Ein Zitat von Babette Mangolte

Ich traf Michael Snow und Stan Brakhage am zweiten Tag nach meiner Ankunft, wissen Sie? Ich hatte Brakhage noch nie gesehen oder gehört. Für mich war es eine Revolution, denn ich hatte eine gute Filmausbildung, aber der Experimentalfilm im amerikanischen Stil war mir in der Abstraktion bekannt, und ich hatte praktisch nichts gesehen. Ich hatte damals einen Film mit dem Titel „Echoes of Silence“ gesehen, den Noël Burch gefunden hatte und vertrieb. Es war ein wunderschöner Film, drei Stunden lang. Es dauert ewig und es war in Schwarzweiß, sehr körnig, und als ich diesen Film sah, dachte ich ... es sei kein New Wave. Es war wirklich ein neues Konzept des Kinos.
Ich hatte „Onaatah“ gesehen, als ich 2016 Mitglied der Jury der National Film Awards war. Ich war sehr beeindruckt von dem Film, weil es ein kleiner, aber sehr inspirierender Film war. Da es mein Herz berührte, dachte ich darüber nach, es neu zu machen.
Martin Scorsese war einer der wenigen, die nicht als Assistent tätig waren. Die meisten Jungs waren Assistenten und haben sich hochgearbeitet. Aber ich hatte ein Underground-Bild gesehen, das er in New York gemacht hatte, einen Schwarz-Weiß-Film. Ich hatte für American International ein Bild über eine Banditin aus dem Süden gemacht, die Ma-Barker-Geschichte, und es war sehr erfolgreich, und ich war gegangen, um meine eigene Firma zu gründen, und sie wollten, dass ich noch eine mache.
Für mich ist ein Revolutionsfilm kein Film über eine Revolution. Es hat viel mehr mit der Kunstform zu tun. Es ist ein Film, der sich gegen die althergebrachte Sprache des Kinos auflehnt, die die Menschen jahrzehntelang einer Gehirnwäsche unterzogen hat. Es ist ein Film, der versucht, Wege zu finden, Ton und Bild unterschiedlich zu nutzen.
Ich habe keine Filmschule besucht. Ich war nie Assistent oder Praktikant bei einem Film. Ich hatte nicht alle diese Kameras gesehen. Ich denke, es hat mir viel Freiheit gegeben.
Ich war ein junger Filmstudent zur Zeit der neuen Filmwelle in den 1970er Jahren; Das alte Hollywood war langweilig und vorbei. Als Filmstudent wollte ich mir französisches und italienisches Kino ansehen; Das amerikanische Kino war „Easy Rider“ und „Taxi Driver“. Alles war düster.
Ich war begeistert, in „Ujda Chaman“ einen Glatzkopf zu spielen, weil ich den Kannada-Film „Ondu Motteya Kathe“ gesehen hatte. Ich liebte es und fühlte mich inspiriert. Es war die Art von Film, die ich machen wollte. Ich dachte, dieser Film biete mir eine ganz andere Rolle und eine Gelegenheit, aufzutreten.
Es war wirklich wichtig, zu versuchen, ein völlig neues Publikum zu erreichen, sodass wir viele Leute hatten, die nicht nur den letzten Film nicht gesehen hatten, sondern auch keine Star-Trek-Fans waren oder dachten, sie seien keine Star-Trek-Fans, oder das waren sie Ich habe in der Vergangenheit Teile von Star Trek gesehen und es war einfach nichts für sie.
Ich dachte naiv, ich würde einen Low-Budget-Film machen. Doch als der Film herauskam, beschrieb der damalige Daily Variety-Rezensent namens Art Murphy ihn als Exploitation-Film. Ich hatte diesen Begriff noch nie zuvor gehört. Roger hat es nie benutzt. So erfuhr ich, dass ich einen Exploitation-Film gemacht hatte.
Nachdem ich die Geschichte von „Dangal“ gelesen hatte und bevor der Film veröffentlicht wurde, rief ich Regisseur Nitish Tiwari an und fragte ihn, ob er ein gutes Drehbuch hätte. Er sagte mir, ich solle einige Zeit warten. Also hatten wir drei bis vier Sitzungen und dieser Film, „Chhichhore“, kam zu ihm. Der Film hatte keine Superstars, aber ich hatte das Gefühl, dass dies das Drehbuch ist, das erzählt werden muss.
Ich war ein Jahr bei den New York Film Critics Circle Awards – sie riefen mich an, als zwei Tage vor der Veranstaltung jemand absagte, und baten mich, einige Preise zu überreichen. Also ging ich hin und einer der lustigsten Filmmomente, die ich je hatte, war, als sie die New Yorker Filmkritiker vorstellten. Sie sind alle aufgestanden – bunt ist nicht das richtige Wort für diese Gruppe. Jeder hatte irgendeine Art von Sehproblem, irgendeinen Schaden – ich musste mich in meine Serviette vergraben.
Meine letzte Erfahrung beim Filmemachen war „Tickets“, ein dreiteiliger Film in Italien, bei dem ich bei der dritten Episode Regie geführt habe. Es ist nicht meine Aufgabe zu beurteilen, ob es ein guter oder ein schlechter Film ist, aber ich kann sagen, dass niemand ein kulturelles oder sprachliches Problem mit dem hatte, was produziert wurde.
Ich habe „New York, I Love You“ gemacht, was für mich ein sehr persönlicher Film ist. Mein persönlichster Film, aber es ist kein Film, den ich je gemacht habe. Ich würde diesen Film zum Beispiel nie als Spielfilm machen, weil die Idee nicht sehr kommerziell ist.
Als ich als Junge ins Kino ging und einen Kriegsfilm sah, dachte ich, der General sei der Star und Cary Grant sei ein Statist. Ich hatte keine Ahnung von der Struktur eines Films, aber ich ging gern ins Kino.
Als ich meinen ersten Film drehte, hatte ich noch nie eine Kamera gesehen und ich war ein junger Mann, als ich aus den Vororten nach Paris kam. Damals habe ich nicht viel geredet. Ich war sehr schüchtern, also kam mir der Bluff zugute. Ich erzählte den Leuten, dass ich kein Geld hätte und dass ich wüsste, wie man Filme macht, aber ich hatte keine Beweise.
Zumindest weiß ich, dass ein Filmemacher in meiner Karriere die Initiative hatte, zu mir zu kommen und glaubte, ich sei in der Lage, interessante und komplizierte Arbeiten zu leisten, und so habe ich eine neue Überzeugung, die andere Filmemacher sehen werden mich auf eine andere Art und Weise, wie Patty es getan hat.
Es gibt keine Formel, der ich folge; Es ist einfach so, wie ich mich damals fühle. Ich habe zum Beispiel einen sehr experimentellen Film namens „Hardcore Henry“ gemacht, und das lag einfach daran, dass ich den Filmemacher für sehr interessant und risikofreudig hielt. So einen Film hatte es noch nie zuvor gegeben, also habe ich mich damals dafür entschieden.
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