Top 40 Zitate und Sprüche von Diane Paulus
Entdecken Sie beliebte Zitate und Sprüche der amerikanischen Regisseurin Diane Paulus.
Zuletzt aktualisiert am 20. September 2024.
Als Regisseur habe ich nie das Gefühl, die Antworten zu haben.
Wir sind eine verdorbene Zivilisation. All diese Technologie, all die Computerspiele und die iPhones... niemand wird mehr für die Kunst da sein. Was für ein erschreckender Zustand der Menschheit.
Für mich besteht der Grund, warum Menschen auf einen Berggipfel oder ans Meeresufer gehen, darin, etwas zu betrachten, das größer ist als sie selbst. Dieses Gefühl der Ehrfurcht, das Gefühl, in eine Kathedrale zu gehen, es geht darum, sich in etwas verloren zu fühlen, das größer ist als man selbst. Für mich ist das die Definition von Spektakel.
Der Kern meiner Arbeit ist der Glaube an das Publikum, die Überzeugung, dass Populismus nicht bedeutet, das Theater zu verdummen, sondern dem Publikum eine Stimme und eine Rolle beim Erleben von Theater zu geben.
Ich hatte die Erkenntnis, dass mir die Interaktion mit Menschen gefällt. Ich wollte, dass Dinge auf Basisebene geschehen.
Es tut mir leid, aber wenn man heutzutage von einem Publikum verlangt, drei Stunden in eine Show zu investieren, muss die Heldin eine verständliche und vollkommen abgerundete Figur sein.
Ich musste einen Felsbrocken fallen lassen, um die Leute für die KUNST zu sensibilisieren. Das haben wir geschafft, und jetzt haben wir wieder ein Publikum, das innovative Arbeit will, herausgefordert werden möchte, aber auch nicht im Theater einschlafen möchte .
In der Politik geht es bis zu einem gewissen Grad um Gesetzgebung und Verwaltung. Du kannst nicht dort in den Schützengräben sein.
Ich bin mit einer wunderschönen goldenen Harfe aufgewachsen, die in unserem Wohnzimmer stand. Meine ältere Schwester hat es gespielt.
Ich glaube, dass es in unserer Kultur eine Tendenz gibt, dem Publikum die Schuld zu geben. In unserer Branche besteht die Tendenz zu sagen: „Das Publikum hat das Gebäude verlassen.“ „Die Leute wollen keine Kultur mehr.“
Meine Generation von Regisseuren macht sich keine Illusionen darüber, dass wir vom subventionierten Theater in Amerika ernährt und versorgt werden.
Ich möchte nicht in einer Kunstblase sein.
Ich denke, was die Intensität tatsächlich beherrschbar hält – das ist ein wenig kontraintuitiv –, ist, dass sie sich ständig ändert. Für mich ist jede Woche anders.
Ich fordere wirklich jeden Akteur zu Beginn eines Prozesses heraus und sage immer: „Ich habe eine Idee, die ich umsetzen werde.“ Ich hoffe und erwarte, dass Sie eine Idee haben und diese umsetzen. Aber ich möchte wirklich so arbeiten, dass wir gemeinsam eine dritte Idee haben, die besser ist als jede unserer Ideen.“
Sie müssen darüber nachdenken, warum Sie ein Publikum einladen, ins Theater zu kommen. Es geht nicht darum, dass sie kommen sollten, weil es gut für sie ist, sondern weil es das Gemüse ist, das sie essen sollten, und die Kultur, die sie bekommen sollten ... Es geht um Erfahrung und den Aufbau einer Gemeinschaft, um den Dialog und die Zusammenführung von Menschen.
Musik ist Rhythmus, und alles Theater ist Rhythmus. Es geht um Tempo, Abwechslung und Puls, egal ob Sie ein Versstück von Shakespeare oder ein Musical aufführen.
Ich bin an einem Punkt angelangt, an dem ich nicht einmal mehr weiß, was morgen bringt. Wenn ich unterrichte, bin ich natürlich jede Woche zum Unterricht in der Stadt.
Schau dir an, wo ich gelebt habe! Vier Blocks vom Lincoln Center entfernt. Ich habe immer im Brunnen gespielt. Und dann fing ich an, Tanzunterricht zu nehmen. Als ich 8 war, war ich in „Der Nussknacker“ für das NY City Ballet und tanzte mit 9 in „Der Feuervogel“ für George Balanchine. Glauben Sie mir, das ist etwas, das man nie vergisst.
Ich wusste, dass ART mir die Gelegenheit geben würde, meine Rolle als Regisseur zu erweitern und mir endlich einen Platz am Tisch zu ermöglichen, an dem ich mich an diesen politischen Diskussionen beteiligen und Diskussionen und, ehrlich gesagt, auch die Finanzdiskussionen führen konnte.
Es ist befreiend, nicht in seinem persönlichen Gepäck gefangen zu sein.
Ich höre Musik, ich lese Drehbücher und weiß ziemlich intuitiv, ob ich sie auf irgendeine Weise freischalten kann. Es ist eigentlich sehr befreiend, wenn man versteht, dass nicht alles für einen ist.
Ich bin immer daran interessiert, mit Menschen zusammenzuarbeiten, die gute Teamplayer sind – die in ihren Interessen und ihrem Engagement für das Projekt selbstlos sind.
Als Regisseur geht es mir in erster Linie darum, im Moment präsent zu sein, ganz gleich, ob man in der Probe, beim Vorsprechen oder in einem Kreativmeeting ist. Man hat das Gefühl, dass die Zeit stehen bleibt.
Ich bin immer daran interessiert, historisch zu betrachten, wie Theater die Geschichte beleben kann und wie all das dazu führen kann, dass wir uns auf bereichernde Weise mit unserem Leben auseinandersetzen.
Ich gebe so viel von mir selbst in meine Arbeit; Ich möchte mit Menschen zusammen sein, die bei mir sein werden.
Theater und Oper waren immer die Zwillingsreiche, die ich erobern musste, weil sie die Lieblingsreiche meiner Eltern waren.
Ich denke, jedes Theater in Amerika möchte ein jüngeres Publikum ... und man kann nicht nur darauf hoffen, ein jüngeres Publikum zu haben, man muss Dinge programmieren, mit denen sich das Publikum identifizieren kann.
Das Musiktheater ist eine glorreiche und eindeutig amerikanische Innovation in der Theatergeschichte.
Wenn Sie ein freiberuflicher Regisseur sind, werden Sie damit beauftragt, die Kunst zu schaffen, und dabei hört es auf.
Oper ist die ultimative Kunstform. Es gibt Gesang, Musik, Drama, Tanz, Emotionen und Geschichten.
Ich bin immer auf der Suche, welches Stück, welche Künstler, welche Dramatiker, welche Regisseure, welches Thema ein Publikum begeistern wird.
Im elisabethanischen England oder im klassischen Athen... stand das Theater nicht im Mittelpunkt der Kultur, sondern der Gesellschaft, der Politik, der Religion und des bürgerschaftlichen Engagements. Diese Dinge haben ein anderes Publikum.
Kunst kann nicht mehr als elitäres, heiliges Ereignis betrachtet werden. Es muss als eine zugängliche, populäre Form angenommen werden, und das ist meiner Meinung nach die Wurzel des Theaters.
Ich möchte ein Publikum, das sich auf seinen Plätzen nach vorne setzt.
Die Mission der ART besteht darin, die Grenzen des Theaters durch Werke des Kanons und die neuen Werke von morgen zu erweitern.
Ich bin immer daran interessiert, mit Menschen zusammenzuarbeiten, die gute Teamplayer sind – die in ihren Interessen und ihrem Engagement für das Projekt selbstlos sind.
Die Idee, dem Publikum das Gefühl zu geben, dass es wichtig ist, dass das Theater wichtig ist und dass es Partner der Veranstaltung ist – das ist es, was mich als Regisseur antreibt. . . Ich glaube, es ist tatsächlich radikal, an das Publikum zu denken.
Kreativität ist eine Form von Wissen.
Kreativität und die Welt der Fantasie – die Schönheit dessen, was wir als Kind sehen, und die Art des Spiels, die wir als Kind erleben – können für uns eine Möglichkeit sein, schwierige Zeiten zu überstehen.
Ich bin immer daran interessiert, historisch zu betrachten, wie Theater die Geschichte beleben kann und wie all das dazu führen kann, dass wir uns auf bereichernde Weise mit unserem Leben auseinandersetzen.
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