Ein Zitat von Brooke Baldwin
Es kommt darauf an, dass wir für Ausgewogenheit und Fakten sorgen und die Leute drängen, wenn es nötig ist, damit wir dem Zuschauer das genaue, faire und ausgewogene Stück liefern können, und dann ist es Sache des Zuschauers, der Richter zu sein.
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Ich gehe auf einen Zuschauer ein, weil der Geschmack dieses Zuschauers wichtiger ist als der aller anderen, und ich werde zuerst an ihn denken und dann, wenn er auch die Kritiker anspricht, soll es so sein.
Ich muss den Geist meines Betrachters nicht kontrollieren. Das hört sich vielleicht widersprüchlich an, denn ich möchte, dass diese Installationen eine Umgebung schaffen, die beim Betrachter ein bestimmtes Erlebnis hervorruft, aber ab einem bestimmten Punkt lasse ich die Finger davon und überlasse es dem Zufall und der persönlichen Erfahrung. Vielleicht handelt es sich also um eine Verbindung von Kontrolle und Nicht-Kontrolle, wir reden darüber, dass der Künstler das Artefakt oder die Umgebung produziert und sich dann davon entfernt, und die zweite Hälfte der Gleichung ist der Betrachter und seine persönliche Geschichte und wie er darüber denkt was sie erleben.
Ich möchte, dass Kunst den Betrachter berührt und dass der Betrachter sie mitnimmt, um das Leben zu bereichern, zu umarmen und zu erheben. Das ist der spirituelle Aspekt. Malen ist eine spirituelle Praxis, aber manchmal ist es schwer, die Kontrolle abzugeben!
Die Frage der Malerei ist mit der Erkenntnistheorie verbunden, mit der Auseinandersetzung des Betrachters, mit dem, was der Betrachter lernen kann.
Ich denke, wenn Sie regelmäßig Fox News sehen, gehören Sie zu den zynischsten Menschen auf dem Planeten Erde. Ich kann mir keinen zynischeren Slogan vorstellen als „Fair and Balanced“.
Was ich nie in der Kunst wollte – und warum ich wahrscheinlich nicht in die Kunst gehörte – war, dass ich nie Zuschauer wollte. Ich denke, die Grundvoraussetzung für Kunst ist der Betrachter: Der Betrachter ist hier, die Kunst ist da. Der Betrachter befindet sich also in einer Situation des Verlangens und der Frustration. In einem Museum gab es diese „Do Not Touch“-Schilder, auf denen stand, dass die Kunst teurer sei als die Menschen. Aber ich wollte Benutzer und einen Lebensraum. Ich weiß nicht, ob ich diese Worte damals verwendet hätte, aber ich wollte Einwohner, Teilnehmer. Ich wollte eine Interaktion.
Ich möchte, dass meine Bilder dem Betrachter ein echtes Gefühl für die Realität vermitteln – dazu gehören unter anderem Tiefe, Maßstab und eine fühlbare Oberfläche sowie ein wirkliches Gefühl dafür, wie das Motiv zu dem Zeitpunkt aussieht und fühlt, als ich sie gemalt habe . Es sollte einen Diskurs zwischen dem Betrachter und dem Subjekt geben, um das Gefühl zu haben, dass sie in gewisser Weise miteinander verbunden sind. Mein Ziel ist es nicht, eine Erzählung zu erstellen, sondern den Betrachter dazu zu bringen, seine eigenen Erfahrungen mit dem Gemälde und dem Motiv einzubringen, als ob er das Motiv im wirklichen Leben auf der Straße gesehen hätte.
Das Ziel des Künstlers besteht nicht darin, den Betrachter zu belehren, sondern ihm Informationen zu geben. Ob der Betrachter die Informationen versteht, ist für den Künstler nebensächlich.
Viele der Arbeiten, die ich im Laufe der Jahre gemacht habe, beinhalteten Maßstabsveränderungen und die Vorstellung von der Beziehung des Betrachters zum Objekt und der Art und Weise, wie wir Dinge sehen, indem wir Objekte entweder vergrößern oder verkleinern, was dazu führt, dass der Betrachter sie erneut betrachtet. Das ist schwierig, weil unsere Kultur so von Bildern und Medien bombardiert wird. Wie macht man etwas Frisches für den Zuschauer? Das ist eine echte Herausforderung.
Wenn meine Welt in den Augen des Betrachters weniger schön erscheint als seine, muss ich bemitleidet und der Betrachter gelobt werden.
Wenn sich die Figur im Film verändert, färbt dies auf den Zuschauer ab, sodass auch der Zuschauer diese Veränderung miterlebt.
Was mich fasziniert, ist das Erstellen von Bildern, die den Betrachter verwirren und verwirren, von denen der Betrachter jedoch weiß oder vermutet, dass sie wirklich passiert sind.
Kunst ist völlig subjektiv. Es liegt am Betrachter, zu beurteilen, ob es einen Wert hat oder nicht.
Wenn Sie Ihrem Zuschauer eine Antwort geben, endet Ihr Film einfach im Kino. Aber wenn Sie Fragen stellen, beginnt Ihr Film tatsächlich, nachdem die Leute ihn gesehen haben. Tatsächlich läuft Ihr Film im Betrachter weiter.
In allen Lebewesen gibt es gegensätzliche Kräfte. Meine Arbeit spiegelt dies wider und weckt beim Betrachter einen Kontrast von Emotionen: Wahrnehmung versus Ärger. Für den Betrachter, der diesen Bewusstseinsgrad erreicht hat, ist meine Arbeit nicht mehr abstrakt, sondern sehr real.
Kunstobjekte sind unbelebte, traurige Teile der Materie, die im Dunkeln hängen, wenn niemand hinschaut. Der Künstler macht nur die Hälfte der Arbeit; Den Rest muss der Betrachter selbst erfinden, und durch die Ermächtigung des Betrachters gewinnt das Wunder der Kunst seine Kraft.
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