunststudenten!

Die Leute malen immer noch. Die Menschen erfreuen sich immer noch an Gemälden und betrachten Gemälde. Gemälde haben uns immer noch etwas zu sagen. Es gibt eine Art des Seins in der Welt, die uns die Malerei bietet, die Maler bei der Bewältigung der Aufgabe mitbringen, die wir aufnehmen und mit der wir in Dialog treten können. Das ist etwas, das ein Teil von uns ist.

Ich übermale meine Bilder nicht mit schwarzer Farbe. Ich male schwarze Bilder. Es liegt nicht daran, dass ich traurig bin, sondern auch nicht daran, dass ich gestern keine roten Bilder gemalt habe, weil ich glücklich war. Ich werde morgen auch keine gelben Bilder malen, weil ich neidisch bin.

Ein New Yorker Publikum mag im Allgemeinen dekorative Gemälde, und dekorative Gemälde passen zur Couch. Wenn Sie die Couch wechseln, ändern Sie auch das Gemälde. Und wenn man dort ankommt und die Bilder keine erstklassige Dekoration darstellen, ist man bei der Werbung und beim Verkauf im Nachteil.

Eine der Fragen, die ich immer und immer wieder höre, ist: „Was machen wir mit all diesen Bildern, die wir im Fernsehen machen?“ Die meisten dieser Gemälde werden an PBS-Sender im ganzen Land gespendet. Sie versteigern sie und machen damit viel Geld.

Ich wollte schon immer Bilder machen, an denen man nicht vorbeigehen kann, Bilder, die die Aufmerksamkeit fesseln und fesseln. Je öfter man sie betrachtet, desto befriedigender werden sie für den Betrachter. Je mehr Zeit Sie dem Malen widmen, desto mehr bekommen Sie zurück.

Oft fällt es mir wirklich schwer zu erkennen, was ich tue, wenn ich mitten im Geschehen bin. Ich kann zu wertvoll werden und muss mich zwingen, meine Bilder beiseite zu legen. In meinem Atelier gibt es eine Wand, an der ich Bilder aufhänge, von denen ich denke, dass sie fertig oder fast fertig sind. Mit der Zeit werde ich erkennen, welche funktionieren und welche nicht.

In Deutschland hören wir oft die absurde Klage, dass Museen nicht das Geld hätten, um Gemälde zu kaufen. Natürlich rede ich nicht von mir und meinen Bildern. Schließlich gibt es hierzulande beliebtere Maler.

Bis 35 hatte ich ein leicht verzerrtes Weltbild. Ich war ehrlich davon überzeugt, dass jeder auf der Welt abstrakte Gemälde malen wollte und dass die Menschen nur Anwälte, Ärzte, Makler und so weiter wurden, weil sie keine abstrakten Gemälde malen konnten

Ich habe in meiner eigenen Garage Stop-Motion-Aufnahmen gemacht, Claymation und all das Zeug. Das führte dazu, dass ich Hintergründe und Matte Paintings anfertigte. Ich habe schon vor dem Computer angefangen, professionell Matte Paintings zu machen, eine Art Glasmalerei.

Wenn Sie sich die Gemälde ansehen, die ich in der Kunstgeschichte liebe, dann sind das die Gemälde, auf denen große, mächtige Männer auf den großen Wänden von Museen auf der ganzen Welt gefeiert werden. Was sich wirklich seltsam anfühlt, ist, dass ich in dieser Welt kein Spiegelbild meiner selbst sehen kann.

Meine frühen Gemälde waren nicht so gut – ich wurde stark von Francis Bacon beeinflusst. Aber da war eine Art Intensität. Und wie sehr sie auch von anderen Menschen beeinflusst waren, selbst meine frühesten Bilder waren erkennbar meine eigenen.

Bis 35 hatte ich ein leicht verzerrtes Weltbild. Ich war ehrlich davon überzeugt, dass jeder auf der Welt abstrakte Gemälde malen wollte und dass die Menschen nur Anwälte, Ärzte, Makler und so weiter wurden, weil sie keine abstrakten Gemälde malen konnten.

Die Spot Paintings und Spin Paintings versuchten, mechanische Wege zur Herstellung von Gemälden zu finden.

Ich glaube, dass es in 100, 200, 300 Jahren all diese Gemälde geben wird, weil es die ersten Gemälde von Menschen sind, die Dinge außerhalb dieser Erde tun.

Sie baten mich, eine Ausstellung zu machen, und ich hatte vor, meine Figurenbilder zu zeigen. Aber meine Freunde sagten mir, ich sollte das nicht tun – die Bilder waren gut, aber etwas altmodisch. Sie sagten: „Warum zeigst du nicht die anderen Sachen?“ Ich hatte auch ziemlich seltsame Objekte hergestellt, eher in der Freudschen Tradition.

Mir gefiel es immer, dass Gemälde eher Wände als Fenster waren. Wenn wir ein Gemälde an einer Wand sehen, ist es ein Fenster, daher stelle ich meine Bilder oft in die Mitte des Raums, um eine Wand zu schaffen.

Ich glaube, ich habe mich seit meiner Kindheit als Künstler identifiziert – im wahrsten Sinne des Wortes als Baby. Im Vorschulalter habe ich ein Buch mit Zeichnungen und Gemälden erstellt. Als ich zur High School kam, war ich völlig von der Kunst fasziniert und malte und malte in der Mittagspause Porträts. Ich bin schon immer in gewisser Weise kreativ tätig.