Ein Zitat von Gerhard Richter

Wenn ich beim Malen ein Motiv verzerre oder zerstöre, ist das kein geplanter oder bewusster Akt, sondern hat eine andere Berechtigung: Ich sehe das Motiv, so wie ich es gemalt habe, irgendwie hässlich oder unerträglich. Dann versuche ich, meinen Gefühlen zu folgen und es attraktiv zu machen. Und das bedeutet einen Prozess des Malens, Veränderns oder Zerstörens – egal wie lange es dauert – bis ich denke, dass es sich verbessert hat. Und ich verlange von mir keine Erklärung, warum das so ist.
Während die Menschen noch ziemlich jung sind und die musikalische Komposition ihres Lebens noch in den ersten Takten steckt, können sie gemeinsam daran arbeiten, sie zu schreiben und Motive auszutauschen (so wie Tomas und Sabina das Motiv der Melone ausgetauscht haben), aber wenn sie sich treffen, wenn sie es tun sind älter, wie Franz und Sabina, ihre musikalischen Kompositionen sind mehr oder weniger vollständig und jedes Motiv, jeder Gegenstand, jedes Wort bedeutet für jeden von ihnen etwas anderes.
Die gemalte Zeit ist eine andere Zone. Deshalb glaube ich nicht, dass ein Gemälde – obwohl mir das schon oft vorgeworfen wurde – wirklich aktuell sein kann. Die Körperlichkeit eines Gemäldes verleiht ihm eine andere Beständigkeit und eine andere Wahrnehmung.
Wenn ich in einem Gemälde bin, bin ich mir nicht bewusst, was ich tue. Erst nach einer Art „Eingewöhnungsphase“ wird mir klar, worum es mir geht. Ich habe keine Angst davor, Änderungen vorzunehmen, das Bild zu zerstören usw., weil das Gemälde ein Eigenleben hat. Ich versuche, es durchkommen zu lassen. Erst wenn ich den Kontakt zum Bild verliere, entsteht ein Durcheinander. Ansonsten herrscht pure Harmonie, ein lockeres Geben und Nehmen, und das Bild kommt gut zur Geltung.
[Wenn] ich ein Foto mache, bin ich mir bewusst, dass ich Bilder konstruiere und keine Schnappschüsse mache. Da ich keine Schnellfotos mache, ist es in dieser Hinsicht wie ein Gemälde, das lange dauert und bei dem man sich sehr bewusst ist, was man dabei tut. Die Belichtung ist nur der letzte Schritt bei der Erstellung des Bildes als Foto.
Aus einer Zeichnung muss ein Gemälde werden, also fange ich an, daran zu arbeiten, und dann verlangt das Gemälde vielleicht nach etwas anderem. Dann könnte auf dem Gemälde stehen: „Ich möchte einen Begleiter, und der Begleiter sollte so sein“, also muss ich das finden, indem ich es entweder selbst zeichne oder das Bild ausfindig mache.
Ich habe im Laufe meiner Karriere verschiedene Techniken ausprobiert, aber ich habe mich besonders in die Öl- und Palettenmessermalerei verliebt. Jedes Kunstwerk ist das Ergebnis eines langen Malprozesses; Jede Leinwand entsteht während der kreativen Suche. Jedes Gemälde ist voll von meiner inneren Welt.
Meine Bilder sind gut gemalt, nicht flink, aber geduldig. Mein Gemälde enthält die Botschaft des Schmerzes. Ich denke, dass sich zumindest ein paar Leute dafür interessieren. Es ist nicht revolutionär. Warum sich weiterhin wünschen, dass es kriegerisch ist? Ich kann nicht. Die Malerei hat mein Leben vervollständigt. Ich habe drei Kinder und eine Reihe anderer Dinge verloren, die mein schreckliches Leben erfüllt hätten. An die Stelle all dessen trat meine Malerei. Ich denke, Arbeit ist das Beste.
Es stimmt, manchmal hänge ich über der Leinwand, aber meistens arbeite ich an einem Tisch, wenn ich ein Gemälde mache. Wenn ich „The Rig“ verwende, sind meine Füße fest verankert. Ich senke mich gerade lange genug in die Horizontale, um einen Pinselstrich zu machen – eine Sache von Sekunden – und stehe dann wieder aufrecht. Dann wischt mein Assistent das Bild schnell mit einem Rakel weg und ich mache es noch einmal... bis ich es richtig hinbekomme. Es ist, als würde man versuchen, einen Homerun zu machen.
Du weißt genau, was ich von Fotografie halte. Ich würde mir wünschen, dass es die Menschen dazu bringt, die Malerei zu verachten, bis etwas anderes das Fotografieren unerträglich macht. (In einem Brief an Alfred Stieglitz)
Aber wenn ich an einem Gemälde gearbeitet habe, habe ich es anhand einer Zeichnung gemacht, aber ich habe bestimmte Dinge, von denen ich mir ziemlich sicher war, dass ich sie haben wollte, in das Gemälde eingefügt und sie dann mit gedruckten Punkten oder bemaltem Papier oder etwas Ähnlichem auf dem Gemälde collagiert, bevor ich es wirklich gemacht habe.
Sie haben unbemalte Leinwandstücke und diese dicken Keilrahmenstangen. Sie sehen also, dass ein Gemälde ein Objekt ist; dass es sich nicht um ein Fenster zu etwas handelt – Sie betrachten keine Landschaft, Sie betrachten kein Porträt, sondern Sie betrachten ein Gemälde. Im Grunde gilt: Ein Gemälde ist ein Gemälde ist ein Gemälde. Und es ist, was Frank Stella berühmt gesagt hat: Was man sieht, ist, was man sieht.
Ich habe kein Motiv, nur Motivation. Ich glaube, dass Motivation das Echte, das Natürliche ist und dass das Motiv altmodisch, ja sogar reaktionär ist (so dumm wie die Frage nach dem Sinn des Lebens)
In der Chauvet-Höhle gibt es ein Gemälde eines Bisons, der den unteren Teil eines nackten weiblichen Körpers umarmt. Warum verwendet Pablo Picasso, der die Chauvet-Höhle nicht kannte, in seiner Serie von Zeichnungen des Minotaurus und der Frau genau dasselbe Motiv? Sehr, sehr seltsam.
Bei der realistischen Malerei geht es darum, viele Details wegzulassen. Ich denke, dass mein Gemälde trotz allem, was es auslässt, ein wenig schockierend sein kann. Aber was passiert, ist, dass der Geist das ausfüllt, was fehlt. . . Malen ist eine Möglichkeit, einem das zu zeigen, was ich gesehen habe.
Ich denke, jedes Gemälde sollte die gleiche Größe und die gleiche Farbe haben, damit sie alle austauschbar sind und niemand denkt, dass es ein besseres oder ein schlechteres Gemälde gibt ... Und selbst wenn das Motiv anders ist, wollen die Leute das gleiche Gemälde.
In verschiedenen Momenten sieht man mit anderen Augen. Morgens sieht man anders als abends. Darüber hinaus hängt die Art und Weise, wie Sie sehen, auch von Ihrem emotionalen Zustand ab. Dadurch kann ein Motiv auf viele verschiedene Arten gesehen werden, und das macht Kunst interessant.
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