Ein Zitat von Guido Molinari
Die Frage der Malerei ist mit der Erkenntnistheorie verbunden, mit der Auseinandersetzung des Betrachters, mit dem, was der Betrachter lernen kann.
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Ich möchte, dass Kunst den Betrachter berührt und dass der Betrachter sie mitnimmt, um das Leben zu bereichern, zu umarmen und zu erheben. Das ist der spirituelle Aspekt. Malen ist eine spirituelle Praxis, aber manchmal ist es schwer, die Kontrolle abzugeben!
Ich möchte, dass meine Bilder dem Betrachter ein echtes Gefühl für die Realität vermitteln – dazu gehören unter anderem Tiefe, Maßstab und eine fühlbare Oberfläche sowie ein wirkliches Gefühl dafür, wie das Motiv zu dem Zeitpunkt aussieht und fühlt, als ich sie gemalt habe . Es sollte einen Diskurs zwischen dem Betrachter und dem Subjekt geben, um das Gefühl zu haben, dass sie in gewisser Weise miteinander verbunden sind. Mein Ziel ist es nicht, eine Erzählung zu erstellen, sondern den Betrachter dazu zu bringen, seine eigenen Erfahrungen mit dem Gemälde und dem Motiv einzubringen, als ob er das Motiv im wirklichen Leben auf der Straße gesehen hätte.
Meine Popularität hat mit der Trennung zwischen moderner Kunst, in der alles im Dunkeln liegt, und dem Betrachter zu tun, der oft das Gefühl hat, er brauche einen Professor, der ihm sagt, ob sie gut ist oder nicht. Ich glaube, dass ein Gemälde mit Komposition, Farbe und Design direkt zum Betrachter sprechen muss, ohne dass ein Professor es erklären muss.
Es kommt darauf an, dass wir für Ausgewogenheit und Fakten sorgen und die Leute drängen, wenn es nötig ist, damit wir dem Zuschauer das genaue, faire und ausgewogene Stück liefern können, und dann ist es Sache des Zuschauers, der Richter zu sein.
Ein Kunstwerk kann als Leiter vom Geist des Künstlers zum Betrachter verstanden werden. Aber es kann sein, dass es den Betrachter nie erreicht oder den Geist des Künstlers nie verlässt.
Viele der Arbeiten, die ich im Laufe der Jahre gemacht habe, beinhalteten Maßstabsveränderungen und die Vorstellung von der Beziehung des Betrachters zum Objekt und der Art und Weise, wie wir Dinge sehen, indem wir Objekte entweder vergrößern oder verkleinern, was dazu führt, dass der Betrachter sie erneut betrachtet. Das ist schwierig, weil unsere Kultur so von Bildern und Medien bombardiert wird. Wie macht man etwas Frisches für den Zuschauer? Das ist eine echte Herausforderung.
Wenn sich die Figur im Film verändert, färbt dies auf den Zuschauer ab, sodass auch der Zuschauer diese Veränderung miterlebt.
Wenn meine Welt in den Augen des Betrachters weniger schön erscheint als seine, muss ich bemitleidet und der Betrachter gelobt werden.
Was mich fasziniert, ist das Erstellen von Bildern, die den Betrachter verwirren und verwirren, von denen der Betrachter jedoch weiß oder vermutet, dass sie wirklich passiert sind.
In allen Lebewesen gibt es gegensätzliche Kräfte. Meine Arbeit spiegelt dies wider und weckt beim Betrachter einen Kontrast von Emotionen: Wahrnehmung versus Ärger. Für den Betrachter, der diesen Bewusstseinsgrad erreicht hat, ist meine Arbeit nicht mehr abstrakt, sondern sehr real.
Kunstobjekte sind unbelebte, traurige Teile der Materie, die im Dunkeln hängen, wenn niemand hinschaut. Der Künstler macht nur die Hälfte der Arbeit; Den Rest muss der Betrachter selbst erfinden, und durch die Ermächtigung des Betrachters gewinnt das Wunder der Kunst seine Kraft.
Kunst ist der Raum zwischen dem Betrachter und dem Rechteck, das an der Wand hängt. Sofern nichts von der Person vorhanden ist, die das Werk geschaffen hat, kann der Betrachter nichts mitnehmen.
Ich muss den Geist meines Betrachters nicht kontrollieren. Das hört sich vielleicht widersprüchlich an, denn ich möchte, dass diese Installationen eine Umgebung schaffen, die beim Betrachter ein bestimmtes Erlebnis hervorruft, aber ab einem bestimmten Punkt lasse ich die Finger davon und überlasse es dem Zufall und der persönlichen Erfahrung. Vielleicht handelt es sich also um eine Verbindung von Kontrolle und Nicht-Kontrolle, wir reden darüber, dass der Künstler das Artefakt oder die Umgebung produziert und sich dann davon entfernt, und die zweite Hälfte der Gleichung ist der Betrachter und seine persönliche Geschichte und wie er darüber denkt was sie erleben.
Ich bin mir des Betrachters sehr bewusst, denn dort findet die Kunst statt. Meine Arbeit zielt wirklich darauf ab, den Betrachter in einen bestimmten emotionalen Zustand zu versetzen.
Ich gehe auf einen Zuschauer ein, weil der Geschmack dieses Zuschauers wichtiger ist als der aller anderen, und ich werde zuerst an ihn denken und dann, wenn er auch die Kritiker anspricht, soll es so sein.
In der klassischen Tradition, die ihren Ursprung im antiken Griechenland und Rom hat, wurde Schönheit als das Mittel verstanden, mit dem der Künstler den Blick des Betrachters fesselte, um ihn mit der Wahrheit zu fesseln und so zum Guten zu inspirieren.
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