Ein Zitat von Tana French
Wenn Sie eine Szene für eine Figur schreiben, mit der Sie in jeder Hinsicht nicht einverstanden sind, müssen Sie dennoch zeigen, dass diese Figur in ihren eigenen Augen absolut gerechtfertigt ist, sonst wirkt die Szene eher so, als ginge es um die Ansichten des Autors über den Charakter.
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Innerhalb einer einzigen Szene scheint es unklug zu sein, Zugang zu den inneren Reflexionen von mehr als einer Figur zu haben. Der Leser benötigt im Allgemeinen eine einzelne Figur als Mittel zur Wahrnehmung, als die Figur, der die Ereignisse widerfahren, als die Figur, in die er sich hineinversetzen muss, damit ihm die Ereignisse des Schreibens widerfahren.
Woher kommt eine Figur? Denn letztendlich ist ein Charakter eine Kombination aus der Schrift des Charakters, der Stimme des Charakters, der Persönlichkeit des Charakters und dem Aussehen des Charakters.
Wenn Sie schreiben, müssen Sie alle Ihre Charaktere lieben. Wenn Sie etwas aus der Sicht einer Nebenfigur schreiben, müssen Sie wirklich innehalten und sagen, dass der Zweck dieser Figur nicht darin besteht, jemandes Kumpel zu sein oder hereinzukommen und das Pferd in den Stall zu bringen. Der Zweck dieser Figur besteht darin, dass Sie einen kleinen Einblick in das Leben und den Tag dieser Figur erhalten. Man muss sie so schreiben, als wären sie keine Nebencharaktere, denn sie haben ihre eigenen Dinge am Laufen.
Es fällt mir viel schwerer, Geschichten zu schreiben als Romane. Ich brauche die Weitläufigkeit eines Romans und die treibende Kraft, die er bietet. Wenn ich über Szenen nachdenke – und wenn ich das Schreiben von Szenen unterrichte – denke ich über Fragen nach. Welche Fragen wirft eine Szene auf? Welche Fragen werden beantwortet? Welche Fragen bleiben von Szene zu Szene bestehen?
Ob Sie es glauben oder nicht, jeder Marvel-Charakter ist jemandes Lieblingscharakter. Es gibt da draußen einen Fan, der absolut davon überzeugt ist, dass seine Figur eine eigene Fernsehsendung haben sollte.
Wenn ich die Struktur hätte und diese Einstellung zu einem heterosexuellen Charakter hätte, hätte ich nie eine Sexszene, die beweisen würde, dass er heterosexuell ist. Wenn ich einen schwulen Charakter in einem Film habe, muss ich auch eine Sexszene darin haben – nur um zu beweisen, dass er schwul ist?
Man beginnt eine Kampfszene oder eine Actionszene immer mit der Frage: „Was lernen wir gerade über diesen Charakter und wie werden wir ihn oder sie in den nächsten drei Minuten darstellen?“ Und bei „Deadpool“ oder „Deadpool“ ist das nicht anders. „Atomic Blonde“ oder „John Wick“.
Jeder Charakter, den Sie sich ausdenken oder erschaffen, ist ein Teil von Ihnen. Sie versetzen sich in diese Figur hinein, aber da ist die Gestalt dieser Figur. Es gibt also ein gewisses Maß an Sicherheit in der Figur, sodass man sich als Figur sicherer fühlt als allein
Ich denke, dass Improvisationstraining einen wirklich auf die Charakterentwicklung orientiert, mehr als die Teilnahme an einem Strasberg- oder Meisner-Kurs. Es geht nicht nur darum, den Charakter wirklich schnell zu entwickeln, sondern auch darum, ein guter Partner in der Szene zu sein.
Es gibt nichts Beängstigenderes als Stille. Viele Horrorfilme stützen sich auf Hits und Filmmusik, um Spannung zu erzeugen, was eigentlich das Gegenteil bewirkt. Die besten Schrecken entstehen durch den Wunsch, zu sehen, wie die Figur das überwindet, womit sie in der Szene zu kämpfen hat. Wenn Ihnen der Charakter am Herzen liegt, ist Ihnen auch der Schrecken wichtig.
Ich liebe Kimberly Peirce. Unglaublich intensiv ist eine gute Beschreibung für sie. Brutal ehrlich. Wirklich scharf. Sie ist Regisseurin für Schauspieler. Das ist es, was sie am besten kann: Sich mit einem Schauspieler zusammenzusetzen und einer Szene auf den Grund zu gehen. Und nicht nur auf den Punkt kommen, was die Szene und die Figur sind, sondern auch, was man ist und wie man diese Brücke zwischen dem „Ich“ und der Figur und diesen Emotionen baut.
Selbst wenn ich in einer Figur schreibe, schreibe ich normalerweise immer noch über Dinge, die ich weiß oder die mir passiert sind, oder ich benutze diese Figur, um eine Erkundung meines eigenen Bewusstseins zu starten. Tatsächlich ist jedoch jeder Charakter, den Sie untersuchen können, nur eine Untersuchung eines Teils Ihres eigenen Bewusstseins.
Brian ist ein archetypischer Charakter, ein bisschen wie Don Juan, und so spiele ich ihn. Es macht Spaß, ihn zu spielen. Er glaubt uneingeschränkt an seine Freiheit. Er hält nichts zurück. Ich lerne gerade, dass man den Charakter, den man spielt, nicht hassen kann. Wenn ich meine Figur für ein Arschloch halte, ist das alles, was mir in den Sinn kommt. Er ist extrem gezeichnet, aber das bedeutet nicht, dass er kein Mensch ist.
Einer der Tricks besteht darin, die Darlegung in einer Konfliktszene zu vermitteln, so dass eine Figur gezwungen wird, Dinge zu sagen, die das Publikum wissen lassen soll – wie zum Beispiel seine Verteidigungsworte, wenn er sich gegen den Angriff einer anderen Person verteidigt scheinen gerechtfertigt zu sein, obwohl seine Worte eigentlich erläuternde Worte sind. Da etwas zu passieren scheint, glaubt das Publikum, es sei Zeuge einer Szene (was es auch ist), und hört nicht den erläuternden Reden zu. Humor ist eine weitere Möglichkeit, Darstellungen rüberzubringen.
Da ich aus dem Theater komme, untersuche ich immer gerne die Szene und versuche, einen Hinweis darauf zu bekommen, was der Autor erreichen wollte. Ich suche immer noch nach der Bedeutung des Namens der Figur, um zu sehen, ob darin irgendwelche Hinweise enthalten sind.
Wenn Sie eine Figur schreiben, ist es natürlich entscheidend, was die Figur sagt. Aber was der Charakter nicht sagt, ist absolut genauso wichtig wie seine Worte.
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