Ein Zitat von Sol LeWitt
Ein Kunstwerk kann als Leiter vom Geist des Künstlers zum Betrachter verstanden werden. Aber es kann sein, dass es den Betrachter nie erreicht oder den Geist des Künstlers nie verlässt.
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Für einen Künstler kann es in Ordnung sein, der Reaktion des Betrachters auf ein Kunstwerk gegenüber gleichgültig zu sein. Eine lebhafte Debatte über Themen ist ebenfalls von Vorteil. Aber die dunkle Vision einer Welt ohne Wahrheit kann nicht unsere Zukunft sein.
Gedanken und Emotionen, die der Künstler vielleicht nie im Kopf hatte, die er nie vorhergesehen hatte, die er nie beabsichtigt hatte, können durch sein Werk stark angedeutet werden. Dies ist ein wichtiger Teil der Moral der Kunst, den wir nie aus den Augen verlieren dürfen. Kunst dient nicht nur dem Vergnügen und dem Profit, sondern auch dem Guten und dem Bösen.
Kunstobjekte sind unbelebte, traurige Teile der Materie, die im Dunkeln hängen, wenn niemand hinschaut. Der Künstler macht nur die Hälfte der Arbeit; Den Rest muss der Betrachter selbst erfinden, und durch die Ermächtigung des Betrachters gewinnt das Wunder der Kunst seine Kraft.
Was ich nie in der Kunst wollte – und warum ich wahrscheinlich nicht in die Kunst gehörte – war, dass ich nie Zuschauer wollte. Ich denke, die Grundvoraussetzung für Kunst ist der Betrachter: Der Betrachter ist hier, die Kunst ist da. Der Betrachter befindet sich also in einer Situation des Verlangens und der Frustration. In einem Museum gab es diese „Do Not Touch“-Schilder, auf denen stand, dass die Kunst teurer sei als die Menschen. Aber ich wollte Benutzer und einen Lebensraum. Ich weiß nicht, ob ich diese Worte damals verwendet hätte, aber ich wollte Einwohner, Teilnehmer. Ich wollte eine Interaktion.
Ich muss den Geist meines Betrachters nicht kontrollieren. Das hört sich vielleicht widersprüchlich an, denn ich möchte, dass diese Installationen eine Umgebung schaffen, die beim Betrachter ein bestimmtes Erlebnis hervorruft, aber ab einem bestimmten Punkt lasse ich die Finger davon und überlasse es dem Zufall und der persönlichen Erfahrung. Vielleicht handelt es sich also um eine Verbindung von Kontrolle und Nicht-Kontrolle, wir reden darüber, dass der Künstler das Artefakt oder die Umgebung produziert und sich dann davon entfernt, und die zweite Hälfte der Gleichung ist der Betrachter und seine persönliche Geschichte und wie er darüber denkt was sie erleben.
Das Ziel des Künstlers besteht nicht darin, den Betrachter zu belehren, sondern ihm Informationen zu geben. Ob der Betrachter die Informationen versteht, ist für den Künstler nebensächlich.
Wenn ein Künstler sich nicht mit allem, was er sieht, erotisch beschäftigt, kann er genauso gut aufgeben. Ein Mensch zu sein mag eine sehr chaotische Sache sein, aber ein Künstler zu sein ist etwas ganz anderes, denn Kunst ist Religion, Kunst ist Sex, Kunst ist Gesellschaft. Kunst ist alles.
Die Frage der Malerei ist mit der Erkenntnistheorie verbunden, mit der Auseinandersetzung des Betrachters, mit dem, was der Betrachter lernen kann.
Ein Kunstwerk bedarf keiner Erklärung. Die Arbeit muss für sich selbst sprechen. Das Werk mag vielen Interpretationen unterliegen, doch im Kopf des Künstlers gab es nur eine einzige. Einige Künstler sagen, dass es in der Verantwortung des Künstlers liegt, das Werk für die Öffentlichkeit lesbar zu machen, aber ich bin damit nicht einverstanden. Die einzige Verantwortung besteht darin, sich selbst gegenüber absolut ehrlich zu sein. Meine Arbeit stört die Menschen und niemand möchte gestört werden. Sie sind sich der Wirkung meiner Arbeit auf sie nicht ganz bewusst, aber sie wissen, dass sie verstörend ist.
Ein Grund für die Herstellung und Ausstellung eines Werks besteht darin, beim Betrachter eine Reaktion oder Veränderung hervorzurufen. In diesem Sinne ist das Werk als solches nicht existent, es sei denn, es fungiert als Medium der Veränderung zwischen Künstler und Betrachter.
Wenn es das Kennzeichen des Künstlers ist, die Kunst über alles zu lieben, um ihrer selbst willen auf alles zu verzichten, zu denken, dass all die süßen menschlichen Dinge des Lebens verloren seien, wenn er nur etwas erreichen, ein gutes, großartiges Werk vollbringen könnte, dann war ich es nie ein Künstler.
Wenn es das Kennzeichen des Künstlers ist, die Kunst über alles zu lieben, um ihrer selbst willen auf alles zu verzichten, zu glauben, dass all die süßen menschlichen Dinge des Lebens verloren seien, wenn er nur etwas erreichen, ein gutes, großartiges Werk vollbringen könnte – dann war ich es nie ein Künstler.
Eine Ausstellung ist in vielerlei Hinsicht eine Reihe von Gesprächen. Zwischen Künstler und Betrachter, Kurator und Betrachter und zwischen den Kunstwerken selbst. Es macht Klick, wenn eine Ausstellung das Gefühl hat, einige Fragen beantwortet und noch mehr aufgeworfen zu haben.
In der klassischen Tradition, die ihren Ursprung im antiken Griechenland und Rom hat, wurde Schönheit als das Mittel verstanden, mit dem der Künstler den Blick des Betrachters fesselte, um ihn mit der Wahrheit zu fesseln und so zum Guten zu inspirieren.
Es kann nie einen Menschen geben, der so verloren ist wie einer, der in den weiten und verzweigten Korridoren seines eigenen einsamen Geistes verloren ist, wo niemand hinkommen und niemand retten kann.
Ich bin schon lange ein Fan der Arbeit von Adrian Piper. Ich finde, dass ihre Performance-Stücke durch ihre Bereitschaft zum Absurden bewegt werden. Dennoch gibt es eine soziale Kritik in ihrer Interaktion mit Menschen, die möglicherweise verstanden haben, dass die Künstlerin anwesend war, oder auch nicht.
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