Ein Zitat von Anne Michaels

Bestimmte Dinge lassen sich nicht annähernd annähern, deshalb bin ich immer daran interessiert, einen anderen Weg zu finden, der den Leser näher an die Szene heranführt, selbst wenn diese Szene, insbesondere wenn diese Szene, schmerzhaft ist ... Brutale Sprache ist nicht Das ist nicht unbedingt die wahrheitsgetreueste Art, einen brutalen Moment zu beschreiben.
Es ist, als hätte man vielleicht eine großartige Szene, die man liebt, aber aus irgendeinem Grund – und man kann es nicht unbedingt genau sagen – funktioniert der Film nicht oder er wirkt irgendwie langsam oder schwerfällig, und das, obwohl er Ihre Lieblingsszene hat Da drin ist eigentlich die Lieblingsszene der Übeltäter. Das Schmerzhafte am Schnitt ist, dass man versucht, die Dinge ausfindig zu machen, die den Film behindern, und dann den Mut aufbringt, sie herauszuschneiden. Und es ist schmerzhaft, es zu tun.
Es ist in einer Szene nicht gut, wenn ein Schauspieler sich hinlegt, nur weil in der Szene gesagt wird, dass es der Moment des anderen Schauspielers ist. Jeder Schauspieler muss daran glauben, dass das Ergebnis einer Szene mit zusätzlichem Willen unterschiedlich sein kann. Ein Schauspieler kann die Szene gewinnen, wenn er in diesem Moment den stärksten Willen an den Tag legt.
Großartige Regisseure können die Inszenierung so verstehen, dass sie einer Szene Leben einhauchen kann. Andere haben eine bestimmte Art, die Szene zu steuern.
Die meisten Schauspieler arbeiten an einer Szene, ich versuche herauszufinden, wer die Figur ist. Wenn also eine Szene oder ein Moment kommt, reagiere ich so, wie sie reagieren würde.
Sie sagen nicht nur: „So spiele ich es jeden Abend.“ Sie finden ständig neue Wege, neue Angriffe: „Ich möchte es auf diese Weise versuchen. Vielleicht beeinflusst diese Szene diese Szene. Ich möchte diese Szene anders angreifen.“
Ich liebe Kimberly Peirce. Unglaublich intensiv ist eine gute Beschreibung für sie. Brutal ehrlich. Wirklich scharf. Sie ist Regisseurin für Schauspieler. Das ist es, was sie am besten kann: Sich mit einem Schauspieler zusammenzusetzen und einer Szene auf den Grund zu gehen. Und nicht nur auf den Punkt kommen, was die Szene und die Figur sind, sondern auch, was man ist und wie man diese Brücke zwischen dem „Ich“ und der Figur und diesen Emotionen baut.
Ich verwende bei meiner Arbeit viele Gleichnisse und Metaphern, einfach weil es meine beste Art ist, ein Gebäude oder eine Szene zu beschreiben. Ich bin schrecklich darin, Landschaften zu beschreiben – Bäume, Gebäude. Die unbelebten Dinge interessieren mich nicht: Ich denke immer: „Oh nein, hier kommt noch ein Gebäude, das ich beschreiben muss.“ Deshalb verwende ich normalerweise ein Gleichnis oder eine Metapher.
Mir gefällt die Tatsache, dass ein Autor durch die Nachahmung der Arbeitsweise des Gedächtnisses tatsächlich fließend schreiben kann – eine feste Szene muss nicht auf eine andere feste Szene fallen, man kann einfach ein Fragment haben, das sich dann in ein anderes verzahnt, das aufgenommen wurde Ort 30 Jahre davon entfernt.
Ich liebe Schauspieler und verstehe, was in einer Szene passieren muss. Jede Szene ist eine Schauspielszene und die Schauspieler agieren nie alleine, daher muss ein Austausch stattfinden. Ob es sich um eine Dialogszene oder eine Liebesszene handelt, spielt keine Rolle, denn Sie müssen eine Situation herstellen.
Es fällt mir viel schwerer, Geschichten zu schreiben als Romane. Ich brauche die Weitläufigkeit eines Romans und die treibende Kraft, die er bietet. Wenn ich über Szenen nachdenke – und wenn ich das Schreiben von Szenen unterrichte – denke ich über Fragen nach. Welche Fragen wirft eine Szene auf? Welche Fragen werden beantwortet? Welche Fragen bleiben von Szene zu Szene bestehen?
Einer der Tricks besteht darin, die Darlegung in einer Konfliktszene zu vermitteln, so dass eine Figur gezwungen wird, Dinge zu sagen, die das Publikum wissen lassen soll – wie zum Beispiel seine Verteidigungsworte, wenn er sich gegen den Angriff einer anderen Person verteidigt scheinen gerechtfertigt zu sein, obwohl seine Worte eigentlich erläuternde Worte sind. Da etwas zu passieren scheint, glaubt das Publikum, es sei Zeuge einer Szene (was es auch ist), und hört nicht den erläuternden Reden zu. Humor ist eine weitere Möglichkeit, Darstellungen rüberzubringen.
Was ich nicht mag, ist, wenn ich Dinge sehe, von denen ich weiß, dass sie viel improvisiert wurden oder herumgespielt werden, bei denen die Szene keinen anderen Zweck hat, als einfach nur lustig zu sein. Was Sie nicht wollen, ist eine lustige Szene, eine lustige Szene, eine lustige Szene, und jetzt ist hier die Offenbarungsszene, und dann ist der Film zu Ende.
Was ist eine Szene? a) Eine Szene beginnt und endet jeweils an einem Ort (die aristotelischen Einheiten von Zeit und Ort – dieses Zeug geht waaaayyyy zurück). b) Eine Szene beginnt emotional an einer Stelle und endet emotional an einer anderen. Fängt wütend an, endet verlegen. Beginnt verliebt, endet angewidert. c) In einer Szene passiert etwas, wodurch die Figur nicht mehr zum vorherigen Zustand zurückkehren kann. Stellen Sie sicher, dass Sie eine Szene zu Ende spielen, bevor Sie mit der nächsten fortfahren. Etwas geschehen machen.
Für mich funktioniert es so, dass mir eine Szene in den Sinn kommt, meist eine Szene zwischen dem Helden und der Heldin, die den emotionalen Konflikt darstellt. Von dieser Szene an werden die Charaktere für mich lebendig. Ich mache beim Schreiben überhaupt nicht viel Vorplanung.
Als Schauspieler findet man immer seinen Weg. Sie verfügen über alle Vorbereitungstechniken, die Sie verwenden, und Sie folgen einfach der Szene, wenn Sie am Set sind. Bei der Arbeit kann man nur begrenzt planen, denn in der Szene müssen die Dinge ganz natürlich ablaufen.
Ich danke Henry James für die Szene im Hotelzimmer, die ich aus „Portrait Of A Lady“ geklaut habe … Diese besondere Szene ist die schönste Szene, die jemals geschrieben wurde.
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