Ein Zitat von Alex Kurtzman

Wenn Sie an einer Szene arbeiten, sowohl in der Drehbuchphase als auch im Moment, schauen Sie sich um und warten darauf, dass der Blitz Sie trifft und Ihnen basierend auf Ihrem Instinkt sagt, was hier das Richtige ist. Und das kann zu allem Möglichen führen, von einer Änderung des Dialogs bis hin zu der Erkenntnis, dass eine dramatische Szene eigentlich auch etwas Humor haben sollte. Und vielleicht ist es lustiger, wenn man es so inszeniert, oder wenn man die Kamera hier hinstellt, erzählt es eine andere Geschichte. Das ist so ziemlich alles, wenn man Regisseur ist.
Ein Film und eine Bühnenshow sind zwei völlig verschiedene Dinge. Ein Bild, Sie können machen, was Sie wollen. Ändern Sie es, schneiden Sie eine Szene aus, fügen Sie eine Szene ein, nehmen Sie eine Szene heraus. Das machen sie auf der Bühne nicht
Ein Film und eine Bühnenshow sind zwei völlig verschiedene Dinge. Ein Bild, Sie können machen, was Sie wollen. Ändern Sie es, schneiden Sie eine Szene aus, fügen Sie eine Szene ein, nehmen Sie eine Szene heraus. Das machen sie auf der Bühne nicht.
Es ist, als hätte man vielleicht eine großartige Szene, die man liebt, aber aus irgendeinem Grund – und man kann es nicht unbedingt genau sagen – funktioniert der Film nicht oder er wirkt irgendwie langsam oder schwerfällig, und das, obwohl er Ihre Lieblingsszene hat Da drin ist eigentlich die Lieblingsszene der Übeltäter. Das Schmerzhafte am Schnitt ist, dass man versucht, die Dinge ausfindig zu machen, die den Film behindern, und dann den Mut aufbringt, sie herauszuschneiden. Und es ist schmerzhaft, es zu tun.
Aufgrund der Art und Weise, wie ich mit den Schauspielern arbeite, und weil eine Szene nicht in dieser starren und wörtlichen Interpretation von etwas Geschriebenem erfolgt, kann ich ständig Dinge ändern, was bedeutet, dass ich eine Szene absolut perfekt hinbekomme, und zwar dann, wenn wir sie drehen Aufgrund der Anforderungen der Aufnahme wäre es sinnvoll, den Dialog zu verlängern, einen Text herauszunehmen oder Dinge zu vertauschen. Die Kamera dient also nicht der Action. Die Aktion dient der Kamera. Das ist wichtig. So wird es immer organischer und integrierter.
Ich versuche immer, die Geschichte bestmöglich zu erzählen. Ich schaffe die Stimmung für jede Szene so, dass das Publikum das Gefühl hat, bei mir zu sein und tatsächlich in der Stimmung zu sein, die für die Szene richtig war.
Ich wollte ein echter Schriftsteller werden, man kann es so sagen, aber ich war faul. Deshalb dachte ich, dass Kino lustiger wäre, weil es kollektiv, verrückt und chaotisch ist, und auch, weil ich in Spanien lebe. Deshalb habe ich gesagt, dass es leicht sein wird, daraus eine Karriere zu machen – weil alle anderen Filmemacher dort sehr schlecht sind. Und es wird gleichzeitig lustig sein. Das war also der Punkt. Es wird lustiger, einfacher, und vielleicht wird es am Ende eine unbekannte Schönheit geben, und vielleicht erschaffen wir auf dem Weg dorthin den Traum, dass eine andere Logik für das Leben möglich ist.
Zum Beispiel hinter dem Auto oder in der Kneipe, eine Szene zu machen, eine richtig schöne dramatische Szene, das ist immer ein Vergnügen. Und sie werden normalerweise als Ganzes gedreht, sodass Sie einen großen Teil des Dialogs lernen müssen und das Gefühl haben, dass Sie arbeiten.
Nein, meine Lieblingsszene war, wie Brienne Arya und den Hund findet. Ich fand den Text, die Dialoge und die Verwirrung, die sich in den Kampf ausbreitet, eine so coole Szene. Ich wusste, dass ich den Film in Island drehen würde, und das habe ich auch getan. Ich habe Island wirklich erkundet und bin herumgeklettert, um diese Drehorte zu finden, und ich konnte es kaum erwarten, das zu tun.
Mir gefällt die Idee nicht besonders, dass die Geschichte einen Bogen hat und man daher in dieser Szene diese Information oder Emotion vermitteln muss. Mir gefällt mehr das Gefühl, dass die Geschichte natürlich eine Form hat, aber dass sich jede Szene richtig anfühlen und in diesem Moment wahr sein sollte und dass man nach und nach diese Momente der Wahrheit ansammelt, bis man genug davon zusammen hat Es wird eine Geschichte, die interessant ist.
Ich glaube nicht, dass irgendeine Szene [in Pineapple Express] wörtlich so ist, wie man sie im Drehbuch finden würde. Einige davon waren viel lockerer als andere. Die letzte Szene mit mir, Danny [McBride] und James [Franko] im Diner – für diese Szene gab es noch nicht einmal ein Drehbuch. Normalerweise schreiben wir etwas, aber für diese Szene haben wir buchstäblich nichts geschrieben.
Direktoren ändern immer in letzter Minute Dinge. Schauspieler werden eine Szene drehen und der Regisseur wird sagen: „Okay, das war perfekt, aber dieses Mal, Bob, anstatt zu sagen: „Was gibt es zum Abendessen?“ Du sagst: „Moment mal! Benzol ist eigentlich ein Kohlenwasserstoff!“ Und sagen Sie es mit norwegischem Akzent. Außerdem denken wir, dass Ihr Charakter vielleicht keine Arme haben sollte.
Für mich steht die Emotion an erster Stelle. Wenn ich eine Szene ändern, eine Szene erfinden, Dialoge ändern oder Graff an den See bringen muss, um diese Dynamik zu spüren, und das Endergebnis sich wie „Enders Spiel“ anfühlt, dann funktioniert es hoffentlich.
Was ich nicht mag, ist, wenn ich Dinge sehe, von denen ich weiß, dass sie viel improvisiert wurden oder herumgespielt werden, bei denen die Szene keinen anderen Zweck hat, als einfach nur lustig zu sein. Was Sie nicht wollen, ist eine lustige Szene, eine lustige Szene, eine lustige Szene, und jetzt ist hier die Offenbarungsszene, und dann ist der Film zu Ende.
Ich denke, dass es für einen Schauspieler sehr wertvoll ist, wieder eine direkte Verbindung zum Publikum auf der Bühne aufzubauen und diese Muskeln zu trainieren. Es ist eine ganz andere Art von Arbeit und ebenso faszinierend. Ich meine, ich liebe das Filmemachen sehr, weil ich es wirklich liebe, wie man mit einer Kamera Geschichten erzählen kann und wie Musik und alles auf sehr direkte Weise zur Geschichte beiträgt. Aber ich denke auch, dass es sehr wertvoll ist, zum Theater zurückzukehren. Wenn also das richtige Drehbuch käme, würde ich gerne nach London zurückkehren und noch mehr machen.
Sowohl die „Gregor“-Reihe als auch „Die Tribute von Panem“ sind für mich blitzschnelle Ideen. Es gab einen Moment, in dem mir die Idee kam. Bei „Die Tribute von Panem“ kam der Blitzschlag zu einem Zeitpunkt, als ich zwischen Reality-TV und der Berichterstattung über den Irak-Krieg hin und her wechselte.
Sie suchen Moment für Moment und Szene für Szene, wie Sie die interessanteste Geschichte erzählen können. Also hatten wir diesen großartigen Kurzfilm und wussten, dass wir eine Geschichte über einen Jungen und seinen Hund hatten. Weil wir diesen reinen emotionalen Kern hatten, konnten wir uns auf verrückte Themen einlassen und immer wieder auf Victor und Sparky zurückkommen. Als ich Sachen wie „Weird Girl“ und „Katzenkot“, „Dutch Day“ und „Die Windmühle“ schrieb, kam es mir so vor, als wäre es Teil von Tims Universum.
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