Ein Zitat von James Cameron

Das Publikum am Ende von T2 zum Weinen nach dem Terminator zu bringen, das war für mich der ganze Zweck dieses Films. Wenn man es schafft, beim Publikum Emotionen für eine Figur zu empfinden, die man im vorherigen Film zutiefst verachtet hat und vor der man Angst hatte, dann ist das ein filmischer Handlungsbogen.
In Amerika scheint die Idee darin zu bestehen, das Publikum nicht zum Film zu bringen, sondern zum Publikum zu gehen. Sie legen die demografischen Daten für den Film fest, und dann wird der Film produziert und ausschließlich an dieses Publikum verkauft.
Im Film kann die Kamera eine Reihe von Aufnahmen machen, sodass das Publikum die Emotionen sehen kann, die die Figur ausstrahlt. Nahaufnahmen des Gesichts der Figur tragen wirklich dazu bei, die Botschaft zu vermitteln. Auf der Bühne ist das nicht möglich. Aber auf der Bühne herrscht das Live-Feeling, dass man nirgendwo anders hinkommt, weil das Publikum direkt da ist.
Es ist schwierig, in einem Film einen inneren Dialog zu führen. Es ist nicht filmisch. Aber in einem Musical kann sich die Figur einfach an das Publikum wenden und singen.
Es ist sehr wichtig, dass ein Film, der dem Publikum einen Streich spielen will, fair mit dem Publikum umgehen muss. Für mich ist es bei jeder Enthüllung des Films wichtig, dass er dem Publikum so oft wie möglich gezeigt wird. Das bedeutet, dass einige Leute es sehr früh herausfinden werden. Andere Leute nicht bis zum Ende. Jeder sieht den Film anders.
Ursprünglich hatte ich angefangen, Theater zu machen, bei dem der Schauspieler eine direkte Beziehung zum Publikum hat. Der Wechsel zu Film und Fernsehen hat mich also getrennt. Wenn man einen Film macht, fängt man an, die Figur zu verstehen, und dann verschwindet sie für ein Jahr, bevor sie veröffentlicht wird und man Feedback bekommt.
Im Film kann die Kamera eine Reihe von Aufnahmen machen, sodass das Publikum die Emotionen sehen kann, die die Figur ausstrahlt. Die Verwendung von Nahaufnahmen des Gesichts des Charakters trägt wirklich dazu bei, die Botschaft zu vermitteln. Auf der Bühne kann man das nicht machen. Aber auf der Bühne herrscht das Live-Feeling, dass man nirgendwo sonst hinkommt, weil das Publikum direkt da ist.
Ich liebe das Theater genauso wie die Musik, und die ganze Idee, ein Publikum zu erreichen und es zum Lachen und Weinen zu bringen – ihm einfach Gefühle zu vermitteln – ist für mich von größter Bedeutung.
Eine Schauspielerei ist eine schlechte Schauspielerei, wenn der Schauspieler selbst emotional wird, indem er das Publikum zum Weinen bringt. Das Ziel besteht darin, das Publikum zum Weinen zu bringen, aber nicht selbst zum Weinen. Die Emotion muss im Inneren des Schauspielers sein, nicht außerhalb. Wenn Sie weinend und jammernd dastehen, werden alle Ihre Emotionen unter Ihrem Hemd verschwinden und nichts wird an Ihr Publikum gelangen. Bei der Kontrolle des Publikums geht es wirklich um den Schauspieler
Ich habe meine Filme noch nie mit einem gewöhnlichen Publikum gesehen, daher war es wirklich verrückt zu sehen, wie die Leute am Ende meines Films klatschen – ohne dass jemand da war, ohne Schauspieler, ohne Leute aus dem Film. Es war nur eine spontane Reaktion, also dachte ich, das sei wahrscheinlich das beste Kompliment, das man von einem Publikum bekommen kann.
Als Autor wissen Sie, was der Zweck der Szene ist. Es hat wirklich nichts mit dem Schauspieler zu tun, also muss man wirklich aus diesem Raum herauskommen, denn für Schauspieler ist es ein Mikrofokus, und dann findet man seinen Handlungsbogen anhand dessen heraus, was die Autoren einem zu sagen geben. Aber dieser Handlungsbogen ist nur ein kleiner Teil des großen Handlungsbogens des gesamten Films. Es hat eine Weile gedauert, da rauszukommen.
Wenn das Publikum Ihren Film wertschätzt, ist das für einen Schauspieler das glücklichste Gefühl, denn am Ende des Tages machen Sie einen Film für es. Wenn es ihnen gefällt und sie wertschätzen, haben Sie das Gefühl, dass Ihre Arbeit erledigt ist.
Das erste, was ich sage, wenn Leute fragen, was der Unterschied [zwischen Fernsehen und Film] ist, ist, dass der Film ein Ende hat und das Fernsehen nicht. Wenn ich einen Film schreibe, denke ich nur daran, wo die Sache endet und wie ich das Publikum dorthin bringen kann. Und im Fernsehen kann es kein Ende nehmen. Das Publikum muss in der nächsten Woche wiederkommen. Es verschiebt irgendwie den Antrieb der Geschichte. Aber ich finde das eher als Autor als als Regisseur.
Bei jedem Film, den Sie schreiben sollen, dreht sich alles um einen Handlungsbogen; Normalerweise besteht der Handlungsbogen darin, dass die Welt eine Veränderung im Charakter hervorruft, normalerweise zum Besseren. Um keinen Handlungsbogen zu bilden, wurden die Botschaften und Ideen im Film stärker in den Vordergrund gerückt.
Ich habe es geliebt, „The Imitation Game“ zu machen, und es ist wirklich erfreulich, die Reaktion des Publikums auf die Figur zu hören, die ich spiele. Es war nur eine Kleinigkeit, die ich gemacht habe, weil mir der Film wirklich gefiel und ich Benedict [Cumberbatch] und Mortens [Regisseur Morten Tyldum] vorherigen Film, Headhunters, mochte. Für mich war es etwas, bei dem ich dachte: „Wow, das ist eine schöne, qualitativ hochwertige Arbeit.“
Wir arbeiten hart an jedem Film und dann liegt es am Publikum, ob es ihm gefällt oder nicht. Letzten Endes ist es der Wunsch des Publikums, was es annimmt und was nicht.
Als Autor möchte ich, dass jeder die Möglichkeit hat, seine Meinung zu äußern. Wenn jeder Charakter denkt, dass er die Wahrheit sagt, dann ist das gültig. Am Ende des Films überlasse ich es dann dem Publikum, zu entscheiden, wer das Richtige getan hat.
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