Ein Zitat von Meagan Tandy

Als Kind drehte ich zu Hause meine eigenen Filme. Ich filmte mich selbst bei einer Szene, stoppte dann die Kamera, wechselte meine Kleidung und drehte eine Szene als eine andere Figur. Es klingt albern, aber ich habe es einfach geliebt, Geschichten zu erzählen.
Ich weiß, es klingt albern, aber bei Vorsprechen für Film oder Fernsehen sind die Worte nicht so wichtig – man muss sich in die Figur hineinversetzen und den Kern der Szene verstehen. Aber wenn man es im Theater nicht wörtlich macht, dann wirft man seinen Bühnenpartner ab.
Ich bin ein visueller Filmemacher, daher ist die Kamera ein wichtiger Teil meines Werkzeugs zum Geschichtenerzählen und ich verlasse mich wirklich auf sie, um eine Szene zu erzählen oder die Spannung zu erzeugen, die ich brauche, und um die Emotionen einer Szene oder Sequenz zu erzeugen.
[Beim Sprechen] muss man ein Gefühl dafür entwickeln, was vor einer Szene passiert ist, was nach einer Szene passieren wird und was man in einer Szene tut. Sie müssen Ihrer Fantasie noch mehr freien Lauf lassen, und sobald Ihre Emotionen hoch sind, werden sich Ihre Stimme und Ihr Gesichtsausdruck entsprechend verhalten.
Was ich nicht mag, ist, wenn ich Dinge sehe, von denen ich weiß, dass sie viel improvisiert wurden oder herumgespielt werden, bei denen die Szene keinen anderen Zweck hat, als einfach nur lustig zu sein. Was Sie nicht wollen, ist eine lustige Szene, eine lustige Szene, eine lustige Szene, und jetzt ist hier die Offenbarungsszene, und dann ist der Film zu Ende.
Ich schaue es mir Szene für Szene an. Ob es sich um eine historische Figur handelt oder nicht, was auch immer, auf der Seite ist eine Sache und in die Geschichte oder jemanden einzutauchen ist eine Sache, aber etwas vor der Kamera für ein Publikum funktionieren zu lassen, ist eine andere Übung, und man bringt so viel Authentizität mit, wie man kann Es.
Es fällt mir viel schwerer, Geschichten zu schreiben als Romane. Ich brauche die Weitläufigkeit eines Romans und die treibende Kraft, die er bietet. Wenn ich über Szenen nachdenke – und wenn ich das Schreiben von Szenen unterrichte – denke ich über Fragen nach. Welche Fragen wirft eine Szene auf? Welche Fragen werden beantwortet? Welche Fragen bleiben von Szene zu Szene bestehen?
Alle Regisseure an allen Sets verhalten sich je nach Szene etwas anders. Wenn Sie beispielsweise eine Liebesszene drehen, die intim ist, ist der Regisseur wahrscheinlich intim. Wenn Sie eine Szene drehen, in der alle herumalbern und lachen, wird der Regisseur wahrscheinlich damit beginnen. Wenn Sie eine Szene spielen, die unglaublich heftig ist und alle getötet werden, dann wird es am Set wahrscheinlich nicht viele Lacher geben.
Mein Redakteur und ich bleiben sehr diszipliniert. Es passiert einfach manchmal, wenn man einen Film dreht, man kommt in den Schneideraum und sieht eine Szene, die einen in einem bestimmten Abschnitt ausbremst, aber wenn man diese Szene entfernt, dann wird, emotional oder storytechnisch, eine andere Szene eine halbe- Eine Stunde später wird nicht die gleiche Wirkung haben. Man bleibt einfach dabei hängen.
Wenn Sie ein Theaterstück aufführen und Angst vor einer Szene haben, ist das die Szene, die Sie annehmen sollten, denn das ist die Szene, die Ihnen etwas über das Stück verrät.
Es ist immer anders, je nachdem, was die Szene verlangt, aber normalerweise höre ich vor der Szene Musik, um in Stimmung zu kommen, mich zu beruhigen und mich wirklich in die Lage der Figur zu versetzen. Ich schalte alles aus, was um mich herum geschieht, und konzentriere mich nur auf das, was ich tun muss. Von da an ließ ich es einfach geschehen.
Was ich tun würde, wäre, dass ich mich einfach an die Szene erinnere, nach Hause gehe und die Szene aus dem Gedächtnis aufschreibe. Und an alles, woran ich mich nicht erinnern konnte, füllte ich die Lücken einfach selbst aus und gab es dann einem Klassenkameraden, und dann machten wir es.
Im wahrsten Sinne des Wortes dreht man bei Film- oder Fernsehaufnahmen nur eine Szene, dann eine weitere Szene und dann noch eine Szene.
Wenn Sie in einer Szene mitspielen, konzentrieren Sie sich auf die Szene. Man kann seinen Charakter nicht brechen und sagen: „Oh mein Gott, ich liebe, was du tust!“
Ich habe mir tatsächlich „Rushmore“ angesehen, bin aber zu spät gekommen und habe mich selbst vermisst. Es war großartig, diese Szene. Ich habe diese Szene neulich im Fernsehen gesehen, komischerweise, die erste Szene, die man mit Jason Schwartzman und mir sieht, in der wir über seine Noten sprechen. Das ist eine brillante Szene, und ich muss sagen, wir spielen sie brillant.
Improvisieren ist mehr als nur das Ausspucken einer Menge lustiger Dinge, die nichts mit dem Material zu tun haben. Man muss im Charakter bleiben, man muss reagieren und reagieren wie der Charakter, den man spielen möchte. Man muss die Geschichte bedienen, und ich denke, das Improvisationstraining hat mir beim Zuhören, Reagieren und meiner Vorsprechtechnik geholfen. Es klingt so albern, aber es ist wahr. Denn nicht nur, dass man während des Vorsprechens improvisiert, sondern sobald man die Rolle bekommt, werden sie sagen: „Wirf alles weg. Improvisiere einfach diese Szene. Mach, was du willst.“ Jemand könnte in Panik geraten, wenn er es nicht gewohnt ist, so etwas zu tun.
Es gibt sicherlich Geschichten, die ich mir als Kind erzählt habe und die „Das Kabinett der Wunder“ beeinflusst haben. Es gibt eine Szene im Roman, in der eine Überschwemmung das Schloss durchbricht, und eine meiner Lieblingsbeschäftigungen als Kind in der Schule war, mir vorzustellen, wie die Schule aussehen würde, wenn es eine plötzliche Überschwemmung gäbe.
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