Ein Zitat von Gary Cole

Ich schaue es mir Szene für Szene an. Ob es sich um eine historische Figur handelt oder nicht, was auch immer, auf der Seite ist eine Sache und in die Geschichte oder jemanden einzutauchen ist eine Sache, aber etwas vor der Kamera für ein Publikum funktionieren zu lassen, ist eine andere Übung, und man bringt so viel Authentizität mit, wie man kann Es.
Das Tolle an einer Ensembleshow ist, dass sie modular aufgebaut ist. Auf der Seite könnte es funktionieren, von einer Szene zur nächsten zu wechseln, aber auf dem Bildschirm ist es leistungsfähiger, die zweite Szene zu nehmen und sie zuerst oder später zu verschieben.
Welchen Charakter man auch spielt, um welchen Film es sich handelt, um welche Geschichte es sich auch handelt, für mich ist es in meiner Ausbildung immer etwas, das einem einen vielschichtigen Charakter verleiht, es geht darum, das Geheimnis dieses Charakters zu verstehen, und was auch immer als „Oh, dachte ich“ auftaucht „Diese Person war das“, das trägst du immer in dir. Was Sie also die ganze Zeit über spielen, ist beides, und es ist einfach das, was in der Szene oder den Umständen zum Vorschein kommt.
Einer der Tricks besteht darin, die Darlegung in einer Konfliktszene zu vermitteln, so dass eine Figur gezwungen wird, Dinge zu sagen, die das Publikum wissen lassen soll – wie zum Beispiel seine Verteidigungsworte, wenn er sich gegen den Angriff einer anderen Person verteidigt scheinen gerechtfertigt zu sein, obwohl seine Worte eigentlich erläuternde Worte sind. Da etwas zu passieren scheint, glaubt das Publikum, es sei Zeuge einer Szene (was es auch ist), und hört nicht den erläuternden Reden zu. Humor ist eine weitere Möglichkeit, Darstellungen rüberzubringen.
Das Coole an der Regie ist, was auch immer cool in der Szene funktioniert, es macht die Episode immer noch zu einer großartigen Geschichte, und jeder arbeitet auf dieses Ziel hin, also spielt es keine große Rolle, woher es kommt.
Als Kind drehte ich zu Hause meine eigenen Filme. Ich filmte mich selbst bei einer Szene, stoppte dann die Kamera, wechselte meine Kleidung und drehte eine Szene als eine andere Figur. Es klingt albern, aber ich habe es einfach geliebt, Geschichten zu erzählen.
Ich mag das Ende des Films [War Horse], einfach weil es emotional eine so anspruchsvolle Szene ist und dennoch [der Look] vollständig vor der Kamera gemacht wurde. Mir gefällt, dass die Arbeit nicht digital manipuliert wird. Und das alles geschieht vor der Kamera [in dieser Szene].
Das Besondere am Laufen ist, dass ich, wenn ich morgens vor der Arbeit laufe, das Gefühl habe, dem Tag voraus zu sein. Ganz gleich, welche Arbeit ich in puncto Vorbereitung, Recherche oder Nachdenken über die Szene oder die Figur geleistet habe, alles kristallisiert sich in diesem Moment am Morgen heraus. Und manchmal habe ich dann die besten Ideen.
Es würde Ihnen nie im Traum einfallen, eine Szene vor Publikum zu spielen, zumindest ohne sie geprobt zu haben. Aber das macht man irgendwie vor der Kamera.
Es ist eine Sache, den Leuten theoretisch zu sagen, dass man alles sein kann, was man sein möchte, aber es ist eine andere Sache, jemandem zu sagen, dass er sein kann, was er sein möchte, weil jemand, der genau so ist wie man, es getan hat.
Das Laufen über das Spielfeld war die erste Szene, die wir im Film gedreht haben. Wir baten das Publikum, für die Szene zu bleiben, und 37.000 Menschen blieben.
Meine erste Szene überhaupt vor der Kamera war eine Dinner-Szene, in der ich das gesamte Essen aufgegessen habe. Sie riefen „Cut“ und der Schauspieler mir gegenüber sagte: „Du weißt, dass du jedes Mal das Gleiche essen musst.“ Ich habe es auf die harte Tour gelernt.
Ob es sich um eine einzelne Szene oder um 15 Szenen in einem Film handelt, ob es sich um die Hauptrolle oder einen Cameo-Auftritt handelt: Wenn ich es nicht interessant finde, tendiere ich dazu, es nicht zu machen. Man weiß nie wirklich, was es ist. Es könnte sich um einen Ein-Szenen-Teil handeln. Ich erinnere mich, dass ich die eine Szene in „Crash“ gelesen habe und gebeten wurde, sie zu machen. Ich dachte: „Absolut!“ Es gibt keine Formel dafür, wie etwas sein muss. Ich versuche immer, dass es so bleibt.
Was ist eine Szene? a) Eine Szene beginnt und endet jeweils an einem Ort (die aristotelischen Einheiten von Zeit und Ort – dieses Zeug geht waaaayyyy zurück). b) Eine Szene beginnt emotional an einer Stelle und endet emotional an einer anderen. Fängt wütend an, endet verlegen. Beginnt verliebt, endet angewidert. c) In einer Szene passiert etwas, wodurch die Figur nicht mehr zum vorherigen Zustand zurückkehren kann. Stellen Sie sicher, dass Sie eine Szene zu Ende spielen, bevor Sie mit der nächsten fortfahren. Etwas geschehen machen.
Im Allgemeinen reagiere ich darauf, etwas wirklich Symmetrisches und Perfektes zu sehen: Es ist die Szene mit Jack Nicholsons Joker im ersten „Batman“, die Museumsszene. Er besprüht gerade die Mona Lisa und was auch immer, mit seinen Schergen.
Jedes Mal, wenn ich mich einer Szene nähere, kommt es nicht nur darauf an, was auf der Seite steht, sondern auch darauf, wie die Kamera zeigt oder nicht, was auf der Seite steht. Es kommt darauf an, mit welchem ​​Charakter wir uns identifizieren und welche Musik gespielt wird.
Die Bühne ist der unmittelbare Energieschub, den man vom Publikum bekommt. Außerdem etwas in chronologischer Reihenfolge tun – etwas, das in derselben Nacht beginnt und endet. Im Fernsehen arbeitet man auf eine Szene hin, dreht sie und muss sie dann vergessen, weil man sich um die nächste Szene kümmern muss.
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