Ein Zitat von Jeff Koons
Ich bin immer davon überzeugt, dass es bei meiner Arbeit um die Erweiterung der Möglichkeiten des Betrachters geht. Wenn Sie also das Gefühl einer gesteigerten Situation haben, in der es Aufregung, körperliche Erregung und intellektuelle Stimulation gibt, gibt es einfach dieses Gefühl der Erweiterung. Denn dort geschieht die Kunst. Im Inneren des Betrachters.
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Es gibt bestimmte Kunstwerke, auf die ich reagiere, Künstler, auf die ich reagiere. Es ist eine intellektuelle Reaktion, aber es ist auch eine biologische Reaktion. Und die Aufregung, die die Arbeit hervorrufen kann – wie sie Ihnen ein Gefühl nicht nur über Ihre intellektuellen Möglichkeiten, sondern auch über Ihre physischen Möglichkeiten in dieser Welt vermittelt. Wie es sich anfühlt, am Leben zu sein!
Ich möchte, dass meine Bilder dem Betrachter ein echtes Gefühl für die Realität vermitteln – dazu gehören unter anderem Tiefe, Maßstab und eine fühlbare Oberfläche sowie ein wirkliches Gefühl dafür, wie das Motiv zu dem Zeitpunkt aussieht und fühlt, als ich sie gemalt habe . Es sollte einen Diskurs zwischen dem Betrachter und dem Subjekt geben, um das Gefühl zu haben, dass sie in gewisser Weise miteinander verbunden sind. Mein Ziel ist es nicht, eine Erzählung zu erstellen, sondern den Betrachter dazu zu bringen, seine eigenen Erfahrungen mit dem Gemälde und dem Motiv einzubringen, als ob er das Motiv im wirklichen Leben auf der Straße gesehen hätte.
Ein Grund für die Herstellung und Ausstellung eines Werks besteht darin, beim Betrachter eine Reaktion oder Veränderung hervorzurufen. In diesem Sinne ist das Werk als solches nicht existent, es sei denn, es fungiert als Medium der Veränderung zwischen Künstler und Betrachter.
Ich bin mir des Betrachters sehr bewusst, denn dort findet die Kunst statt. Meine Arbeit zielt wirklich darauf ab, den Betrachter in einen bestimmten emotionalen Zustand zu versetzen.
Der Betrachter wird sich seiner selbst und seiner Bewegung auf dem Platz bewusst. Während er sich bewegt, verändert sich die Skulptur. Kontraktion und Ausdehnung der Skulptur ergeben sich aus der Bewegung des Betrachters. Schritt für Schritt verändert sich die Wahrnehmung nicht nur der Skulptur, sondern der gesamten Umgebung.
Kunstobjekte sind unbelebte, traurige Teile der Materie, die im Dunkeln hängen, wenn niemand hinschaut. Der Künstler macht nur die Hälfte der Arbeit; Den Rest muss der Betrachter selbst erfinden, und durch die Ermächtigung des Betrachters gewinnt das Wunder der Kunst seine Kraft.
Kunst ist der Raum zwischen dem Betrachter und dem Rechteck, das an der Wand hängt. Sofern nichts von der Person vorhanden ist, die das Werk geschaffen hat, kann der Betrachter nichts mitnehmen.
Was ich nie in der Kunst wollte – und warum ich wahrscheinlich nicht in die Kunst gehörte – war, dass ich nie Zuschauer wollte. Ich denke, die Grundvoraussetzung für Kunst ist der Betrachter: Der Betrachter ist hier, die Kunst ist da. Der Betrachter befindet sich also in einer Situation des Verlangens und der Frustration. In einem Museum gab es diese „Do Not Touch“-Schilder, auf denen stand, dass die Kunst teurer sei als die Menschen. Aber ich wollte Benutzer und einen Lebensraum. Ich weiß nicht, ob ich diese Worte damals verwendet hätte, aber ich wollte Einwohner, Teilnehmer. Ich wollte eine Interaktion.
Kunst dient der Anregung, Spannung und dem Abenteuer.
Ich möchte Objekte schaffen, die den Betrachter auf eine Art und Weise anregen, wie ich von diesen Objekten angeregt werde. Nun, das ist eine ideale Situation und der Künstler hat keine Kontrolle darüber, was sein Publikum denken wird, aber er kann versuchen, durch das Werk etwas Qualität, etwas Poesie zu vermitteln und einfach hoffen, dass der Betrachter etwas in der Nähe einer ähnlichen Erfahrung hat.
Meine Popularität hat mit der Trennung zwischen moderner Kunst, in der alles im Dunkeln liegt, und dem Betrachter zu tun, der oft das Gefühl hat, er brauche einen Professor, der ihm sagt, ob sie gut ist oder nicht. Ich glaube, dass ein Gemälde mit Komposition, Farbe und Design direkt zum Betrachter sprechen muss, ohne dass ein Professor es erklären muss.
Früher ging ich einfach auf Fremde zu und erzählte ihnen wirklich ausführliche Geschichten darüber, wer ich war und woher ich kam, und versuchte, meine Geschichte aufzupeppen, was ich überhaupt nicht sehr aufregend fand. Das gab mir ein Lebensgefühl, ein Gefühl der Aufregung – aber das mache ich nicht mehr.
Autorentouren hatten früher ein Gefühl von Aufregung und Vergnügen, ein Gefühl von Anlass. Ich erinnere mich an Geschäfte, die einen Tisch mit Wein und Essen hatten. Es war einfach ein richtiger Abend.
Die Werkzeuge sind echt. Der Betrachter ist real, Sie, der Künstler, sind real und Teil von allem, was Sie malen. Sie verbinden sich mit dem Betrachter, indem Sie etwas in Ihnen teilen, das mit etwas in ihm in Verbindung steht. Ihr einziger Leitfaden ist, dass Sie wissen, was Sie bewegt. Alles, was Sie dazu brauchen, ist ein Pinsel, etwas Chemie, Leinwand und Technik.
Eine Ausstellung ist in vielerlei Hinsicht eine Reihe von Gesprächen. Zwischen Künstler und Betrachter, Kurator und Betrachter und zwischen den Kunstwerken selbst. Es macht Klick, wenn eine Ausstellung das Gefühl hat, einige Fragen beantwortet und noch mehr aufgeworfen zu haben.
Viele der Arbeiten, die ich im Laufe der Jahre gemacht habe, beinhalteten Maßstabsveränderungen und die Vorstellung von der Beziehung des Betrachters zum Objekt und der Art und Weise, wie wir Dinge sehen, indem wir Objekte entweder vergrößern oder verkleinern, was dazu führt, dass der Betrachter sie erneut betrachtet. Das ist schwierig, weil unsere Kultur so von Bildern und Medien bombardiert wird. Wie macht man etwas Frisches für den Zuschauer? Das ist eine echte Herausforderung.
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