Цитата Лоуренса Вайнера

Подобно людям, которые в 60-х или 70-х годах заявляли о «конце живописи», они всего лишь открыли совершенно новую отрасль живописи. К счастью, это не работает. Это не повод для искусства. Закрытие чего-либо не является причиной существования чего-либо.
Я чувствую, что самое важное для живописи, которая долгое время была иерархически на вершине с точки зрения того, что считается изобразительным искусством, по сравнению с чем-то вроде комикса или тем, что считается низким искусством, заключается в том, что живопись должна открываться. сбоку, чтобы включить другие культуры и вещи, которые не сразу резонируют как картина, но, очевидно, вносят равный вклад в жанр.
Живопись традиционна, но для меня это не академия. Я чувствовал потребность рисовать; Я люблю рисовать. Это было чем-то естественным - как для некоторых людей слушать музыку или играть на музыкальном инструменте. По этой причине я искал темы моей эпохи и моего поколения. Фотография предложила это, поэтому я выбрал ее в качестве средства для рисования.
Я не против концептуального искусства. Я не думаю, что живопись нужно возрождать. Искусство отражает жизнь, а наша жизнь полна алгоритмов, поэтому многие люди захотят создавать искусство, похожее на алгоритм. Но мой язык — это живопись, а живопись — это противоположность этому. В этом есть что-то первобытное. Это врожденная потребность делать отметки. Вот почему, когда ты ребенок, ты пишешь.
Когда я снимал только под водой, я не думаю, что люди сначала могли понять это. Затем я добавил землю, которая представляла собой картину под названием «Два мира». По какой-то причине именно эта картина давала людям то, за что можно было ухватиться.
«Искусство или антиискусство?» был вопрос, который я задал, когда вернулся из Мюнхена в 1912 году и решил отказаться от чистой живописи или живописи ради нее самой. Я думал о введении элементов, чуждых живописи, как о единственном выходе из живописно-цветового тупика.
Многое из того, что я делаю, связано с тем, чтобы быть в данный момент, и я думаю, что людям трудно это понять. Мне нравится, когда что-то внезапно влияет на картину. Я смешиваю это красное, и это влияет на всю картину, или немного белого падает туда, и что-то меняет всю природу вещи. Остаток от того, что происходит, это то, что есть на картинах.
Есть отсутствие, но есть и присутствие. Речь идет о том, как живопись может развивать свои собственные абстракции. Я не знал, что картина будет об этом, но в ней должно быть это путешествие; Я должен чему-то научиться, я должен оказаться там, где я не ожидал оказаться, иначе я не думаю, что это живопись.
Если бы изображение дерева было только точным изображением оригинала, так что оно выглядело бы точно так же, как дерево, не было бы смысла его делать; мы могли бы также посмотреть на само дерево. Но картина, если она правильная, дает то, чего не могут передать ни фотография, ни вид дерева. Он подчеркивает что-то характерное, качество, индивидуальность. Мы не теряемся, глядя на шипы и дефекты; мы ловим видение величия и красоты царя леса.
Когда я рисую картину, я действительно рисую картину. У меня может быть техника плоскостопия или что-то в этом роде, но, тем не менее, для меня острые ощущения или суть дела - это настоящая живопись. Я не получаю никакого удовольствия от того, что выкладываю это.
У меня были беседы с европейскими художниками. Это означает, что люди смотрят на мою картину, и один из них может сказать: «О, твоя картина прямо как такая-то и такая-то!» Другой человек сказал бы: «Это как то-то и то-то». Но, в конце концов, это цепочка эстафет, как марафон. Есть так много такого-то и того-то, что в конце концов это становится моим. Мой диалог был полностью европейским, с художниками 40-х, 50-х, 60-х, но внешне я пишу большую живопись. Это пост-Поллок. Это актуально. Это встреча времени. Китайская сторона только выходит.
Когда я заканчиваю картину, я подношу к ней какой-нибудь божий предмет — камень, цветок, ветку дерева или свою руку — как последний тест. Если картина стоит рядом с вещью, которую человек не может сделать, картина подлинна. Если есть столкновение между ними, это плохое искусство.
Мне нравился английский язык и искусство, и я много рисовал. И по какой-то причине я был хорош в математике, но я не был отличником. Мне действительно пришлось много работать, чтобы получить хорошие оценки.
Академии художеств — не что иное, как великие живописные фабрики: с одного конца питаются талантливые, а выходят они как механические живописные машины.
У вас есть неокрашенные куски холста и толстые подрамники. Итак, вы видите, что картина — это объект; что это не окно во что-то — вы смотрите не на пейзаж, не на портрет, а на картину. Это в основном: Картина есть картина есть картина. И это то, что сказал Фрэнк Стелла: «То, что ты видишь, это то, что ты видишь».
Живопись должна воспитывать и обогащать. Современная живопись просто предлагает долю секунды эмоции: вы видите это, у вас есть мгновенная реакция и двигаться дальше. Наоборот, на настоящую картину можно смотреть снова и снова, и каждый раз в ней есть что-то новое.
Но, продолжая работать, вы начинаете чувствовать, что, если живопись не доказывает свое право на существование критическим и самокритичным, она вообще не имеет причин для существования — или даже невозможна. Полотно представляет собой суд, где художник является обвинителем, подсудимым, присяжными и судьей. Искусство без проб исчезает с первого взгляда.
Этот сайт использует файлы cookie, чтобы обеспечить вам максимальное удобство. Больше информации...
Понятно!