Ein Zitat von Glenn Ligon

Im Jahr 2011 wurde „Yourself in the World“, ein Buch mit meinen Schriften und Interviews, in Verbindung mit einer Retrospektive meiner Arbeit im Whitney Museum of American Art veröffentlicht. — © Glenn Ligon
Im Jahr 2011 wurde „Yourself in the World“, ein Buch mit meinen Schriften und Interviews, in Verbindung mit einer Retrospektive meiner Arbeit im Whitney Museum of American Art veröffentlicht.
Als ich 1996 meine große Retrospektive [für das Whitney Museum of American Art, New York] zusammenstellte, sah ich, dass da all diese Bilder von Menschen drinnen waren, die hinausschauten. All diese Bilder von Frauen im Wasser und in Spiegeln. Ich weiß nicht, was es bedeutet.
Ich hatte meinen Körper für die Kunst eingesetzt... Ich hatte mich für die Kunst in dieses Spiel gestürzt. Wissen Sie, ich war kein sehr guter Künstler. Aber das war so etwas wie eine Sache, die ich tun konnte. (Über die Nacktfotografie beim Schachspiel mit Marcel Duchamp in Duchamps Retrospektive 1963 im Pasadena Museum of Art.)
Wir haben Museen für afroamerikanische Kunst in den Vereinigten Staaten und es gibt ein Nationalmuseum für Frauenkunst. Ich glaube jedoch, dass Latinos am besten damit gedient haben, ihre Kunst neben der Kunst anderer Gruppen, insbesondere nordamerikanischer, europäischer und sogar asiatischer Künstler, auszustellen.
Ich war in einer Gruppenausstellung in einem Museum in Turin, wo viele amerikanische Künstler auf einer Etage dieses Museums ausgestellt waren. Eine weitere Etage des Museums beherbergt die erlesenste Arte Povera-Sammlung der Welt, die perfekt ausgewählt und perfekt installiert ist. Ich erinnere mich, dass mir der Kontrast zwischen den italienischen und den amerikanischen Werken auffiel. Ich würde sagen, die Markenzeichen des italienischen Stils sind eine poetische Verbindung zur Natur und zu Materialität, Materialien und exquisitem Geschmack. Im Gegensatz dazu bestand die amerikanische Arbeit im Wesentlichen aus einem Haufen schlecht gelaunter, sich beschwerender Kinder.
„Summer of Love: Art of the Psychedelic Era“, die Reise zum 40-jährigen Jubiläum des Whitney Museums in die Vergangenheit der Gegenkultur, bietet Momente voller lebhaftem Spaß, lässt Sie aber nur angenehm taub zurück. Zunächst einmal ist es vielleicht die weißeste, geradlinigste und konservativste Show, die in einem New Yorker Museum zu sehen war, seit Psychedelia neu war.
Ich bemerke in den jüngsten Ausstellungen in Museen und Galerien einen neuen Ansatz im Kunstschaffen. Es wurde letztes Jahr bei „Younger Than Jesus“ im New Museum ins Blickfeld gerückt und lief durch die Whitney Biennale, und ich sehe es aufblühen und Früchte tragen bei „Greater New York“, der zweimal im Jahrzehnt stattfindenden Spektakel des Auftauchens im MoMA PS 1 lokales Talent.
Der Geheimdienstoffizier und Historiker Rayburn veröffentlichte 2014 das Buch „Iraq After America“, das unbedingt gelesen werden muss für jeden, der verstehen möchte, wie der Irak in den Jahren nach dem amerikanischen Truppenabzug Ende 2011 ins Chaos geriet.
Es geht darum, bereit zu sein, Ablehnung zu akzeptieren. Man kann zwei Jahre lang an einem Buch arbeiten und es veröffentlichen, und es ist, als hätte man es genauso gut in den Brunnen geworfen. Es geht nicht nur um Champagner und Interviews mit der New York Times.
Ich liebe Inuit-Kunst und fast alles, was man in einem Museum für Volkskunst findet, sowie Kinderkunst oder Kinderbuchillustratoren oder Illustratoren im Allgemeinen – alle Arten von Arbeiten, mit denen meine Bilder vergleichbar sind.
Meine Ansichten über die Sicherheit der Juden in der Welt haben sich weder durch die Arbeit an der Dreyfus-Affäre noch durch die Arbeit, die ich über Franz Kafka für das Buch über ihn gemacht habe, das ich ein Jahr vor dem Erscheinen des Dreyfus-Buches veröffentlicht habe, geändert.
Wenn Sie sich in einem Kunstmuseum nicht in ein Fieber der Gier und Begierde versetzen, erfüllen Sie Ihre Aufgabe einfach nicht.
Heute ist es nicht verwunderlich, dass eine 30-jährige Künstlerin ihre erste Retrospektive hat! Andere Zeit, andere Geschwindigkeit. War das Museum einst der zentrale Ort der Anerkennung eines Künstlers, ist es heute nur noch ein weiterer Ort zum Experimentieren und Arbeiten, wie wir es auf jeder Kunstmesse tun können. Der König oder die Königin des Augenblicks wird völlig ignoriert und einige Jahre später durch den neuen ersetzt. Zeitgenössische Neuheiten in der Kunst verschwinden schneller als die saisonalen Veränderungen der Modedesigns.
Es wird davon ausgegangen, dass Facebook von 2011, Twitter von 2011 und Google von 2011 für eine auf Mobilgeräte ausgerichtete Welt ohne klare Strategie zur Erzielung von Einnahmen neu erfunden werden müssen.
Meine Philosophie ist, dass ich ein Künstler bin. Ich mache eine Kunst nicht mit einem Pinsel oder einer Kamera. Ich trete mit Körperbewegung auf. Anstatt meine Kunst in einem Museum, in einem Buch oder auf Leinwand auszustellen, stelle ich meine Kunst vor der Menge aus.
Der Ort hatte ein äußerst konfliktreiches Verhältnis zu seiner Mission. 1956 wurde es als Museum für zeitgenössisches Kunsthandwerk eröffnet. Dann erlebte es 1986 eine Midlife-Crisis und änderte seinen Namen in American Craft Museum. Im Jahr 2002 änderte sich der Name erneut, diesmal in Museum of Arts and Design. Vielleicht wird der Ort im Jahr 2025 Designatorium heißen. Das große Problem bei einem Museum für Handwerk und Design besteht darin, dass jede Kunst Handwerk und Design hat.
Es macht uns immer viel Spaß, durch Deutschland zu reisen, aber eines meiner Lieblingsmuseen auf der Welt ist das Museum Ludwig, ein unglaubliches Museum für zeitgenössische Kunst in Köln. Ich könnte den ganzen Tag darin verbringen.
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